"Música Sin Prejuicios"

Juanes: "P.A.R.C.E."

2010-12-10T14:58:00.000-08:00

Basta de anhelar las épocas del debut “Fíjate Bien” (2000) o –peor aún- las de Ekhymosis. ¡Llego el vehículo del año, el P.A.R.C.E. edition! Un bólido que abraza la modernidad o mejor dicho los arreglitos electrónicos que en la actualidad muchos creen que la representa. He ahí, la identidad del álbum y el punto en común que comparten la mayoría de sus canciones ¿La identidad de Juan Esteban Aristizabal? Ah no… Esa si es más compleja.

Desde el punto de vista del paisa, la producción de Stephen Lipson (Paul McCartney, Rolling Stones, U2) le da un aire londinense al quinto de su discografía… Pero lo que sucede más bien, es que el trabajo se empapa de toda esa diversidad que puede tener cualquier metrópoli con las características de la capital inglesa: El apasionamiento con los sonidos árabes que ya había sido expuesto antes en el corte “Yerbatero”, vuelve también para envolver un “Regalito”; a “La Soledad” se le sienten pequeños y sutiles anclajes al son cubano y “Segovia” aparece como una pieza mitad tango y mitad rock, que narra la masacre que ocurrió en el pueblo antioqueño del mismo nombre el 7 de noviembre de 1988.

P.A.R.C.E. tiene una personalidad definida y muy distinta de las que ayudaron a configurar “Un día Normal” (2002) y “Mi Sangre” (2004): El primero tenía la colombianidad a flor de piel y el otro, un fuerte protagonismo de guitarras eléctricas, que bien puede convertirlo en la producción más alternativa hasta la fecha. Todas las canciones actuales tienen su atractivo, se les nota la inversión de tiempo tanto a la hora de componer como a la de grabar, mientras Juanes sortea sin dificultades esos baches aburridores y excesivamente empalagosos que se notaron en La Vida Es Un Ratico (2007). Porque los cortes radiales de este último, están muy por debajo de los que representaron a los trabajos previos de Juan Esteban.

En las baladas y en las canciones de amor, es donde más se siente la transición sonora; ya que los detallitos electro les nutren nueva vida y brindan esa sensación, de estar escuchándole al artista un nuevo estilo para su trabajo. “Y no regresas” y “Esta noche”, dos ejemplos de esto.

Esta es la edición deluxe, que tiene doce canciones y goza de buena salud e identidad propias. El problema llega cuando a él o a su manager se les ocurre la “brillante” idea de lanzar una edición estándar del disco con dos temas menos (y no al revés): 1) Los bonus tracks cierran un compacto, no lo abren 2) P.A.R.C.E. se percibe de una manera totalmente distinta cuando se le amputan las dos canciones iniciales 3) Un artista no promociona “extras” en ruedas de prensa como si fueran parte del álbum, ya que se trata de partes del mismo a las que no todos los compradores podrán acceder.

Calle 13 - "Entren Los Que Quieran"

2010-11-23T19:48:00.000-08:00

Calle 13 denunció a Sony públicamente en el corte online (censurado) de su disco “Entren los que quieran”. Además en el intro del mismo trabajo mandó al frente a la disquera porque les “deben dinero” y los “cogieron por el culo”; alegando que si quieren un nuevo contrato deben pagar y soltar más plata. Pero de igual forma, el cuarto del colectivo comandado por el dúo Residente/Visitante salió el pasado 23 de Noviembre a la venta ¿Y adivinen bajo el nombre de qué compañía? Las canciones no buscan como principal recurso a la controversia, pero el álbum se traza tres enemigos claros. Los otros dos son Luis Fortuño (Gobernador de Puerto Rico) y Jorge Santini (Alcalde de San Juan); ya que según el cantante René Pérez, el primero desempleó a su madre y el segundo es un periquero corrupto que debe hacerse la prueba de dopaje.

¡Ojo! Que no se agote entre polémicas, no quiere decir que no tenga crítica. “La bala” es la fábula de la trayectoria de un proyectil y un fuerte cuestionamiento a la sociedad que la acciona: “Cuando se lee poco, se dispara mucho”, dice la que quizás sea la frase más sencilla y certera del disco. “El Hormiguero” aparece como un himno combativo; una mezcolanza de champeta, cumbia y rock que aunque fue compuesta junto a seguidores twittereanos de distintos países; adquiere mucho más sentido cuando se aplica a “la colonia más grande del mundo”. Y “Latinoamérica” expone una tríada de íconos folklóricos -la colombiana Totó La Momposina, la peruana Susana Baca & la brasileña María Rita-; quienes se reúnen para lograr una sentida oda a “un pueblo sin piernas, pero que camina”.

Porque Calle 13 siempre ha sido una banda de rock. Desde su “Querido FBI” (canción inédita, en contra de la muerte del dirigente isleño Filiberto Ojeda Ríos), pasando por la hip-hopera “Los de atrás vienen conmigo”, hasta el “Calma Pueblo” con guitarras frenéticas (cortesía de Omar Rodríguez López) que presentan en la actualidad. Solo que para ellos, una canción de rock no es solo estructura; necesita palabras directas y “fuego” al pronunciarlas: “Eres corrupto, lo sabes, yo no me chupo el dedo; tienes cara de narcotraficante con miedo”, le dice –de manera indirecta- René Pérez al Alcalde Jorge Santini (“Digo Lo Que Pienso”).

Mientras tanto (con intención o sin ella), Residente y Visitante suavizan un poco las cadenas radiales con el merengue “Vamo’ A Portarnos Mal” y el “Baile De Los Pobres”, un reggaetón con toques árabes. Pero seguramente, este sea apenas el comienzo de la historia; ya que por defenderlos el dramaturgo y periodista Roberto Ramos Perea fué despedido del programa que realizaba en una emisora de AM en Puerto Rico.

La falta de crítica dentro de la música alternativa colombiana

2010-11-18T15:33:00.000-08:00

¿De casualidad no les suena contradictorio que en una tierra llena de artistas con talento, de diversidades culturales y de rítmos, no hayamos podido lograr todavía conformar una industria que por lo menos alcance para dar trabajo digno y constante a nuestros artistas? ¿De veras se creen ese cuentito recurrente de que lo hecho en casa es inferior, que los criollos no saben de sonido, que lo local no da plata, que acá sería imposible lograr lo hicieron otros países latinos que lograron constituir su propio circuito independiente rentable? Todo esto, no son más que puras verdades a medias.

Hace algunos meses, un conocido referente de la industria nacional decía: “Cuando en este país logremos construir una escena de la que nosotros podamos vivir; tendremos que poner un filtro para que no todo suba y así garantizar calidad.” ¿Quieren saber cuál es el problema? Simple, que falta crítica. Y peor aún, que ni siquiera hay una claridad con respecto a lo que el propio término significa. Mientras que los que se las quieren dar de “eruditos” lo toman como algo exclusivamente negativo, otros lo aplican de una manera oportunista para favorecer a personajes amigos o a quienes deslizan platita bajo cuerda ¡Dios bendiga a la Wikipedia! Que nos refresca la memoria desde el punto de vista etimológico ("una opinión positiva o negativa que se basa en la argumentación o el análisis”). Entonces... ¿Ser amigo de la escena pseudo-famosa/farandulera bogotana o pagar un certificado falso de talento denominado payola? ¿Sabían que en otros países esta práctica es ilegal? Rumor de buena fuente: Se dice que hay un personaje local que paga este tipo de favores con prostitutas ¿Habremos llegado a tanto?

Cambiemos de tema, pero sigamos siendo malpensados… ¿Por qué Bonka tiene rotación constante en radio, si no pegan un hit desde ese disco que tenía “La Mona” y los que van a verlos cuando tocan en vivo siempre son los mismos seguidores fieles de todos los tiempos? ¿Por qué Naty Botero recibió inmediatas y múltiples reseñas por su disco "Adicta" en la prensa escrita y tardó meses en alcanzar las cadenas radiales? ¿Por qué Victoria Sur con un impacto similar en tabloides, nunca llegó a emisoras de RCN o Caracol con su tan elogiado “Colección de Mundos”; producido con formato comercial y retocado por Eduardo Bergallo (Soda Stereo, Los Fabulosos Cadillacs)?

Aunque hay algo más grave y contraproducente que la carencia de crítica… La de autocrítica. Empresarios de la industria nacional, han hecho un excelente trabajo de vendernos la idea de que The Hall Effect & V For Volume; son los dos mejores productos que tiene nuestro rock contemporáneo. Y si bien es cierto que tenemos que felicitar a la primera de estas por lograr ser la banda apertura de The Cranberries en su gira francesa y a la segunda por el alto nivel de producción de su álbum debut y los elogios que el mismo ha recibido en el exterior, ambas tienen un terrible problema: Las están vendiendo como un producto mucho más exitoso del que realmente son ¿No será por ese mismo inconveniente que The Mills a solo un año de la salida del formato físico de su debut “Babel”, tiene que volver a estudios? ¿Será casual que hayan tenido que lanzar su álbum tres veces? ¿Será que a pesar de haber sido más arriesgados en la composición y pensado primero en el mercado interno, hay algo que les falló en la fórmula?

Es que hay gente para todo y hay personajes increiblemente ilusos que creen que los gringos y los europeos van a comprarnos la música que ellos llevan añares haciendo. Pensar esto es tan ridículo, como el que una banda formada por criollos en Buenos Aires crea que porque tiene influencias de Calamaro, Spinetta y Charly toca Rock Argentino. Me hace pensar en los ídolos monocordes de la bailanta bonaerense que juran que hacen cumbia colombiana.

Choc-Quib-Town se ganó un Grammy Latino el año pasado y no solo es válido, sino muy necesario reconocerles su logro y empezar a analizar qué tipo de sonidos autóctonos están adquiriendo calidad de exportación. Pero lo que no solo es un asco, sino terriblemente inapropiado es ver periodistas que se están refiriendo a la triada en términos de banda revelación, haciéndose los defensores de la música nacional y presentando como nuevo, un logro que tenían que haber aplaudido hace tres o cuatro años ¿No es más importante que compusieron una melodía con visos de himno que le dio la vuelta al globo? ¿No es más importante que son uno de los talentos locales que más giras ha hecho en los últimos tiempos? ¿No es más importante que compactaron cultura del Chocó y la convirtieron en orgullo patrio? ¿No es más importante que nos están ayudando a construir una escena rockera, aunque ellos no toquen precisamente el género de las distorsiones? Logro que hay que reconocerle también a Bomba Estéreo, Systema Solar y ojalá próximamente a Frente Cumbiero, Radio Rebelde y Papaya Republik ¿O acaso hay algo más rockero que la autogestión, la utilización de medios alternos para la proyección de un mensaje, la denuncia social o la invitación al análisis?

Y así podríamos seguir todo el día... Pero la idea despertarles desconfianza con este tipo de cuestiones, no va para nada ligada a defenestrar esta escena alternativa contemporánea, sino a invitar y a cuestionar lo que está pasando en terminos de industria. Mientras tanto, los invito a no perder de vista: La gira mundial de Doctor Krápula, el éxito ascendente de Don Tetto en América Latina, el boom cibernético de Jiggy Drama o el crecimiento de esas bandas de corte autóctono -previamente mencionadas- que si vuelven locos a escuchas angloparlantes.

La Brizuela Méndez - "La Feria De La Alegría"

2010-10-26T05:56:00.001-07:00

Hay dos hechos históricos que dan cuenta de la pasión que tiene "El Gody" (Corominas) por las músicas colombianas: Cuando un amigo le regaló un disquito amarillo que tenía rotulado el nombre “Discos Fuentes” (sello más antiguo de dicho país) y el momento en que conoció a la célebre cumbiera Totó La Momposina (banda incluída). Experiencias suficientes para marcar la adicción al porro del dueño de este circo, y la apología rítmica que realiza con este, con otros estilos oriundos de la tierra bañada por dos océanos y con un collage de sonoridades de distintos rincones del globo.

