Juanes: "P.A.R.C.E."

Basta de anhelar las épocas del debut “Fíjate Bien” (2000) o –peor aún- las de Ekhymosis. ¡Llego el vehículo del año, el P.A.R.C.E. edition! Un bólido que abraza la modernidad o mejor dicho los arreglitos electrónicos que en la actualidad muchos creen que la representa. He ahí, la identidad del álbum y el punto en común que comparten la mayoría de sus canciones ¿La identidad de Juan Esteban Aristizabal? Ah no… Esa si es más compleja.

Desde el punto de vista del paisa, la producción de Stephen Lipson (Paul McCartney, Rolling Stones, U2) le da un aire londinense al quinto de su discografía… Pero lo que sucede más bien, es que el trabajo se empapa de toda esa diversidad que puede tener cualquier metrópoli con las características de la capital inglesa: El apasionamiento con los sonidos árabes que ya había sido expuesto antes en el corte “Yerbatero”, vuelve también para envolver un “Regalito”; a “La Soledad” se le sienten pequeños y sutiles anclajes al son cubano y “Segovia” aparece como una pieza mitad tango y mitad rock, que narra la masacre que ocurrió en el pueblo antioqueño del mismo nombre el 7 de noviembre de 1988.

P.A.R.C.E. tiene una personalidad definida y muy distinta de las que ayudaron a configurar “Un día Normal” (2002) y “Mi Sangre” (2004): El primero tenía la colombianidad a flor de piel y el otro, un fuerte protagonismo de guitarras eléctricas, que bien puede convertirlo en la producción más alternativa hasta la fecha. Todas las canciones actuales tienen su atractivo, se les nota la inversión de tiempo tanto a la hora de componer como a la de grabar, mientras Juanes sortea sin dificultades esos baches aburridores y excesivamente empalagosos que se notaron en La Vida Es Un Ratico (2007). Porque los cortes radiales de este último, están muy por debajo de los que representaron a los trabajos previos de Juan Esteban.

En las baladas y en las canciones de amor, es donde más se siente la transición sonora; ya que los detallitos electro les nutren nueva vida y brindan esa sensación, de estar escuchándole al artista un nuevo estilo para su trabajo. “Y no regresas” y “Esta noche”, dos ejemplos de esto.

Esta es la edición deluxe, que tiene doce canciones y goza de buena salud e identidad propias. El problema llega cuando a él o a su manager se les ocurre la “brillante” idea de lanzar una edición estándar del disco con dos temas menos (y no al revés): 1) Los bonus tracks cierran un compacto, no lo abren 2) P.A.R.C.E. se percibe de una manera totalmente distinta cuando se le amputan las dos canciones iniciales 3) Un artista no promociona “extras” en ruedas de prensa como si fueran parte del álbum, ya que se trata de partes del mismo a las que no todos los compradores podrán acceder.

Calle 13 - "Entren Los Que Quieran"

Calle 13 denunció a Sony públicamente en el corte online (censurado) de su disco “Entren los que quieran”. Además en el intro del mismo trabajo mandó al frente a la disquera porque les “deben dinero” y los “cogieron por el culo”; alegando que si quieren un nuevo contrato deben pagar y soltar más plata. Pero de igual forma, el cuarto del colectivo comandado por el dúo Residente/Visitante salió el pasado 23 de Noviembre a la venta ¿Y adivinen bajo el nombre de qué compañía? Las canciones no buscan como principal recurso a la controversia, pero el álbum se traza tres enemigos claros. Los otros dos son Luis Fortuño (Gobernador de Puerto Rico) y Jorge Santini (Alcalde de San Juan); ya que según el cantante René Pérez, el primero desempleó a su madre y el segundo es un periquero corrupto que debe hacerse la prueba de dopaje.