¿La Feria de la Alegría? ¡Sí! Y será porque el ingrediente primo de este trabajo, es la gente ¿La Brizuela Méndez & Friends? Puede ser. Pero la sobreabundancia de colaboraciones no parece tal, al escuchar que los invitados ocupan el lugar que le corresponde: Karamelo Santo, Sargento García, Tony (Karma Sudaca), Che Sudaka, Verónica Condomí, Pedro Leonidas (13H), Ciudavitecos, Goy Ogalde, Avanti Esperanza, Dino Tarditti… ¡Y todavía faltan compadres por desfilar!

Este es el tipo de disco que logra un melómano consumado: Un recorrido que va desde una vitamina tropical propia de las cumbias de La Sonora Dinamita (“Eres”), pasa por una mixtura cultural –legado natural- de su proyecto alterno Karamelo Santo y desemboca en el ska lisérgico de sus parientes innegables franceses de Babylon Circus ("El dueño del circo"). Logrando así, momentos verdaderamente poderosos; en medio de una rumbita rocker (“La fea”), un hip hop funcional a un clásico de la música popular colombiana (“Así es el porro”) o el letargo de una hipnosis folklórica, que se interrumpirá bruscamente a continuación con una percusión raggamuffin que necesitará despertarte a punta de sopapos (“Vida mía”).

Nacida como coléctivo de bailes culturales hace diez años y transformada en la actualidad en “La Feria de la Alegría”, La Brizuela Méndez arma su actual producción revisitando lo mejor de sus primeros diez años de carnaval urbano. Un compilado de canciones, pero también de experiencias y de amigos participantes del proceso; que no sería posible imaginar de otra manera ¿O de casualidad alguna vez viste seis personas solas animando un circo?

Shakira - "Sale El Sol"

2010-10-21T08:29:00.001-07:00

Desde que la maquinaria mainstream descubrió que esa bomba sexual latina-árabe llamada Shakira era un diamante en bruto, la artista barranquillera iguala esfuerzos entre los mercados anglo y latino. “Sale El Sol” es su primer álbum hispano (o casi) en media década y muestra una faceta un poco más original que la de su contracara del año pasado; un cliché que se limitó a seguir las reglas comerciales del pop que más conviene a los gringos en la actualidad.

Tiene poco y nada de nuevo, pero al menos recupera un poco de esa autenticidad que la colombiana prefiere hacer de lado cuando se encuentra al lado de productores como Timbaland o The Neptunes. Vuelve a las fuentes, retoma la faceta adolescente y rescata algo de aquella forma juguetona de cantar que era tan necesaria en “¿Dónde Están Los Ladrones?” & “Pies Descalzos”. Por ello no es casual que el productor de ambos Luis Fernando Ochoa, haya participado en la canción que abre y titula el disco. Un intento por retomar la imagen dulce e inocente de los primeros tiempos, una búsqueda de aquella chica que no sabía preparar café, ni entendía de futbol...

Shakira apunta a un disco que sea tan ecléctico como un “Grandes Éxitos”, pero que esté formado por material inédito. Y para lograrlo, arma un collage con nombres de personajes que conocen bien su trabajo y que le han ayudado a garantizar algunas de las melodías más lucrativas de su carrera: Lester Méndez -colaborador en “La Tortura”-, Jorge Drexler (“Lo Hecho Está Hecho”), Gustavo Cerati (“No”, “Día Especial”) y John Hill, culpable del aberrante hit “Loba” y responsable del pegajoso “Waka Waka”.

“Sale el sol” parece menos trabajado y retocado que su anterior álbum latino “Fijación Oral Vol.1”. Las baladas suenan más orgánicas, abriendose paso a fuerza de guitarra o piano ("Antes de las Seis", "Lo Que Más") y la intérprete se ha encargado de hacer que la parte pop-rock del compacto -en la que participa el ex-Soda Stereo-, suene algo empalagosa ("Devoción", "Tu Boca"). Algunos coqueteos con el merengue y el reggaeton valen la pena: "Rabiosa", "Addicted To you" e incluso "Loca"... Un plagio autorizado por su autor dominicano "El Cata", a quien este gesto de caridad musical puede resultarle muy provechoso.

Vicentico: "Solo Un Momento"

2010-10-06T15:41:00.001-07:00

La brecha estilística que solía unir al proyecto solista de Fernández Capello con su universidad artística llamada Los Fabulosos Cadillacs, se rompe en “Solo Un Momento”. Y está bien que así sea. Dentro de un álbum con instrumentos interpretados casi en su totalidad por solo tres personas (Cachorro López, Sebastián Schon y él), Vicentico aparece con el frac sonoro de un Raphael moderno. Justo en una época en la que en Argentina son pocos los que pueden escuchar a Leo Dan y a Leonardo Favio sin sentirse unos pelotudos, y en la que la juventud recuerda más a Sandro por sus rosas que por sus canciones –cosa que no ocurre en otros varios países del continente-, a Gabriel le pinta la onda flashback. Por fortuna no se las da de genio compositivo, logrando derribar estereotipos y mostrando su lado más sincero a la hora de dar forma a sus universos sonoros.

A medida que pasan los cuarenta y dos minutos de duración, la nostalgia sesentera es la encargada de ir moldeando a otros géneros que hacen pequeñas apariciones en el disco (pop italiano o rocanrol, por ejemplo). Cadencia que también es responsable, de que el toque de actualidad sea -casi por completo- responsabilidad de la inconfundible voz del LFC. El choque entre antaño y modernidad se pone interesante y coloca las reglas a la inversa, en un ska ahogado en sintetizadores llamado “Morir a tu lado”. La canción suena como si los Pimpinela hubieran viajado 50 años atrás en el tiempo para versionar un hit Cadillac.

El sabor y el ritmo que Vicentico ha pulido desde su debut como solista han desaparecido. La melosería de épocas doradas adquiere nuevas formas, se desarma casi por completo con unas notorias guitarras eléctricas en “Ya no te quiero” y ofrece un bolero de corte local como homenaje a Palito Ortega; la mejorable versión de “Sabor a nada”. Por su parte, el single homónimo (“Solo un momento”) resulta bastante apropiado para presentar y resumir el trabajo, e inclusive, hasta llega a engañar sextagenarios aparentando ser la canción clásica jamás compuesta. Si no lo creen, hagan la prueba.

Andando Descalzo: "La Quinta Armonía"

2010-10-03T08:59:00.001-07:00

Buscando “La Quinta Armonía”, los Andando Descalzo alcanzaron también la obra más auténtica de su trayectoria hasta este momento.

“El Chávez” aparece una vez más como conductor responsable y suma otro crédito a su lista. Una lista que no solo cuenta con notables producciones artísticas, sino también con álbumes que están marcando la identidad de sus intérpretes y definiendo nuevos rumbos para los mismos. Resultando de esta manera, un disco cubierto de detalles y soniditos electrónicos donde es permitido jugar con las frecuencias dub (“Dale”), retomar los tímidos guiños al sonídero mexicano (“Ausencia”) y brindar mayor contundencia a las guitarras (“El Intocable”, “En el Mar”). Obsesión arreglística que funciona como fórmula apropiada a lo largo de casi todo el CD, siendo excepciones a esta regla la balada “Hoy Quiero” y el corte de difusión “Al viento”. Brillante por la sobriedad y sencillez de su música y lirica: “Después de tanto tiempo, comprendí que no está bien echarlo al viento”.

Dos de los invitados del álbum son Palo Pandolfo (Los Visitantes) y Limón García (ex-Bersuit, Vía Varela), quienes se calzan las pantuflas con cuadritos monocromáticos: El primero en una canción romántica de marcados beats (“Cuando Llueve”) y el segundo entre el frenesí rocker de “Cachivache”. Siguiendo en sintonía con la vertiente jamaiquina, “Naufrago” también saca a flote el costado arrabalero de Los Andando -“estas calles me conocen tanto a mí y mi sombra tanto a vos”-. Mientras que “Al Revés”, se sube al podio y se autoproclama como el ska más enérgico del disco, la típica pieza fiestera descalza.

De igual manera que Ricardo Iorio ocupa la posición de un León Gieco del palo del metal, Juani Rodríguez hasta este momento había representado en parte, a un Andrés Ciro púber por el tono de su voz. Sin embargo, “La Quinta Armonía” es un poco más arriesgada que otras composiciones previas, a la hora de hacer esfuerzos por explorar y descubrir el color personal del caminante cantante. Golpes electrónicos y guitarras poderosas nuevamente logran el punto exacto, esta vez entre el sonido de estos -otros notables- exponentes del barrio de Mataderos y desde luego, la programación del renombrado cirujano de la zona oeste.

Cienfué regala "La Calma y La Tormenta"

2010-09-23T08:33:00.000-07:00

Cansado de la discriminación de proveedores de música digital con las tarjetas de crédito de bancos latinoamericanos, el panameño Cienfué ha decidido brindar de manera gratuita su trabajo más folklórico. Lo nuevo de Camilo Navarro costa de dos cds y puede bajarse gratuitamente en su página oficial http://www.cienfue.com/

-¿Cómo nace la idea de un disco doble y conceptual como “La Calma y La Tormenta”?

Tenía una lista larga de canciones posibles para mi tercer disco (más de veinticinco) y no me gustaba la idea de tener que eliminar varias y hacerlas caber en un solo cd. Además, había una diferencia obvia entre los temas más fuertes y los más tranquilos. Dos grupos de canciones que se convirtieron en dos discos: El sutil "La Extraña Calma" y el fuerte "Tiempos de Tormenta". Siempre he estado interesado en la naturaleza dual del hombre y en la dualidad dentro de la naturaleza, dos polos opuestos que traté de reflejar.

-El internet cuenta que el “Pindín” (nombre de una de las canciones) es un estilo de vallenato panameño. ¿En qué se diferencia del que se encuentra del otro lado del Darién? ¿Es tan conocido allá, como en Colombia?

Es muy popular, pero no es un estilo definido. Lo veo más como una forma peyorativa, que se usa para describir un lugar de baile interiorano o una fiesta donde vas a bailar vallenato y cumbia. Es muy parecido al Colombiano y a su vez muy diferente, ya nuestra forma de interpretar este género es triste, profunda y melancólica.

-Tu nuevo sencillo se llama “La décima tercera”, ¿Cómo fue el proceso de creación de esa canción?

La décima es un estilo de poesía cantada de Panamá y tenía guardado ese término. Acá se paga el "decimotercer mes" -término muy inculcado dentro de la jerga local panameña- un bono que funciona como si cubriera un mes adicional de trabajo dentro del año. Quise jugar un poco con eso y con todo lo que rodea al número trece y su mala suerte, hablando sobre esa fecha que nunca llega. Al final trata de vidas pasadas, reencarnación y muerte: “La décima tercera vez que yo la conocí, fue la décima tercera vez que todo lo perdí”.

-¿Las nuevas tecnologías han profesionalizado el proceso de producción y difusión de música haciendo más reñida la competencia entre artistas latinos? ¿Qué tiene diferente el proyecto Cienfué para lograr llegar a países como Costa Rica, Venezuela, México o Colombia?

Es reñida la competencia, pero vale la pena. Me parece que los fans de otros países aprecian que estoy tratando de crear un sonido latinoamericano auténtico, diferente a la mayoría de sonidos que puedes apreciar ahorita en radio o tv.

¿Qué impacto tuvo el cambio en la gente que te sigue desde hace tiempo?

Los que eran fans han seguido siendo fans ¡Y ahora hay más que nunca! No he percibido un impacto como tal, hemos tratado de madurar en sonido e imagen y sobre todo la visión del proyecto para lograr el potencial máximo de la música. Creo que ha tenido resultado.

-¿El show en vivo? ¿Cómo es en esta gira? ¿Agregaste algún instrumento típico del folklore que contiene el nuevo álbum?