¡Ojo! Que no se agote entre polémicas, no quiere decir que no tenga crítica. “La bala” es la fábula de la trayectoria de un proyectil y un fuerte cuestionamiento a la sociedad que la acciona: “Cuando se lee poco, se dispara mucho”, dice la que quizás sea la frase más sencilla y certera del disco. “El Hormiguero” aparece como un himno combativo; una mezcolanza de champeta, cumbia y rock que aunque fue compuesta junto a seguidores twittereanos de distintos países; adquiere mucho más sentido cuando se aplica a “la colonia más grande del mundo”. Y “Latinoamérica” expone una tríada de íconos folklóricos -la colombiana Totó La Momposina, la peruana Susana Baca & la brasileña María Rita-; quienes se reúnen para lograr una sentida oda a “un pueblo sin piernas, pero que camina”.

Porque Calle 13 siempre ha sido una banda de rock. Desde su “Querido FBI” (canción inédita, en contra de la muerte del dirigente isleño Filiberto Ojeda Ríos), pasando por la hip-hopera “Los de atrás vienen conmigo”, hasta el “Calma Pueblo” con guitarras frenéticas (cortesía de Omar Rodríguez López) que presentan en la actualidad. Solo que para ellos, una canción de rock no es solo estructura; necesita palabras directas y “fuego” al pronunciarlas: “Eres corrupto, lo sabes, yo no me chupo el dedo; tienes cara de narcotraficante con miedo”, le dice –de manera indirecta- René Pérez al Alcalde Jorge Santini (“Digo Lo Que Pienso”).

Mientras tanto (con intención o sin ella), Residente y Visitante suavizan un poco las cadenas radiales con el merengue “Vamo’ A Portarnos Mal” y el “Baile De Los Pobres”, un reggaetón con toques árabes. Pero seguramente, este sea apenas el comienzo de la historia; ya que por defenderlos el dramaturgo y periodista Roberto Ramos Perea fué despedido del programa que realizaba en una emisora de AM en Puerto Rico.

La falta de crítica dentro de la música alternativa colombiana

¿De casualidad no les suena contradictorio que en una tierra llena de artistas con talento, de diversidades culturales y de rítmos, no hayamos podido lograr todavía conformar una industria que por lo menos alcance para dar trabajo digno y constante a nuestros artistas? ¿De veras se creen ese cuentito recurrente de que lo hecho en casa es inferior, que los criollos no saben de sonido, que lo local no da plata, que acá sería imposible lograr lo hicieron otros países latinos que lograron constituir su propio circuito independiente rentable? Todo esto, no son más que puras verdades a medias.

Hace algunos meses, un conocido referente de la industria nacional decía: “Cuando en este país logremos construir una escena de la que nosotros podamos vivir; tendremos que poner un filtro para que no todo suba y así garantizar calidad.” ¿Quieren saber cuál es el problema? Simple, que falta crítica. Y peor aún, que ni siquiera hay una claridad con respecto a lo que el propio término significa. Mientras que los que se las quieren dar de “eruditos” lo toman como algo exclusivamente negativo, otros lo aplican de una manera oportunista para favorecer a personajes amigos o a quienes deslizan platita bajo cuerda ¡Dios bendiga a la Wikipedia! Que nos refresca la memoria desde el punto de vista etimológico ("una opinión positiva o negativa que se basa en la argumentación o el análisis”). Entonces... ¿Ser amigo de la escena pseudo-famosa/farandulera bogotana o pagar un certificado falso de talento denominado payola? ¿Sabían que en otros países esta práctica es ilegal? Rumor de buena fuente: Se dice que hay un personaje local que paga este tipo de favores con prostitutas ¿Habremos llegado a tanto?

Cambiemos de tema, pero sigamos siendo malpensados… ¿Por qué Bonka tiene rotación constante en radio, si no pegan un hit desde ese disco que tenía “La Mona” y los que van a verlos cuando tocan en vivo siempre son los mismos seguidores fieles de todos los tiempos? ¿Por qué Naty Botero recibió inmediatas y múltiples reseñas por su disco "Adicta" en la prensa escrita y tardó meses en alcanzar las cadenas radiales? ¿Por qué Victoria Sur con un impacto similar en tabloides, nunca llegó a emisoras de RCN o Caracol con su tan elogiado “Colección de Mundos”; producido con formato comercial y retocado por Eduardo Bergallo (Soda Stereo, Los Fabulosos Cadillacs)?

Aunque hay algo más grave y contraproducente que la carencia de crítica… La de autocrítica. Empresarios de la industria nacional, han hecho un excelente trabajo de vendernos la idea de que The Hall Effect & V For Volume; son los dos mejores productos que tiene nuestro rock contemporáneo. Y si bien es cierto que tenemos que felicitar a la primera de estas por lograr ser la banda apertura de The Cranberries en su gira francesa y a la segunda por el alto nivel de producción de su álbum debut y los elogios que el mismo ha recibido en el exterior, ambas tienen un terrible problema: Las están vendiendo como un producto mucho más exitoso del que realmente son ¿No será por ese mismo inconveniente que The Mills a solo un año de la salida del formato físico de su debut “Babel”, tiene que volver a estudios? ¿Será casual que hayan tenido que lanzar su álbum tres veces? ¿Será que a pesar de haber sido más arriesgados en la composición y pensado primero en el mercado interno, hay algo que les falló en la fórmula?

Es que hay gente para todo y hay personajes increiblemente ilusos que creen que los gringos y los europeos van a comprarnos la música que ellos llevan añares haciendo. Pensar esto es tan ridículo, como el que una banda formada por criollos en Buenos Aires crea que porque tiene influencias de Calamaro, Spinetta y Charly toca Rock Argentino. Me hace pensar en los ídolos monocordes de la bailanta bonaerense que juran que hacen cumbia colombiana.

Choc-Quib-Town se ganó un Grammy Latino el año pasado y no solo es válido, sino muy necesario reconocerles su logro y empezar a analizar qué tipo de sonidos autóctonos están adquiriendo calidad de exportación. Pero lo que no solo es un asco, sino terriblemente inapropiado es ver periodistas que se están refiriendo a la triada en términos de banda revelación, haciéndose los defensores de la música nacional y presentando como nuevo, un logro que tenían que haber aplaudido hace tres o cuatro años ¿No es más importante que compusieron una melodía con visos de himno que le dio la vuelta al globo? ¿No es más importante que son uno de los talentos locales que más giras ha hecho en los últimos tiempos? ¿No es más importante que compactaron cultura del Chocó y la convirtieron en orgullo patrio? ¿No es más importante que nos están ayudando a construir una escena rockera, aunque ellos no toquen precisamente el género de las distorsiones? Logro que hay que reconocerle también a Bomba Estéreo, Systema Solar y ojalá próximamente a Frente Cumbiero, Radio Rebelde y Papaya Republik ¿O acaso hay algo más rockero que la autogestión, la utilización de medios alternos para la proyección de un mensaje, la denuncia social o la invitación al análisis?

Y así podríamos seguir todo el día... Pero la idea despertarles desconfianza con este tipo de cuestiones, no va para nada ligada a defenestrar esta escena alternativa contemporánea, sino a invitar y a cuestionar lo que está pasando en terminos de industria. Mientras tanto, los invito a no perder de vista: La gira mundial de Doctor Krápula, el éxito ascendente de Don Tetto en América Latina, el boom cibernético de Jiggy Drama o el crecimiento de esas bandas de corte autóctono -previamente mencionadas- que si vuelven locos a escuchas angloparlantes.

La Brizuela Méndez - "La Feria De La Alegría"

Hay dos hechos históricos que dan cuenta de la pasión que tiene "El Gody" (Corominas) por las músicas colombianas: Cuando un amigo le regaló un disquito amarillo que tenía rotulado el nombre “Discos Fuentes” (sello más antiguo de dicho país) y el momento en que conoció a la célebre cumbiera Totó La Momposina (banda incluída). Experiencias suficientes para marcar la adicción al porro del dueño de este circo, y la apología rítmica que realiza con este, con otros estilos oriundos de la tierra bañada por dos océanos y con un collage de sonoridades de distintos rincones del globo.

¿La Feria de la Alegría? ¡Sí! Y será porque el ingrediente primo de este trabajo, es la gente ¿La Brizuela Méndez & Friends? Puede ser. Pero la sobreabundancia de colaboraciones no parece tal, al escuchar que los invitados ocupan el lugar que le corresponde: Karamelo Santo, Sargento García, Tony (Karma Sudaca), Che Sudaka, Verónica Condomí, Pedro Leonidas (13H), Ciudavitecos, Goy Ogalde, Avanti Esperanza, Dino Tarditti… ¡Y todavía faltan compadres por desfilar!