Por ahora hemos agregado a Milagros Blades en el tamborito (instrumento autóctono) e invitamos a Angélica de La Cruz para que haga Salomas (cantos de silabas tradicionales panameñas). Ambas participaron dentro de la grabación de “La Calma y La Tormenta”.

-En tu página criticás la poca importancia que le dan los comerciantes de descarga digital a los artistas latinos ¿Podrías ampliarnos este punto, por qué lo pensás de esa manera?

Porque muchos fans me escribían diciéndome que I-Tunes y otros servicios no aceptaban sus tarjetas de crédito latinoamericanas y que como resultado no podían comprar mi música. Cansado de este impedimento, decidí regalar mi trabajo. Me parece que los álbumes están destinados a ser gratuitos y que quienes van en contra de esa tendencia van para atrás. El pasado de grandes excesos ya paso, hoy en día la música le pertenece a quienes verdaderamente la aman y ese querer importa más que el dinero o el estrellato.

Mojiganga: "Ardiendo otra vez"

2010-09-19T14:09:00.000-07:00

Tras lograr la producción más completa de su carrera con un álbum doble que no fue tan bien recibido, esta banda quinceañera paisa busca reinventarse volviendo a su etapa más ska-punk. “Ardiendo otra vez” es un EP tributo a los legendarios vascos de Kortatu, que captura los momentos más juveniles y menos retocados en estudios (“Estupidas Guerras” y “Señalados”). Punky Hits como “Mierda de ciudad”, “Zu atrapa tu arte” y “El Ska de Manolo Rastamán" –con una onda muy a lo “Pancracio”-; devuelven a Mojiganga a un cauce que quizás no tendría que haber abandonado. Mientras ellos definen su nuevo rumbo, para los seguidores más viejos siempre será un regalo el regreso a las fuentes, aunque termine siendo momentáneo.

Puya: "Areyto"

2010-09-19T08:48:00.000-07:00

¿Areyto? Para los indios taínos -indigenas habitantes de la isla "La Española" (Rep. Dominicana - Haití) y alrededores-, primordialmente significaba canción o celebración.

En el 2010 y tras siete años de espera todos los integrantes de Puya vuelven a reunirse. Y no solo regresan como aquellos latinos que se tallaron arduamente un lugar entre la movida del rock estadounidense –compartiendo tarima con artistas como: Kiss, Pantera, RHCP, Sepultura, o Slipknot-. Sino como una leyenda del metal latino, como uno de los secretos mejor guardados del rock boricua ¿Motivos suficientes para festejar, no?

La actualidad marca claramente como target Hispanoamérica, con un primer disco compuesto enteramente en español. Estos puertorriqueños han vuelto, en parte para intensificar su público, pero también para abrir puertas de lugares donde tienen fanáticos y quizás ni lo saben –un amigo los escuchó por primera vez dentro de un taxi en La Plata (Argentina)-. Por ello “Areyto” se apoya en músicas tradicionales y en refranes populares: “No hay mal que por bien no venga, me dijo mi abuela a mi” o “Dicen que el momento más oscuro es antes de la luz” (“No Hay Mal Que Por Bien No Venga”).

Siguiendo con la vena caribeña, también se rinde tributo al poema “La Muralla” del cubano Nicolás Guillén: “Tráiganme todos las manos, los negros sus manos negras, los blancos sus blancas manos”. Solo que en la actualidad, la mano de obra local la aportan Tego Calderón, Midnerely Acevedo (Mimí Maura), Tito Auger (Fiel A La Vega) y un reconocido folklorista de la isla (“El Topo”); voces unidas que junto al cantante Sergio Curbelo logran la obra magna del compacto.

Lejos y atrás quedaron las épocas de producir para entrar en el circuito gringo –Garth Richardson (RATM) y Mudrock (Godsmack, Powerman 5000), fueron productores de su último álbum hasta la fecha: Unión (2002)-.

Menos cercano al death metal que Fundamental (1999) y más a instrumentos típicos como la décima y a las raíces sonoras puertorriqueñas; el nuevo EP de Puya determina el pasado, el presente y el futuro de la agrupación. Un detalle curioso antes de finalizar: “Areito” (pero con i) también fue el titulo que el dominicano Juan Luis Guerra le dio a su sexto álbum ¿Coincidencia?

Goy Karamelo: "Preferí bajarme del bote, para sobrevivir a esta enfermedad de querer éxito"

2010-09-15T13:43:00.001-07:00

Con casi todo listo para presentar su nueva golosina “Cumbiapunkreggaeparty”, la empresa del sabor llamada Karamelo Santo ha decidido postergar la fecha de lanzamiento de su séptimo álbum ¿La razón? El pasado fin de semana y a través de un comunicado difundido en Facebook y en Twitter, su lider (cantante, compositor y productor) anunció su retiro de la banda por cuestiones personales.

Quizás al propio Goy la palabra “líder” le suene excesiva al ver esta entrevista publicada. ¿Pero cómo decirle a ese personaje que encarnaba hasta este momento los ideales que el grupo representa? ¿Cómo olvidar el carisma con el que invitaba recital, tras recital a sus seguidores a agacharse un minuto a acariciar y a recordar la pachamama? ¿A alguien acaso se le olvida, que el estilo único de los mendocinos se forjó entre las cuatro paredes de su estudio, ese que está ubicado en el barrio de La Boca y que se llama “El Cangrejo Records”? Lugar que puede nombrar también dentro de sus créditos a: Manu Chao, Gambit, Nonpalidece, Encías Sangrantes, Sancamaleón, Aztecas Tupro, etc.

Esta nota busca informar el por qué Guillermo va a dejar que Karamelo Santo siga su propio rumbo, pero también quiere rendir un pequeño homenaje a un personaje carismático del underground argentino. A alguien que se fue de su tierra pero nunca la abandonó, que confía más en el rock que tiene la cumbia de los barrios que en el que se ve en televisión, que demostró que para que un artista saque la pelota del estadio (y del continente) no tiene que vender sus convicciones musicales.

Noticia sorpresiva... ¿Por qué dejás Karamelo Santo?

Una decisión entre instintiva y necesaria para mi salud. Atravesé una crisis de estrés muy grande, tanto familiar como laboral. Quiero estar con mi hijo un poco más.

¿Se viene el Goy en formato solista? ¿Vas a seguir produciendo canciones como las que has subido últimamente en tus redes sociales?

Lo que subo a la red, son cosas rápidas que produzco a fines de no dejar de brindar cosas que me parecen raras y terminan enganchando gente. No hay grandes planes ¡Me encanta la libertad del internet!

No sé nada sobre mi futuro y es probable que no pare de tocar en vivo. Pero quiero replantear cosas, descansar y sobre todo dar aire a mi vida. Los últimos 10 años se me fueron dando vueltas por el mundo y nunca paré para ver que había al lado mío. Cosas del arte y esa hiperactividad de no querer parar de hacer cosas, supongo. Me gustaría tocar con gente que hace mucho tiempo no cruzo un acorde.

Da la impresión de que tu retiro lo venís planeando hace meses ¿Qué se pone en balanza para tomar tan importante decisión? ¿Cuál es la parte más difícil?

No, no estaba muy planeado; aunque si estaba en un momento en el que se complicaron muchas cosas… Que preferí bajarme del bote para no perder el rumbo ni terminar enfermo. Sobrevivir de esta enfermedad de querer éxito.

¿Qué pasa entonces con “Cumbiapunkreggaeparty”? ¿Alcanza a ser el último álbum con tu participación vocal o aparecerás como invitado solo en algunas canciones? ¿Tiene fecha de salida? ¿Qué falta para que esté en las calles?

Ahora quedará parado por un tiempo. No sabemos exactamente hasta cuando, ya que el material tenía casi un 90% de canciones de mi autoría. Tampoco sé si en un futuro pronto representará lo que quiere la banda para sus discos.

Hace un tiempo Karamelo Santo estuvo dando recitales acústicos que además tenían un contenido más tropical ¿Cómo nació la idea y que experiencia sacaste después de presentar tantas veces un formato que no es el tradicional?

Para mi fué inspirador y devolvió una parte muy linda que es no depender del show con agite, ni luces ni nada hollywoodense. El depender solo de la música y la inspiración instantánea, ayudo a hacer crecer el contacto directo con el corazón de la gente.

Dentro de tu faceta productiva… ¿Qué músicos te han impresionado últimamente y por qué?

Me gusta Gogol Bordello, ellos devuelven la crudeza y la simplicidad de un folclore foráneo y lo llevan como bandera.

¿Aún sigue en pie la participación de Karamelo Santo en la segunda parte del tributo “Vos sabés… Como te esperaba? ¿Qué canción Cadillac aporta la banda al compilado?

No sé en estos momentos el futuro de esa producción. Popart (la productora) había elegido “Gitana”, pero hasta el momento no la hemos tocado.

¿Qué cualidad tuya te gustaría que quedara marcada en la banda? ¿Qué es lo mejor de vos que podés dejarles?

Las canciones son como los goles, los hacés o te los hacen. Lo más importante es transmitir poesía y transmitir algo con vector a la gente.

A manera de cierre, nombrame cinco artistas/bandas que definan tus horizontes musicales actuales.

Elvis Costello, Manu Chao, Joe Strummer, Sting, Bob Marley. ¡Abrazo!

Nota: Visiten www.soundcloud.com/goykaramelo para estar al tanto de sus grabaciones como solista. Allí encontraran covers de canciones como “Periodico de Ayer” (Hector Lavoe), “El Fantasma de Canterville” (Charly Garcia); además de nuevas versiones de temas de Karamelo Santo, entre otras.

B.o.B. - "The Adventures of Bobby Ray"

2010-09-15T07:23:00.001-07:00

No es solo un rapero gringo de moda, este pibe de 21 años cuenta con un flow explosivo que lo ha llevado a grabar con artistas como TI, Lupe Fiasco y Eminem y con hits como “Haterz Everywhere" e “I’ll be in the Sky”, que desde el 2007 lo respaldan. La actualidad tira otro dardo altamente certero: “¿Podemos pretender que los aeroplanos en la noche son como estrellas fugaces?” Se pregunta dulcemente Hayley Williams (Paramore), su invitada en el segundo sencillo “Airplanes”-clonado hasta el hartazgo en la actualidad por la programación de las radios estadounidenses-. La diversidad de las colaboraciones, es el ingrediente que hace de “The Adventures of Bobby Ray” un álbum diverso, ecléctico, ameno y fácil para escuchar: Rivers Cuomo (Weezer) logra un alegre rock-pop en “Magic”, la poderosa voz afroamericana de Janell Monáe pone el corazón en “The Kids” y mientras tanto “Bet I” (con TI & Playboy Tre) suena como hip hop para carretera, uno de esos que querés utilizar para llevar hasta el límite el volumen del auto.

Linkin Park: "A Thousand Suns"

2010-09-13T06:32:00.000-07:00

En el nuevo álbum del sexteto de LA... Seis de los quince tracks del son interludios, el primer tema musical arranca recién en el #3, todas las pistas están entrelazadas y constantemente se trazan líneas que dan sentido al concepto global. El Linkin Park de la actualidad parece mostrar a primeros visos una banda totalmente diferente, pero la realidad, es que solo ha llegado al último eslabón de una evolución que había quedado inconclusa en Minutes to Midnight (2007).

En “A Thousand Suns” un juego de palabras busca reiteradas referencias al título (“Quemándose en los cielos”, “Iridiscencia” y “La radiación”). Las metáforas no son un punto fuerte, pero las letras han sido cuidadas para construir en conjunto la noción de un apocalismo incierto: "Este no es el fin, este no es el comienzo" ("Waiting For The End"); “Dios salva a cada uno de nosotros que nos estamos prendiendo fuego entre mil soles”, retumba la plegaria constante de “The Catalyst”.

En la primera pasada todo desconcierta, cuesta encontrar una identidad y las canciones parecen estar ubicadas de manera inapropiada. Pero luego, se percibe que los rapeos de Mike Shinoda están más presentes y que la voz de Chester Bennington se siente más gritada –rasgos que definían a Hybrid Theory y Meteora-. También que en su nuevo LP, Linkin Park (LP) retoma la dirección perdida, deja atrás el new metal y se abre completamente a un sonido más alternativo, uno que confía más en la saturación productiva.

“Blackout” & “Wretches And Kings” (Las número 9 y 10 respectivamente) son la parte ruda del compacto: La primera suena opresiva entre la ineludible batería y los gritos de Chester, la segunda guarda el estilo de B-Sides de los inicios del grupo como “High Voltage” o “Step Up”. En el otro extremo, la fórmula “Leave Out All The Rest” vuelve a ser efectiva para “Burning In The Skies” e “Iridiscent” -dos perlitas radiales del paquete-.

Minutes to Midnight se había quedado a mitad de camino. Su pecado en aquel entonces, fué no saber como encontrar un punto medio entre el viejo estilo y el nuevo sonido. Pero en “A Thousand Suns", Linkin Park corre ese riesgo que debería haber tomado hace años, como si le apostara todo al doble 00 en la ruleta. Lo anterior, en el marco de un álbum cuyas temáticas apuntan contra el maltrato al medioambiente, la indiferencia e inclusive; la relación de fuerzas capitalista.

Entre interludios con citas de J.R. Oppenheimer, Martin Luther King y Marco Savio, una simple frase lo resume todo: "The People up top, push the people down low" (“Las personas que están en la cima, oprimen a las que están abajo”).

Varios - "The Disney Reggae Club"

2010-09-07T07:18:00.000-07:00

Disney es todo poderoso, está en todas partes y la Reggae Music no es ajena a esta omnipresencia. Pregúntenselo sino, a exponentes de la música verde como Matisyahu, Sly & Robbie, Gregory Issacs, Ziggy Marley o Yellowman; que forman parte de este compilado que le da aires jamaiquinos a los soundtracks de la productora con cara de ratón. Canciones como “Under the Sea” (La Sirenita), “Circle of Life" (El rey león), “Find Yourself” (Cars) y “I wanna be like you” (El libro de la selva), adquieren nueva vida en este proyecto que resulta ideal para que quienes lo escuchen den un salto hasta su infancia. Un pequeño detalle antes de finalizar... ¿Cómo es que dejan por fuera “Hakuna Matata”, cuando Bunny Wailer y Jimmy Cliff tienen notables versiones del tema que podrían haber sido incluídas?

Ricardo Arjona - "Poquita Ropa"

2010-09-06T07:34:00.000-07:00

Arjona respalda la incidental poca instrumentación de su nuevo álbum, tras la frase: “En la poquita ropa de las cosas, habita la belleza básica, cansada del disimulo de su magnitud por culpa del exceso de las prendas”. Es de esta manera, como arribando a su doceavo disco de estudio, Ricardo prefiere inclinarse por composiciones que apenas son acompañadas por una guitarra, un piano y leves coros. Aunque parecen estar todos los elementos para que sea un gran disco, esto desafortunadamente no ocurre así. Pasa que a este amante de lo simple –más no del facilismo-, de los pequeños instantes y de aquello aparentemente obvio; se le olvido un detalle importante dentro de esta metáfora. La desnudez es atractiva, por las sensaciones que produce y no por ser una simple carencia de elementos. Poquita Ropa resulta tedioso en varios rincones de esta habitación y despierta la sensación de estar hecho a las apuradas: “Escribir una canción no es ir deprisa”, ¿son tus palabras, no?

En este punto de la carrera de Arjona existen tres tipos de melodías: Las impecables (“Usted”, “Puente”, “Soledad Enamorada”), las incompletas –a esas que les faltó cinco para el peso- (“Aleluya”, “Todo estará bien”, “Que voy a hacer conmigo 2010”) y las que hacen intentos desesperados por aferrarse al pasado y terminan copiándolo (“Vida”, “Marta”, “Por tanto amarte”). En medio de este trabajo hecho al natural; el guatemalteco no tiene mejor idea que presentar como single el bonus track del compacto, una cuidada y emotiva versión en son cubano de “Puente” que termina llegando en el lugar y tiempo equivocados.

The HARD Cat Bone

2010-08-31T10:00:00.000-07:00

Simplemente duros: Dentro de la escena colombiana, en su sonido y en imagen consolidada. Fueron los primeros en abrir significativamente las puertas de medios nacionales que no daban cabida a las agrupaciones angloparlantes y que hoy en día paradójicamente, enaltecen con falsos argumentos a nuevas bandas pseudoinglesas. Estas, en la mayoría de los casos, calcos exactos del rock externo; preocupados más por comerse las migajas del pasado, que por proyectar una verdadera estrategia que propulse a nuevos y a viejos artistas hasta el otro lado del charco.

¿Acerca de Koma? Armado en medio de una vorágine compositiva que duró aproximadamente un año, grabado entre Groove Music Studios y Audiovisión (Bogotá DC), mezclado en Lima 32 Avenger Studio (Los Ángeles) y producido principalmente por Germán Villacorta (Ozzy Osbourne, Stone Temple Pilots & The Rolling Stones). Acerca de este peruano radicado en LA, el cantante Mauricio Leguizamo no ahorra halagos: “Entendió el significado de lo que queríamos y el resultado es uno de los mejores discos en la historia del rock colombiano”.

Durante varios años The Black Cat Bone se ha puesto la camiseta del blues, pero ahora será el Hard Rock el que demandará protagonismo con: “Chains”, “Tied To The Rails”, y “Kicking me down”, entre otras. A fines de comprender este fenómeno que explica su tendencia actual, podría hacerse un pequeño paralelo con una agrupación estadounidense llamada Buckcherry. En ambos casos sus músicos comprendieron que, la fórmula perfecta consiste en demoler oídos guardando el toque nostálgico de décadas pasadas y que también, es necesaria una marca que muestre desde la producción que el sonido es puro 21st Century. Casi en la back door aguarda “Free Mind”, una balada que busca su estilo entre “Dream On" (Aerosmith) y “Hemorrhage… In My Hands” (Fuel); marcando un punto de inflexión muy sano para la sonoridad del disco.

Su cantante cuenta que desde que comenzó la composición, la banda percibió –los dos nuevos elementos que legalizaban su nueva identidad- que se había vuelto más pesada y que sus temáticas estaban más perfiladas a la apertura de conciencias, que las incluidas en su debut: “Yo sé que sos parte del problema, como yo y como ellos y no ves una salida fácil en esto, ni parece importarte” (Part of the Problem”). Respecto a las letras: Actualmente hay intenciones de grabar cuatro canciones del álbum en español. No se trata de traducir, sino de grabar nuevas versiones que capten la esencia de las actuales, para que el mensaje llegue de una manera más directa al público local: “Se nos ha ido embolatando, pero ojala para fin de año podamos tener eso”.

Tras un año hibernando en el estudio, TBCB presenta Koma: “Sabemos que la espera ha sido larga, pero ya estamos listos para rockear en forma”, añade Mauricio. Ellos son conscientes del giro que han dado a su estado previo, pero confían que sus seguidores sepan aceptarlo: “Este disco fue hecho para todos y esperamos que crezcamos juntos en ese proceso”, concluye.

Nota próxima a ser publicada en la revista Music Machine Magazine (www.musicmachine.com.co)

Nawal - "Ecco"

2010-08-27T06:44:00.000-07:00

Nawal ahora es una banda de rock. Lo supe desde aquel instante que los vi en la tarima de Rock al Parque 2008. El reggae -y ese dub que los destaco entre la escena bogotana- sigue gritando presente, pero Ecco es primordialmente una apertura del abanico estilístico y una apuesta arriesgada. Busca atacar desde todos los frentes posibles y remarca estas intenciones de innovación, con las figuras que han sido invitadas a participar de el: Sergent García, Ely Guerra, Goyo (Choc-Quib-Town) y Christian de la Espriella (Pornomotora). Entre tantos elementos disímiles, la clave para comprender este álbum está en su lema: “Respiro para el agua fresca”. No lo olviden.

La canción “Al Acecho” (“el hilo se hace más fino, cuando la aguja encaja en el mal”) funciona como introducción, es una bisagra donde confluyen los sonidos de la vieja y la nueva etapa y es la que mejor puede representar ese lapso evolutivo que vino después de la salida de su debut en el 2006. A partir de este punto todo será exploración: Por ejemplo al sencillo “Eco” (“sigo el rastro de tus huellas, así no haya luz en el camino”) hay que darle varias oportunidades para poder digerirlo. Esto se debe en parte a sus cinco minutos de duración, pero sobre todo a que desde los 02:33 se vuelve una seguidilla de guitarras y un bombardeo de secuencias. No obstante cuenta con una gran virtud, una vez que entra se instala en lo profundo de tu cabeza y de allí no sale más.

“21 pasos” (“también somos lo perdido”) más adentro del corazón del álbum, radica el talento de Nawal para colorear cada rincón del disco con el trazo adecuado; logrando que un estilo estridente por naturaleza como el drum n bass se funda -y confunda- con las demás armonías. La pieza pop del disco brilla “Como un resplandor” (“cristalina como los besos”): Romántica, ligera, contagiosa. Para llegar a un “Atrato” (“porque en rio revuelto, la verdad siempre va en sentido opuesto”) de aires pacíficos y con el irremplazable aporte de la chocoana Goyo, que contribuye en esta fábula sobre la violencia en su tierra. Un homenaje anglo al “Hermano Malcolm” (“señor danos salvación, necesitamos una buena comunicación”). Y a una Ely Guerra, que emergerá entre sonidos y efectos varios, entrelazando su voz con la del cantante Javier Cucalón en un arrebato pasional llamado “Sin Remedio” (“las verdades no se aguardan, ni se atraviesan en mi garganta, no se apresuran, no demoran, no se acumulan, germinan”). La mexicana suena dulce y suave, siendo fiel a sus primeros pasos discográficos, llamados por aquel entonces “Loto Fire”.

Aumenta el voltaje y el álbum se va cerrando con las tres canciones más alternativas, aquellas con delirio de Bonus Tracks: En “El extranjero” (una memoria que no es más, ni menos”), vuelve la cuota drum n bass. Christian de la Espriella apoya en voces y va resultando una pieza industrial –o mejor dicho, algo que se parece bastante-. A continuación el Sargento colabora en "La Resistencia" ("somos el viento y el fuego, las espinas de las flores"), cuya versión demo había sido previamente develada en el EP del mismo nombre. Mientras que para el cierre se devela una rumba "punkyreggaeparty" que busca generar conciencia sobre las costumbres autodestructivas en ciertos espacios de la fiesta bogotana... "Riobadub Barriodub" ("no participo de esta acción").

Al comienzo de la nota había una advertencia: “Respiro para el agua fresca” (¿Recuerdan?). Ecco fluye paso a paso y va dando gradualmente la razón de ser a cada uno de los elementos que lo conforman. Es un álbum para escuchar con calma, a fines de entender esa curiosidad infantil que lo rodea y que alimenta la busqueda por nuevos sonidos.

Gustavo Cordera: "Gustavo Cordera en La Caravana Mágica"

2010-08-22T07:23:00.000-07:00

Criticar un disco de la Bersuit Vergarabat o de Gustavo Cordera como solista no es una tarea fácil ¿La razón? Quizás porque hasta el momento ninguno de ellos ha publicado algo que pueda ser considerado una mancha negra discográficamente hablando. Esto hace que quienes tengan que darse a la tarea de analizarlos –el autor de esta nota incluido- deban recurrir a la minuciosidad, a fines de poder escarbar detalles faltantes en la composición o la grabación del compacto. Con su nuevo álbum, el pelado ha llegado a complicar(nos) aún más las cosas porque combinando bailongo en tetrabrik y catarsis barrial consigue un sonido que puede llegar a ser su marca de fábrica durante muchos años.