Este es el tipo de disco que logra un melómano consumado: Un recorrido que va desde una vitamina tropical propia de las cumbias de La Sonora Dinamita (“Eres”), pasa por una mixtura cultural –legado natural- de su proyecto alterno Karamelo Santo y desemboca en el ska lisérgico de sus parientes innegables franceses de Babylon Circus ("El dueño del circo"). Logrando así, momentos verdaderamente poderosos; en medio de una rumbita rocker (“La fea”), un hip hop funcional a un clásico de la música popular colombiana (“Así es el porro”) o el letargo de una hipnosis folklórica, que se interrumpirá bruscamente a continuación con una percusión raggamuffin que necesitará despertarte a punta de sopapos (“Vida mía”).

Nacida como coléctivo de bailes culturales hace diez años y transformada en la actualidad en “La Feria de la Alegría”, La Brizuela Méndez arma su actual producción revisitando lo mejor de sus primeros diez años de carnaval urbano. Un compilado de canciones, pero también de experiencias y de amigos participantes del proceso; que no sería posible imaginar de otra manera ¿O de casualidad alguna vez viste seis personas solas animando un circo?

Shakira - "Sale El Sol"

Desde que la maquinaria mainstream descubrió que esa bomba sexual latina-árabe llamada Shakira era un diamante en bruto, la artista barranquillera iguala esfuerzos entre los mercados anglo y latino. “Sale El Sol” es su primer álbum hispano (o casi) en media década y muestra una faceta un poco más original que la de su contracara del año pasado; un cliché que se limitó a seguir las reglas comerciales del pop que más conviene a los gringos en la actualidad.

Tiene poco y nada de nuevo, pero al menos recupera un poco de esa autenticidad que la colombiana prefiere hacer de lado cuando se encuentra al lado de productores como Timbaland o The Neptunes. Vuelve a las fuentes, retoma la faceta adolescente y rescata algo de aquella forma juguetona de cantar que era tan necesaria en “¿Dónde Están Los Ladrones?” & “Pies Descalzos”. Por ello no es casual que el productor de ambos Luis Fernando Ochoa, haya participado en la canción que abre y titula el disco. Un intento por retomar la imagen dulce e inocente de los primeros tiempos, una búsqueda de aquella chica que no sabía preparar café, ni entendía de futbol...

Shakira apunta a un disco que sea tan ecléctico como un “Grandes Éxitos”, pero que esté formado por material inédito. Y para lograrlo, arma un collage con nombres de personajes que conocen bien su trabajo y que le han ayudado a garantizar algunas de las melodías más lucrativas de su carrera: Lester Méndez -colaborador en “La Tortura”-, Jorge Drexler (“Lo Hecho Está Hecho”), Gustavo Cerati (“No”, “Día Especial”) y John Hill, culpable del aberrante hit “Loba” y responsable del pegajoso “Waka Waka”.

“Sale el sol” parece menos trabajado y retocado que su anterior álbum latino “Fijación Oral Vol.1”. Las baladas suenan más orgánicas, abriendose paso a fuerza de guitarra o piano ("Antes de las Seis", "Lo Que Más") y la intérprete se ha encargado de hacer que la parte pop-rock del compacto -en la que participa el ex-Soda Stereo-, suene algo empalagosa ("Devoción", "Tu Boca"). Algunos coqueteos con el merengue y el reggaeton valen la pena: "Rabiosa", "Addicted To you" e incluso "Loca"... Un plagio autorizado por su autor dominicano "El Cata", a quien este gesto de caridad musical puede resultarle muy provechoso.