Para su segundo larga duración, la impronta chavista –en términos de producción y no de política- se torna en ese nutriente necesario para brindar un aire pop a los nuevos y originales ritmos "rioplatinoaméricanos" (cumbia, folklore y rock con codificaciones locales) que quiere explorar Gustavo Cordera en La Caravana Mágica. Pensar que Matías “El Chávez” Méndez ha pulido su arte desde abajo: Primero trabajando con bandas barriales como Shambala, Dj Nelson y con su proyecto Nuca; hasta alcanzar a No Te Va Gustar –para trabajar con ellos en el disco más sólido de su carrera- y a este juglar moderno que exaltando sus raíces canta: "En el barrio de Entrevía, pedazo de Avellaneda; todo el mundo sabe que soy el hijo de Edgardo Cordera, tanguero de corazón, purrero que juega fuerte…” (“Asalto de cumbia”).

Ironías: Cuando este productor era baterista de Árbol fue expulsado por influencia de Santaolalla, aquel personaje que logró –entre otras cosas- moldear a esa Bersuit que llenó estadios. Ahora Matías, guardando bajo perfil demuestra junto a un artista que ya pasó por las manos del ex-Arcoiris, que sabe dar pasos firmes y que tiene todos los elementos para en un par de años, llegar incluso a superar los logros de este midas del pop latino. Prueba de ello es “La Bomba Loca”, una explosión de sexualidad que tiene la marca dancehall del álbum solista de Chávez ("Moron City Groove" - 2010), pero también un formato ideal tanto para radios, como para bailantas.

Gustavo Cordera en La Caravana Mágica es poesía antierudita para aquellos que gozan haciendo un trabamentes –y hasta incluso un trabalenguas- de cada frase que escriben: “No es que sea viejo, es que tengo a mi niño preso” (“No es que sea viejo”); “Mentirme es la droga que más me asustó, el miedo a la muerte casi me mató” (“Estoy real”). Es joda cumbiera, pero también un pasaje introspectivo que lleva al pelado hasta los rincones más existencialistas de su ser. Consiguiendo como resultado que, escucharlo en ciertos espacios –para bien o para mal- pueda convertirse en una experiencia terapéutica.

Sargento García : Muchos ingredientes y sabores colombianos en su nuevo disco

2010-08-19T08:55:00.000-07:00

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En Diciembre sale la nueva producción de “Sergent García” (Sargento García para los criollos). Su título es un secreto celosamente guardado, pero los géneros que explorará y el aluvión de músicos nacionales que hará parte de esta producción, no lo es. Quince nuevas canciones, entre las cuales ya se puede ver el video en internet de “Yo soy salsamuffin”, sencillo que cuenta con la colaboración de su compañero de soundsystems “Supa Bassie” y que fue rodado en La Candelaria, barrio tradicional de la ciudad de Bogotá.

Si después de cuatro años de “Máscaras” (último disco de estudio) estás desesperado por una dosis de salsamuffin, cumbiamuffin, raggamuffin y otros etcéteras de igual terminación verbal, esta entrevista puede servir para calmar las ansias hasta fin de año. Aunque también puede producir una reacción adversa, así que por si las dudas advertimos que no nos haremos responsables de los efectos provocados por esta nota.

-Se rumora que en esta ocasión te has dedicado más a lo que algunos llaman “World Music” y que dejaste un poco de lado al reggae -que es una de las raíces de tu trabajo-. ¿Qué hay de cierto en ello? ¿Qué estilos musicales se podrán encontrar en esta ocasión?

En realidad creo que el término de World Music no significa gran cosa. Porque todos hacemos música del mundo y entonces, si con este término se te refieres a estilos más tradicionales, yo diría que no más que en cualquiera de mis otros discos. Lo que si es cierto, es que he trabajado estos últimos meses en Colombia con músicos reconocidos por su trabajo con sonidos autóctonos y el reggae sigue siendo uno de los ejes principales de mi música, también hay algo de ska.

-¿En dónde lo estás grabando? ¿Vos sos el productor?

Lo estoy trabajando entre países como: España –más precisamente en Valencia-, Cuba y Colombia. Estoy a punto de empezar el proceso de mezcla en Paris y también grabé con mis músicos allí. El productor ejecutivo soy yo y el artístico mi amigo Ivan “Darroman” Montoya.

-¿Meterte más de lleno a explorar con ritmos latinos, significa volver a tus comienzos donde había fusión, pero también te dabas el gusto de componer salsas que fueran puramente salsas?
Sigo con esa misma coctelera de ritmos afrocaribeños, la salsa sigue siendo para mi gusto una de las músicas más complejas e interesantes que se crearon en el siglo XX. Y para este nuevo disco habrá además guaguancó y hasta un bolero.

-Últimamente has colaborado en producciones de diversos artistas ¿Alguno de ellos invirtió los papeles? ¿Hay algún otro tipo de participaciones en el álbum?

Si, habrán más de 20 músicos invitados. Entre ellos músicos del colectivo “Iye Ifé” (compañía durante las giras), Supa Bassie y en especial muchos músicos colombianos: Manuel Gamboa (Dub Killer Combo), Adriana Ferrer (Pernett), Erika Muñoz (Sidestepper), Jacobo Velez y Marlen Rentería (Mojarra Eléctrica), El Profe (La 33), Uriam Sarmiento (Curupira – Aterciopelados), Rocca (Tres Coronas), Lili Saumet (Bomba Estéreo), entre otros.

-¿Desde “Máscaras” has participado en al menos dos proyectos alternos (Okokán Soundsystem y Salsamuffin All Starz) ¿Qué ha pasado con ellos? ¿Continúan activos? incluso el EP de uno de ellos se tituló Vol.1, pero aún no cuenta con su segunda parte.

Seguimos activos con Salsamuffin All Starz. Supa Bassie y yo en formato soundsystem y el colectivo de dj’s y músicos.

-Después de casi seis discos de estudio, formar un sonido sólido y presentarte en varios lugares donde recién se está expandiendo el proyecto del Sargento ¿No has pensado en grabar tu primer álbum en vivo?

Ese disco ya está grabado, pero este año nos faltó el dinero para finalizar ese proyecto, ojalá para el año q viene.

-¿Qué ha faltado para entrar con fuerza en otros países como Argentina, donde tenés una buena cantidad de público en el underground que conoce tu música?

Ya dimos el primer paso que fue llevar el formato soundsystem a Argentina, espero que eso nos haga más fácil tocar en el futuro en el cono sur. ¿Pero sabes? Para mí es un rompecabezas juntar a la banda completa. Somos diez músicos en carretera (más los técnicos) y hasta ahora no hemos tenido apoyo suficiente para llevar la agrupación completa. Espero que poco a poco, consigamos presentar el proyecto completo en todos los rincones de Latinoamérica.

-¿Qué pensás del estado actual de lo que algunos llaman “Mestizaje” y del hecho de exista esta tendencia mundial de combinar géneros y ritmos entre sí, que cada vez parece estarse volviendo más grande y trascendente?

La música es un reflejo de las tripulaciones de la humanidad, por ello siempre ha sido y será mestiza. Hoy en día, viene acompañada otro fenómeno mundial que es la inmigración. Además con la actualidad de los medios de comunicación todo avanza más rápido, se caen las fronteras entre culturas y entre pueblos. Aunque siempre los gobiernos del primer mundo estarán construyendo nuevos muros, yendo a contravía con la evolución de la historia.

-¿Hay algún detalle extra que quieras agregar a la nota?
Que no se pierdan los programas que hacemos en Radiotimbo.com. ¡Saludos!

Articulo públicado por Music Machine Magazine (http://www.musicmachine.com.co/)
Fotos: Youri Lenquette - La Gwagwita
Agradecimientos: Sergent Garcia, Felipe Pla (Manager)

Perfil realizado para "Juan Ariza" (Fotógrafo)

2010-08-12T16:53:00.000-07:00

Las imágenes del fotógrafo de moda Juan Ariza son diferentes, porque su forma de concebir el objetivo que inmortaliza también lo es: "El cuerpo no existe para permanecer estático, al contrario debe moverse con la cámara y bailar para ella". Su trayectoria ha estado propulsada por su ego, el mismo que lo lleva a ensayar técnicas arriesgadas y derribar aquellos límites convencionales que se relacionan con el oficio de disparar la lente. Entre los trabajos y proyectos que ha realizado para clientes en México, Argentina y las principales ciudades del país, se encuentran: Diseños de marca y de imagen, producciones de sesiones fotográficas, retratos de artistas, entre otros. Juan Ariza es un depredador de influencias que no solo se inspira con el trabajo de grandes exponentes del mundo del diseño, sino que agarra todos los elementos que están a su alcance: "Hay cosas que por banales que parezcan, esconden más historia que cualquier otro elemento de nuestras vidas".

KoЯn - "III / Remember Who You Are"

2010-08-11T15:43:00.000-07:00

Llamar para la producción a Ross Robinson no fue precisamente un acierto. Pero de la mano de este gran artífice -de aquella época dorada- del new metal, KoЯn logró algo que no consigue hacer desde “Take a Look in the mirror” (2003)… ¡Un álbum con pelotas!

El “III” a ratos recuerda a “Untouchables”, pero afortunadamente no es “Untouchables”. El problema con aquel disco en el que la prensa exageró elogios, era que se comenzaban a percibir las consecuencias de un maltrato que Davis llevaba dándole a sus cuerdas vocales desde el comienzo de su carrera. En la actualidad y tras muchos años ensayando nuevas técnicas de grito, este líder no tendrá la potencia de sus inicios, pero al menos ya dejó de ser el lobo herido que fue en sus épocas de incertidumbre vocal.

"Reiterativo" es una buena palabra para resumir el regreso de KoЯn. Letras y música no sólo circundan los mismos lugares del pasado (odio, baja autoestima, autocompasión, etcétera y más etcétera) sino que se repiten constantemente en el presente. Una frase de la canción “The Past” (“amor sin afecto, es lo mismo que odio sin dolor”) es suficiente para resumir las temáticas del álbum.

Y aquí radica el error de su trabajo con Robinson, porque si bien es cierto que devolver a KoЯn a sus raíces es un trabajo que nadie puede hacer como el -responsable de la escena consólidada a finales de los noventa-. También es cierto que no solo la industria cambia, sino que los públicos también lo hacen y que aquellos adolescentes que crecieron con los autores de “Freak on a leash”, no desean que se les venda lo mismo que compraron hace doce años.

M.I.A. - "Maya"

2010-08-04T13:50:00.001-07:00

M.I.A. presenta su disco más deforme hasta el momento. A “Maya” lo retocaron varios expertos en la materia (ella incluida) en una casa estudio en Los Angeles y es una colección de B-Sides que… ¿Ah no? Perdón, rebobinemos...

En sólo 5 años de popularidad, esta chica criada entre Londres y Sri Lanka trató sus composiciones como conejillos de indias, mojó tabloides por su controvertida actitud y logró que una de las canciones centrales de una de las películas más taquilleras del año 2009 (“Slumdog Millionaire”), fuera de su autoría. Y como de boluda no tiene un pelo, ahora con la llegada del 2010 se dio cuenta que había llegado el momento de subir escalones y apostarle a las grandes ligas del pop y la electrónica. Así nació “XXXO”, un corte de difusión madonnesco que acepta las reglas de juego, pero también deja claro que ser un estereotipo comercial es un rol que no le calza por muchos minutos dentro de una grabación ("quieres que sea algo que realmente no soy"). “It iz what it iz” guarda características similares en la producción y probablemente sea explotada con el mismo propósito.

Abriendo con “Steppin´Up”, el larga duración va trazando un puente con las primeras épocas de aquella chica cruda que Timbaland nunca debió haber arruinado y que por fortuna vuelve a sonar tan incómoda y molesta como la sierra oxidada que chilla a lo largo de la canción. Igual motivo debe existir para el controvertido lanzamiento del video de “Born Free” hace meses en internet, que denuncia la violencia racial con una creativa metáfora (una masacre de pelirrojos) y que fue censurado por You Tube en menos de 24 horas.

Canciones con indentidad -y a veces hasta vida- propia: "Meds & Feds" muestra el costado rocker de la artista con una guitarra distorsionada en demasia, "Teqkilla" refleja aquellas impresiones que se escuchan en noches donde se toma algo más que aquel licor mexicano y el cover de los alemanes Spectral Display "It takes a Muscle", expone un electroroots como prueba de que la música de este disco no está limitada, ni condicionada.

La sexualidad fashion y los coqueteos mainstream hacen de “Maya” una producción más pop con respecto a las antecesoras aunque nunca conformista o menos ecléctica. Aquí capricho es a experimentación, de igual manera que controversia es a formula:“Me dijeron que este era un país libre, pero ahora se siente como una fábrica de pollos” (“Lovalot”). Palabras fuertes, para una chica que recién a estas alturas lanza su primer disco grabado en Estados Unidos, después de tener prohibido el acceso a dicho país por el contenido de sus letras. La bofetada al Tio Sam se vuelve más contundente, cuando unos minutos más tarde en un tono importanculista agregue: “Yo peleo a los que me pelean”.

Entrevista a Szarruk

2010-07-29T15:01:00.001-07:00

Foto: Juan Ariza (http://www.flickr.com/photos/juanse_strawberry)

Szarruk es el proyecto solista de este artista colombiano que a lo largo de sus 35 años de vida, se ha desempeñado en campos diversos como la música, el arte, el teatro, la escritura, el periodismo, etc. A pesar de no tener hasta el momento una fuerte rotación en radios nacionales, es ampliamente reconocido por su trabajo al frente de su radio virtual “Subterránica” y las premiaciones al talento colombiano que junto a su equipo de trabajo realiza anualmente.

-¿Por qué tenés tanta fe depositada en Trinidad? ¿Qué lo hace mayor a tus anteriores trabajos?

La vida misma, la experiencia, es un disco tranquilo, sincero. Me vale huevo si le gusta o no a la critica por que a mi me gusta, y estoy completo con él. Por primera vez en mi vida no estoy pensando en que van a pensar los demás, sino en expresarme, en decir lo que tengo adentro. Un disco de amor y de vivencias, de chistes y de llanto; la fe que hay en “Trinidad” es la misma que tengo ahora conmigo mismo.

-En general, ¿Qué cuentan las temáticas de las canciones del disco?

Yo le he cantado hasta a un sapo en esta vida, pero “Trinidad” es un disco de amor en sus diversas expresiones: a los amigos, a la vida, a ella; también de desamor y sobre todo es pasión. Está dirigido a todo el mundo, es fácil de digerir, para toda edad.

-¿Tenés alguna anécdota que contar de alguna de ellas en particular?

Varias, por ejemplo “Tito Tambor” (personaje y canción del álbum) existe. Tengo muchos amigos Titos, que creen que son la panacea del Rock y no pueden tocar, entonces esta canción es un reflejo de ellos. Por otra parte, en “La Balada de Jhony” se refleja el exceso que vivíamos todos antes de mi infarto. Si te fijas, el disco está dividido entre dos mundos o vidas diferentes: La de la fiesta y el exceso (el sexo, drogas y rock and roll) y la de la tranquilidad espiritual y el relax. Todo eso lo viví en un solo proceso, es decir el disco está hecho antes y después de estos cambios, es increíble.

-Contame un poco de los invitados que participan en Trinidad, ¿cómo fue dándose el trabajo con ellos?

Bueno eso fue una aventura completa. Al principio yo quería invitar personajes famosos, amigos míos que ya son conocidos en el rock nacional como The Mills, Don Tetto, Tres de Corazón, etc. Ellos siempre estuvieron ahí para apoyarme y sacar adelante los duetos. Pero ahí entran a jugar los contratos que ellos tienen con las disqueras y yo tampoco es que este comenzando, como para tener que pegarme a la fama de los demás. Fue cuando pensé que tal vez, debía ser yo quien le pudiera dar un empujón a nuevos talentos increíbles, que a la vez enriquecerían el sonido de “Trinidad”. Es así como entran a jugar personajes como el tenor Manuel Franco, el saxofonista Yesid Perez y las cantantes Grace Guzmán y Annie McCausland –quien participa en “Tu, mi guitarra y yo”, una de las canciones favoritas de Felipe-. Ella siempre me colaboró y con ella logramos una de las composiciones más hermosas del álbum. .

-Y pues… ya que estamos ¿Por qué Trinidad?

Porque es un concepto poderosísimo de todas las culturas, la trinidad representa el equilibrio sin ser un par y en mi caso yo siempre les dije en mi casa, que al ser tres (Esposa, hija y yo) mi disco iría a representar esa trinidad. Aunque esto no excluye a los que me rodean, ni a mi otro hijo Mateo quien es músico también. Lo que pasa es que necesitaba esa palabra que reflejara mi realidad actual, soy muy creyente y “Trinidad” reúne todo lo que soy en este momento. El disco es muy mío, pero esto no quiere decir que no sea para los demás también y en este caso el disco es el medio con el que comparto vivencias a los demás. Mis experiencias son comunes como las de todos, por eso la gente se identifica con las letras.

-¿Influencias?

Muchas, yo no hecho cuentos de que estoy haciendo fusiones o inventando el santo grial; porque lo mío es el rock puro: Guitarras, batería, bajo y muchos huevos, nada más. Nada de vallepop o tropipop, rock del puro e influencias miles: Radiohead, The Killers, Las Almas, Ultrageno, B.B.King, The Mars Volta, Foo Fighters, Los Stones, etc. Mis amigos, mi familia y la misma música, no me imagino respirar sin ella.

-¿Cuál es el fuerte de Szarruk? ¿Qué les brinda identidad en escena y en estudio?

Yo pienso que el mismo hecho de hacer música de manera desinteresada es algo que nos diferencia. Hablo de “nos”, porque generalmente la gente que me acompaña tampoco está buscando la fama o la fortuna, sino mas bien la realización musical a través de esas experiencias que compartimos. Tenemos puntos fuertes, me jacto de decir que muchos medios nos han considerado una de las propuestas más bacanas en vivo que han visto.
En estudio no se porque no me gusta mucho el estudio, para mi grabar es un proceso aburrido y me dejo guiar mucho por la gente que me apoya. En este caso de “Trinidad”, estaban Iván Vásquez y Annie McCausland dando curso a todo esto, pero como conclusión creo que mi mayor fuerte son las letras.

-¿Cuál fue la parte más difícil para producir este álbum que en Octubre lanzarás a las calles?

Bajar la cabeza en algunas discusiones de producción. A veces uno cree que se las sabe todas, pero después cuando escuchando las opiniones del productor o e otros músicos te das cuenta que tal vez puede funcionar mejor siguiendo sus consejos.

-¿Cómo será la estrategia de difusión de las canciones y de la banda? ¿Qué ideas tenés para abrirte a lugares de Colombia donde no te conocen?

Ya ni se, este es un país muy mediocre en materia de difusión para sus artistas y ese cuento me lo conozco muy bien, sin embargo creo que ya se ha recorrido un camino largo en esto y tengo bastantes personas que me apoyan. El primer sencillo ya está sonando en medios a lo largo de Colombia, Centro América y Estados Unidos y trataré de hacer el trabajo de promoción que el disco se merece, pero no hay nada más poderoso que los mismos amigos sean quienes digan que esa música está ahí para ellos. Voy a tocar mucho en vivo, mientras Dios me de la vida para poder hacerlo e intentaré convencer a los medios que ahí tienen un disco hecho con el corazón, que funciona, que es de lo mejorcito que ha salido por estos lados, que no dice “Puta perrea”, que no se amolda a nada y que es desinteresado. Si lo quieren colocar bien y si no, yo también puedo hacer autogestión, con una sola persona que me llame y me diga “¡que canción mas bella la que hiciste, gracias por compartirla!” eso es suficiente para mi. Ya ha pasado.

-Hace poco tuviste una recaída de salud muy fuerte ¿Podés hablar un poco al respecto?

Si, me dio un infarto al miocardio causado por que una arteria se cerró y no se volvió a abrir. Nadie sabe por que pasa esto, pero en mi caso todo apunta a que la fiesta estaba durando mucho tiempo, entonces me tocó pasar de ser Jim Morrison a la Madre Teresa en un día. Ya no fumo, no bebo, nada, solo música y trabajo. Espero que este episodio no se vuelva a repetir, mi vida no es la misma debido el cuidado y las terapias

-¿Qué balance podés sacar después de haber atravesado por aquellos momentos?

Que no era extraterrestre, ni inmortal como yo creía… ¡maldita sea, soy humano! Y a veces ser humano, no es motivo de orgullo alguno.

-El arte del álbum fue inspirado por estas circunstancias ¿Cómo nació la idea? Imagino que debe haber una anécdota sobre ese dibujito de la portada.

Cuando estas en cuidados intensivos no te dejan ingresar nada. Ni tu teléfono, ni la PC y ni siquiera hay televisor; solo un silencio absoluto y el ruido de las maquinas. Cuando tienes un infarto hay una ventana de tiempo de seis horas (que son las mas criticas), en las que yo solo tenía un cuaderno, un lápiz y la sensación de que estaba muriendo. El dibujo lo hice en ese momento, después se convirtió en la portada de “Trinidad”.

-¿El fuerte de tus canciones está en tu trabajo como músico, o en tus delirios de compositor?

Yo no me considero ni músico, ni compositor sino un recolector de experiencias. Lo que mas me gusta hacer es escribir y a eso le pongo o música, imágenes o papel; por eso tengo discos, pelis, libros, etc. Mi fuerte es está imaginación que me regalaron allá en la fábrica de humanos.

¿Algo extra para agregar a la nota?

¡Que escuchen “Trinidad”! Porque es un buen disco y está hecho con humildad y sencillez. Quiero que apoyen los artistas nacionales, que estén orgullosos de ellos, que dejemos de ser tan mediocres en todo sentido y que en vez de criticarnos y destruirnos unos a otros de la peor manera, nos unamos y construyamos cosas grandes. Acá en Colombia todo el mundo se cree “la monda en salsa Bechamel”, todos son importantes, todos están siempre “En reunión” y eso no es más que una gran mentira. Con amor a todos les mando mi música en “Trinidad”.

*Lista de temas “Trinidad”:
1-Miguel Hernandez (Intro) – Por Pablito Wilson
2-Tito Tambor
3-Tu, mi guitarra y yo - Con Annie McCausland
4-Octubre - Con Grace Guzmán
5-Cuando Muera (Descarga en: www.szarruk.unlugar.com)
6-Ella
7-¿Quién Soy Yo? - Con Manuel Franco
8-La Balada de Jhony
Pegame Más (Bonus Track)

Don Tetto - "Miénteme, Prométeme"

2010-07-20T13:51:00.000-07:00

Hay músicos que piensan, que el segundo es el disco más complicado de producir de toda la carrera. Ya que este primer regreso para el artista, encierra la importante tarea de demostrar que el éxito alcanzado previamente estuvo relacionado con el talento y no con las circunstancias del momento.

Difícil saber si los Don Tetto comparten esta visión, pero tras un cuidadoso proceso realizado en tres diferentes estudios de grabación, cabe decir que su nuevo trabajo suena compacto, mayúsculo e impecable. ”Solo por ti” y la campirana “Voy a ser quien dañe tu nombre”, aparecen como muestra de la nueva influencia EMO –género musical que muchas agrupaciones en Colombia y América Latina están interpretando sin admitirlo- que ha tentado a la banda. Mientras tanto en el otro costado, en canciones como “15 minutos”, “Mi error” y “No tengas miedo”; los Tettos juran fidelidad al neo-punk (género que los vió nacer) ¿Resultado? Un álbum donde el cuarteto se ha preocupado por mantener y solidificar su sonido auténtico, pero sin tener miedo de explorar nuevos horizontes.