Vicentico: "Solo Un Momento"

La brecha estilística que solía unir al proyecto solista de Fernández Capello con su universidad artística llamada Los Fabulosos Cadillacs, se rompe en “Solo Un Momento”. Y está bien que así sea. Dentro de un álbum con instrumentos interpretados casi en su totalidad por solo tres personas (Cachorro López, Sebastián Schon y él), Vicentico aparece con el frac sonoro de un Raphael moderno. Justo en una época en la que en Argentina son pocos los que pueden escuchar a Leo Dan y a Leonardo Favio sin sentirse unos pelotudos, y en la que la juventud recuerda más a Sandro por sus rosas que por sus canciones –cosa que no ocurre en otros varios países del continente-, a Gabriel le pinta la onda flashback. Por fortuna no se las da de genio compositivo, logrando derribar estereotipos y mostrando su lado más sincero a la hora de dar forma a sus universos sonoros.

A medida que pasan los cuarenta y dos minutos de duración, la nostalgia sesentera es la encargada de ir moldeando a otros géneros que hacen pequeñas apariciones en el disco (pop italiano o rocanrol, por ejemplo). Cadencia que también es responsable, de que el toque de actualidad sea -casi por completo- responsabilidad de la inconfundible voz del LFC. El choque entre antaño y modernidad se pone interesante y coloca las reglas a la inversa, en un ska ahogado en sintetizadores llamado “Morir a tu lado”. La canción suena como si los Pimpinela hubieran viajado 50 años atrás en el tiempo para versionar un hit Cadillac.

El sabor y el ritmo que Vicentico ha pulido desde su debut como solista han desaparecido. La melosería de épocas doradas adquiere nuevas formas, se desarma casi por completo con unas notorias guitarras eléctricas en “Ya no te quiero” y ofrece un bolero de corte local como homenaje a Palito Ortega; la mejorable versión de “Sabor a nada”. Por su parte, el single homónimo (“Solo un momento”) resulta bastante apropiado para presentar y resumir el trabajo, e inclusive, hasta llega a engañar sextagenarios aparentando ser la canción clásica jamás compuesta. Si no lo creen, hagan la prueba.

Andando Descalzo: "La Quinta Armonía"

Buscando “La Quinta Armonía”, los Andando Descalzo alcanzaron también la obra más auténtica de su trayectoria hasta este momento.

“El Chávez” aparece una vez más como conductor responsable y suma otro crédito a su lista. Una lista que no solo cuenta con notables producciones artísticas, sino también con álbumes que están marcando la identidad de sus intérpretes y definiendo nuevos rumbos para los mismos. Resultando de esta manera, un disco cubierto de detalles y soniditos electrónicos donde es permitido jugar con las frecuencias dub (“Dale”), retomar los tímidos guiños al sonídero mexicano (“Ausencia”) y brindar mayor contundencia a las guitarras (“El Intocable”, “En el Mar”). Obsesión arreglística que funciona como fórmula apropiada a lo largo de casi todo el CD, siendo excepciones a esta regla la balada “Hoy Quiero” y el corte de difusión “Al viento”. Brillante por la sobriedad y sencillez de su música y lirica: “Después de tanto tiempo, comprendí que no está bien echarlo al viento”.

Dos de los invitados del álbum son Palo Pandolfo (Los Visitantes) y Limón García (ex-Bersuit, Vía Varela), quienes se calzan las pantuflas con cuadritos monocromáticos: El primero en una canción romántica de marcados beats (“Cuando Llueve”) y el segundo entre el frenesí rocker de “Cachivache”. Siguiendo en sintonía con la vertiente jamaiquina, “Naufrago” también saca a flote el costado arrabalero de Los Andando -“estas calles me conocen tanto a mí y mi sombra tanto a vos”-. Mientras que “Al Revés”, se sube al podio y se autoproclama como el ska más enérgico del disco, la típica pieza fiestera descalza.

De igual manera que Ricardo Iorio ocupa la posición de un León Gieco del palo del metal, Juani Rodríguez hasta este momento había representado en parte, a un Andrés Ciro púber por el tono de su voz. Sin embargo, “La Quinta Armonía” es un poco más arriesgada que otras composiciones previas, a la hora de hacer esfuerzos por explorar y descubrir el color personal del caminante cantante. Golpes electrónicos y guitarras poderosas nuevamente logran el punto exacto, esta vez entre el sonido de estos -otros notables- exponentes del barrio de Mataderos y desde luego, la programación del renombrado cirujano de la zona oeste.