“A.F.I.”, “30 Seconds to Mars” y “ No Use For A Name”; son tres nombres que pueden dar una aproximación al compacto en materia de influencias, pero que no alcanzan para definir ni el 25% de lo que “Miénteme Prométeme” tiene para ofrecer. “No Digas Lo Siento” es la elegida como primer corte de difusión del álbum y aunque no es una mala melodía, si es una pieza de nula trascendencia. Afortunadamente este segundo round discográfico de los bogotanos, también presenta “Niñas Malas”, un potencial sencillo cuya fuerza se centra en lo pegadizo de su melodía, lo efectivo de su temática (en el circulo adolescente) y en lo directo de su composición. ¡Tettos tienen una mina de oro radial en sus manos, no la desaprovechen!

Retomando el cuentito del EMO, hay que enfatizar la hipocresía que circunda a las agrupaciones que se suben a este caballito y que cuando les preguntan, contestan que lo que ellos hacen es rock alternativo. Quisiera pensar que Don Tetto es diferente, que asumirán sin miedos su nueva naturaleza y que recordando siempre que fueron paridos por la escuela noventera californiana, sabrán dar cátedra y una lección de ética compositiva a las agrupaciones que recorren sus mismos caminos.

Dub Incorporation: Turistas de las buenas vibras

2010-06-23T07:33:00.000-07:00

Quizás no sean reconocidos en todo el mundo, pero su fusión de estilos y sonidos deja claro que si hay una banda que puede presumir que conoce al género jamaiquino por excelencia como la palma de su mano, esa es Dub Incorporation.

Se formaron en la ciudad de St. Etienne en 1997 y hasta el momento tienen 6 discos editados (2EP, 3LP y un Live). Utilizan a menudo la etiqueta “Reggae Francés”, pero también reconocen que se les queda corta para cubrir la experimentación realizada a lo largo de su trayectoria.

Entre “Paleo Festival”, “Summer Jam”, “Fete de l´Huma” “Solidays” y “Vleilles Charrues”; se resumen los nombres de los eventos donde han estado. Y Alemania, Portugal, Italia, España, Marruecos, Suiza y Grecia; son algunos de los países que han escuchado la música de este colectivo, que se ha valido de la autoproducción y la autodifusión para convertirse en una de las agrupaciones más importantes en la actualidad del género en el viejo continente.

Se encuentran a punto de lanzar su nueva placa discográfica, pero sobre la misma no revelan muchas noticias. De lo que si hablan, es de aquellos recurrentes ítems que siempre salen a la luz en la primera ocasión que se entrevista una banda que hasta el momento parece desconocida. Con ustedes Dub Incorporation:

-¿Qué los diferencia de otras bandas de reggae?

La principal diferencia está en los cantantes, porque Komlan tiene una voz robusta al estilo Buju Banton y la de Bouchkour es muy original y tiene colores orientales. En cuanto a lo musical, tomamos las influencias de cada integrante (hip-hop, sonidos orientales, rock, etc) y las mezclamos con new roots y dancehall. Además podemos decir sobre Dub Inc. que tenemos una energía enorme, que creamos una real conexión con nuestro público y que no abandonamos el escenario hasta que la multitud no está agotada.

-¿Cómo es un show de Dub Incorporation?

Es un deporte, debería ser una disciplina de los juegos olímpicos…

-¿Qué influencias tienen?

Todo tipo de música, podríamos cubrir desde Bob Marley hasta Morgan Heritage, pasando por Black Uhuru, Busta Rhymes, Damian “Junior Gong “ Marley, Wu-Tang, Tarrus Riley, Tiken Jah Fakoly e incluso Metallica. También el mundo en si nos influencia, el medio ambiente y lo que pasa a nuestro alrededor. Nuestra música se nutre de artistas, pero también de la manera en que nos sentimos.

-¿Cuáles son las temáticas que más aparecen en sus canciones?

Generalmente están basadas en lo social, temas que importan tanto a Francia como al resto del mundo. Tratamos de hacer énfasis en problemas como la corrupción y el racismo, pero también hablamos sobre cuidar el planeta, la solidaridad y la importancia de lograr una unión fuerte entre los seres humanos.

-¿Una frase para definir el nuevo álbum?

Será un retrato de lo que somos y atravesará por diferentes sensaciones y estados de ánimo.

10 canciones mundialistas

2010-06-16T05:48:00.000-07:00

Las que anotaron, las que marcaron un golazo, la que se adelantó de posición y las que aunque juegan el picadito por fuera del campo oficial, se merecen algunas miradas.

1-Shakira & Freshlyground - Waka Waka: La barranquillera –apoyada nuevamente en el productor John Hill (culpable del sonido de “loba”) - fusionó astutamente una marcha militar de Camerún, soca e instrumentos africanos consiguiendo dos cosas: Transformar su composición en la canción seleccionada por la FIFA para la edición 2010 del campeonato y ganarse la inconformidad de los nativos sudafricanos. Según ellos, “Waka Waka” no representa su sentimiento en torno al evento y que un artista extranjero cante la canción oficial, no es la decisión más apropiada. El razonamiento es válido, pero lo que no se está teniendo en cuenta es que las melodías de las copas de los últimos años fueron interpretadas por artistas ajenos a los países anfitriones (Il Divo, Anastacia & Ricky Martin) que tampoco llevaron sus letras fuera de los clichés triunfalistas del futbol. Cabe destacar también que los “Freshlyground” que acompañan a Shakira juegan de locales.

Link: http://www.shakira.com/videos/player/587

2-Knaan - Waving Flag: Tal vez la belleza de este tema radica en la falta de pretensión. “Waving Flag” estaba dirigida inicialmente a hablar sobre pobreza mundial y su versión original fue incluida por el artista en el álbum Troubadour (2009). Pero como su coro “When i get older, i will be stronger…” funciona en torno a diversas temáticas, terminó convirtiéndose en la canción seleccionada por Coca Cola para promocionar la marca durante esta edición de la copa del mundo. En el tema más versionado del año han prestado sus voces artistas como la canadiense Avril Lavigne, los brasileños Skank, el francés David Guetta, el gringo Will I Am (Black Eyed Peas) y el español David Bisbal, entre otros –tranquilos, podría ser peor…-

Link: http://www.youtube.com/watch?v=WTJSt4wP2ME

3-R. Kelly & Soweto Spiritual Singers – Sign of a Victory: La primera vez que en América Latina se escuchó el nombre de R. Kelly fue gracias a un reggaetón a duo con Wisin & Yandel llamado “Burn It Up”. En esta ocasión el rapero hace bien en distanciarse de su género materno un rato, apoyándose en la música góspel de un reconocido coro sudafricano y convirtiendo esta melodía en el himno oficial del certamen.

Link: http://www.youtube.com/watch?v=cEsEPZ0661c&feature=related

4- Angelique Kidjo & John Legend - Move On Up: Kidjo es el estereotipo de la mujer Africana en el mejor sentido de la palabra, piel chocolate y una voz que no solo tiene el sabor de su raza sino también la versatilidad para explorar distintas tonalidades. John Legend por su parte, aporta con altura el toque bluesero en el tema. Además existe otra versión en la que también participa Bono completando una tríada inigualable.

Link (video con Bono): http://www.youtube.com/watch?v=wtEkbYhtW3Q

5-Daddy Yankee – Grito Mundial: ¡Offside para el Daddy! Raymond Ayala la tenía lista desde finales del 2009 y ya creía que el esférico estaba dentro del arco. Pero quizás para los organizadores del campeonato Daddy Yankee no era lo suficientemente popular, o tal vez no querían promocionar una Copa de la Vida #2. El hecho es que la canción fue rechazada y el artista tuvo que conformarse con incluirla únicamente en su nuevo disco de estudio llamado “Mundial”.

Link: http://www.youtube.com/watch?v=jyI1xq0KKeo

6-Doctor Krápula – Gol de mi corazón: Luego de expandir su música a otros países de Latinoamérica propulsados por la cadena MTV, de aparecer en diversos festivales internacionales y en medio de un claro momento ascendente. Los bogotanos de “Doctor Krápula” lograron instalar su sonado sencillo “Gol de mi corazón” –hasta ahora inédito en su discografía- en la versión latina de “Listen Up! The Official 2010 FIFA World Cup Album. A los autores de “El pibe de mi barrio” se les dan bien los cantitos de hinchada disfrazados, ¿será que este también servirá para catapultarlos hacia una mayor etapa?

Link: http://www.youtube.com/watch?v=evor1io-TuU

7- Matisyahu & Nameless – One Day: Otro que aprovecho lo abierto de su consigna fue Matisyahu e hizo mutar su canto esperanzador anti-guerra en una nueva versión junto al rapero de Kenia llamado Nameless. El sencillo lanzado en su versión original dentro del álbum “Light”, también tiene una versión spanglish con el cantante de reggae Fidel Nadal, disponible en la edición argentina del compacto.

Link: http://www.youtube.com/watch?v=H6ze7-9uSgE

8-Pitbull, TKZee & Dario G – Game On: Tres continentes y sus respectivos sonidos se unen para realizar la canción de “Zakumi” (mascota oficial 2010). El gringo-latino Pitbull, el inglés Dario G y el sudafricano TKZee mezclan sonidos latinos, electrónica europea y sonidos del continente negro en esta canción que debido a su diversidad fue seleccionada para sonar en los nueve estadios del torneo.

Link: http://www.youtube.com/watch?v=05Oo6--bNZY

9- Akon, Keri Hilson & Soweto Gospel Choir – Oh Africa: Pepsi tampoco podía quedarse atrás y también lanzó este soundtrack mundialista que también hace parte de la selección de canciones realizada por la FIFA y en cuyo video aparecen diversas estrellas del balón pie como: Messi, Drogba, Kaka o Ballack.

Link del comercial de Pepsi: http://www.youtube.com/watch?v=eQmu48sZohc

10-Profetas – Rueda la Bola: La agrupación colombiana formada por el bogotano Pablo Belalcazar (“Fortaleza”) y la africana Antombo Langangui presenta esta pieza futbolera para regalar a sus seguidores a través de Facebook y My Space. En medio de la producción de un nuevo álbum que según ellos será muy bailable pero guardará un fuerte componente latino, “Rueda la bola” suena imponente en su música y transnacional en sus letras -al estar cantada en español, inglés y francés con dialectos africanos-.

Link: http://www.youtube.com/watch?v=dfFFegWpxMM

Christina Aguilera - "Bionic"

2010-06-14T18:48:00.000-07:00

Resulta triste ver a esta rubia en un VH1 Storytellers –donde suena natural, aplastante e impecable a la vez- y al día siguiente descubrir que nuevo álbum se hunde en formulas de pop electro ya agotadas por Britney, Madonna y la actual reína... de lo androgíno. No se trata de una artista mediocre, su poder de entonación envidiado por muchos(as) rockstars y la producción de la respetada compositora Linda Perry han logrado lindos ensambles cuando se reúnen en un estudio de grabación. Pero Bionic es un disco que llega tarde, que hubiera sido perfecto dos o tres años atrás -no ahora- y que si llega a tener el éxito esperado será más por la controversia que desde hace años acompaña a la Aguilera que por lo visionario de su propuesta.

Está claramente orientado a bajar del trono a la actual diva del género rosa, pero entra en terrenos donde XTina (nuevo seudónimo) ha sido una marioneta de la industria y Lady Gaga es hoy en día una compositora revolucionaria. “Not Myself Tonight” solo necesita un “I´ts Christina bitch” para parecer un plagio de la Gimme More que cantaba su eterna rival (Britney) en el multi-elogiado Blackout del 2006. La canción homónima logra habilidades sorprendentes a la hora de marear a cualquier especie del reino animal. Mientras que en la floja y predecible "Desnúdate" resulta ofensivo que esta chica de ascendencia ecuatoriana ni siquiera se haya tomado unos minutos para investigar la correcta traducción de los pocos términos hispanos que utiliza (¿"librase ahora"?).

Christina Aguilera no es mala en su trabajo -hay que insistir en este punto-, al contrario, cuando logra una buena melodía eriza pieles como sucede con la profunda balada “You Lost Me” en la que radica el 90% de la genialidad de su regreso sonoro. El problema de su falta de originalidad es que sus experimentos musicales le han salido caros: Su anterior “Back to Basics” -de tintes más clásicos y por momentos cercano al twist, al jazz y al blues- vendió solo 4 millones de copias, contra 10 del anterior “Stripped” y 15 de su debut. Logrando como resultado que transitando el 2010, su creatividad solo sea perceptible en pequeños recovecos de su música.

Mala Rodríguez - "Dirty Bailarina"

2010-06-10T05:54:00.000-07:00

La arreglaron, maquillaron y suavizaron –es decir, le pidieron que puteara menos- y como resultado lograron temporalmente una aparente muñequita del mainstream. No importó que la letra de “Nanái” fuera un poco fuerte (“mírame a los ojos si me quieres matar…”), ¡es increíble lo que podés lograr con un buen estilista! Pero la industria cometió un error, olvidó que esta chica criada en las calles que en ese mismo álbum cantaba: “dos cosas flotan en el agua, la mierda y los barcos”; será siempre ante todo una “Dirty Bailarina”, un derroche de femineidad, una tirabombas por naturaleza.

Aunque en esta ocasión el grado de vulgaridad ha sido rebajado casi al mínimo, aun no es algo que le puedas colocar a escuchar a tus viejos y aunque su gestación entre España y USA le aportó una fuerte impronta electro, tampoco es un disco pop. Muchos podrían pensar que la producción de “Focus” (Beyonce, Christina Aguilera, Eminem, JLO, etc) bastaría para ello. Pero las letras y la forma de cantarlas que tiene La Mala siempre patearán en la dirección contraria.

En la sencillez de frases como: “Odio es amor truncado, vive amando” (“Cuento Indio”) o “Cada día que nace es un día que estreno, no un día menos para morir" (“Yo no mato el tiempo”) se resume una parte de las letras del compacto. En estas canciones los coros están mejor trabajados y la artista suena con cierto aire de nostalgia: “El mundo es un patito feo, déjalo crecer” ("Patito Feo"). La parte más ruda del álbum recae en “No pidas perdón”, “Galaxias Cercanas” y “En La Linea”; canciones donde la voz suena más agresiva y que están asentadas en infalibles bases discotequeras.

Tras un exitoso boom llamado “Malamarismo” (2007) resulta grato encontrar que La Mala explora nuevas vertientes y no recurre al facilismo de repetir formulas que le garantizaron el éxito en el pasado. “Dirty Bailarina” significa arte sin miedo a la mugre, pero afortunadamente su concepto de suciedad dista mucho del que impulsó Christina Aguilera hace años –que solo sirvió para provocarnos una gran alegría hormonal-. Chapuzón en el lodo y nado estilo mariposa: “A la mierda las instituciones, toda clase de partido, de gobierno y de tradiciones; malos ejemplos con condiciones que hacen que la vida se base en sobrevivir” (“Por eso mato”).

Menos cruda que en el pasado y definitivamente más “Bailarina” que “Dirty”; aun hay algo en la propuesta de la Rodríguez que no conviene al circuito musical. Los medios que hicieron eco de los sencillos del anterior disco no han promocionado al primer corte de difusión de este álbum de igual manera. Tal vez están buscando chicas disfrazadas de niñas buenas (princesitas pop) y este alter-ego de una mujer que dice las cosas claras no conviene. Aunque La Mala se vista de seda, mala se queda.

Nota: "Putear" en Argentina es sinónimo de insultar, utlizar palabras altisonantes.

Andrés Calamaro - "On The Rock" (+Bonus Tracks)

2010-06-01T07:32:00.000-07:00

Tal vez, para los puristas del calamarismo –aquella filosofía inspirada en el Salmón que se ha expandido masivamente a otros países de latinoamérica en los últimos años- un álbum de Andrés no debe contener cumbia, hip hop y mucho menos introducirse con una guitarra flamenca.

Elementos que suenan tremendamente disonantes, si además añadimos el hecho de que esta nueva composición ratifica la esencia de este personaje titulándose “On The Rock”. Pero hay dos elementos que justifican la razón de ser de este bautismo: Por un lado, una voz que ya es marca registrada dentro del palo y por el otro, el hecho de que este disco es muchísimo más guitarrero que sus últimas producciones.

Entonces no importa que los primeros dieciocho segundos de el tema introductorio "El Barco", parezcan más una canción de su invitado Diego el Cigala que una composición de “El cantante” (argento). Ya que a partir de ese punto, se comprende como artistas de géneros tan disimiles pueden contribuir a un solo sonido -situación que también se presenta con René de Calle 13 en la cortopunzante "Insoportablemente cruel"-. Enrique Bunbury participa en "Te solté la rienda", el cover de la tradicional ranchera mexicana de Jose Alfredo Jimenez que popularizó Maná hace años. Y por si todo esto fuera poco, hay que añadir que otro de los invitados es el ídolo de la cumbia argenta Pablo Lescano, quien realiza una adaptación de “Tres Marías” protagonizado a su vez por Vicentico y su característica onda fiestera.

El Calamaro hitero y tradicional de El Palacio de las Flores y La Lengua Popular, sin duda pisa fuerte con el corte de difusión “Los divinos”, “Todos se van” y el bolero “Te extraño” -que presenta una apropiada colaboración del rapero español El Langui que sin embargo pasa casi desapercibida-. En otras, como “Gomóntonera” y “Flor de Samurái” se encuentra el otro extremo del álbum; aquel Andrés fundamentalista de las distorsiones y a veces más político que nuevamente canta: “Argentina eras un bizcochuelo, ahora sos gelatina”. De igual manera que hacía años atrás, cuando presentó esta canción (“El Perro”) que ahora es incluida por primera vez en un álbum oficial.

Se trata de un álbum fresco, sin ataduras y realizado entre amigos. Quizás aquí radique la fórmula para comprenderlo mejor y no caer en pensamientos absurdos que lleven a comparar al Salmón modelo 2010 con el de tiempos pasados. Si logran atravesar el primer compacto libres de prejuicios “On The Rock” los invita a participar de la segunda parte del tour, donde Calamaro gentilmente regala a los compradores seis nuevas versiones, un tema inédito (“Perdóname”) y el cover de “Vasos Vacíos” que realizó para el tributo a los Cadillacs editado el año pasado ¡Animense a esta parte final de la aventura, verdaderamente vale la pena!

Escrito publicado por http://www.rock.com.ar/ y Radio "El Sonar" (www.elsonar.tk)

Mägo de Oz – "Gaia III – Atlantia"

2010-04-18T09:00:00.000-07:00

Un nuevo volumen simboliza el fin y en él la agrupación española propone centrar al escucha en una noción de Apocalipsis actual que estará presente en la mayor parte del compacto (“Dies Irae”). A todo esto, se suma la capacidad con la que estos rockstars de la vertiente celta del metal cuentan para jugar con la multinterpretación, cualidad presente en sus producciones anteriores que causará un gran impacto en Atlantia.

Gaia fué el leitmotif de Mägo de Oz durante los últimos siete años, así que tuvieron que arreglárselas para que uno de los tres capítulos de esta obra maestra sonara más contundente que el anterior. Así como la estrategia en “La Voz Dormida”, pudo haber sido el hecho de ofrecer un sonido más demoledor y una crítica mucho más punzante contra la cúpula eclesiástica. En esta ocasión presentan un disco mucho más experimental, asentado en géneros poco o nada explotados a lo largo de su discografía (electro, funk, nuevas vertientes folk, etc). Otro detalle: ¿Recuerdan aquella corista llamada Patricia? ¡Ha vuelto!, pero ahora en calidad de segunda voz; incluso juega de titular en “El violín del diablo”.

En este álbum los instrumentos han sido colocados de una manera más sutil y ordenada, contribuyendo a una grandilocuencia sonora brillante en “La ira de Gaia” (canción corte Satania), “Fur immer” (¿Rammstein haciendo música celta?) y desde luego en los diecinueve minutos que componen la pieza homónima que da bautiza el compacto. Desafortunadamente, la última de estas no alcanza la excelencia de sus óperas previas.

Otras canciones destacables son: “Sueños Dormidos” que nace de nostalgias flamencas y no oculta sus similitudes con “The River” de Breed 77 -agrupación que abre varias de sus giras-; “Vodka & Roll” con su arriesgada jugarreta ska en el final y un instrumental electro-heavy que tiene toques de funk y desde luego su sello escocés bien marcado (“Fuerza y Honor”).

¿Los invitados?... Carlos Escobedo de la recién reunida banda Sôber y Kutxi Romero de Marea hacen su aparición estelar en el álbum. También hay una perlita para los amantes del metal ya que las dos voces que han pasado por Saratoga (“Leo” y “Tete”) se enfrentan en una de las canciones de “Atlantia”, más precisamente en la que lleva este mismo nombre.

Del corte de difusión mejor ni hablar, se llama "Que el viento sople a tu favor" y guarda la misma fórmula aburrida que la banda aplicó en otros sencillos como "La posada de los muertos" y "Deja de llorar".

Evaluar la calidad del cierre de la trilogía Gaia corresponderá al público, pero sin duda se puede afirmar que es la obra más completa que Mägo de Oz ha compuesto hasta este momento. Sus aventuras estilísticas y la participación más activa de Patricia, dan un toque fresco que lo convierte en un disco fácil de digerir para los fanáticos, pero también en uno capaz de resaltar nuevos sabores con cada reproducción.

Lady Gaga – “The Fame Monster”

2010-04-05T06:17:00.000-07:00

Hay una cuota de exceso de orgullo y una de veracidad cuando el alter ego de Stefani Joanne Angelina Germanotta declara que ha venido a revolucionar la música pop de la misma manera que lo hizo Madonna hace 25 años. La parte acertada de todo esto, tiene que ver con que Lady Gaga puede imprimir su marca de fábrica a los legados de Christina Aguilera, Alicia Keys y hasta el de la mismísima chica material. Inclusive, la última de ellas declaró sentirse reflejada en la Neoyorkina.

Sorprende sobre ella, que aunque conoce bien su papel de muñequita dentro del mainstream y sus letras no alcanzan mucha profundidad; encuentra la manera de dejar claro que no es un títere de productor y que ha llegado para quedarse. La melodía “Speechless” es una buena forma de ratificarlo, una asombrosa balada en piano que saca a relucir una interpretación pulida, emotiva y sincera.

Parte de The Fame Monster evoca una nostalgia noventera con canciones como “Dance in the Dark” o “Alejandro” –que tiene demasiadas similitudes con la clásica “Don´t Turn Around” que Ace Of Base popularizó en 1993-. Por su parte, el corte de difusión actual (“Telephone”) se apoya en la bomba pop negra Beyonce; para hacer un hit acorde a la nueva década que comienza, amorfo y altamente contagioso.

En esta segunda parte de su tour por esta vida glamourosa con la que esta mimetizándose, a Lady Gaga le parecen suficientes ocho tracks para presentar un álbum –es preferible que sean puros éxitos a un montón de composiciones de relleno, ¿no?-. Piezas discotequeras que si bien no tuvieron el mismo tiempo de cocción que los singles anteriores, se portan a la altura y hasta muestran una fuerte evolución. ¿”Poker Face” o “Bad Romance”?, ¡apuesten ahora que la pelea está reñida!

The Klaxon presenta “Del mar y el desierto”

2010-03-25T14:39:00.000-07:00

Un día cualquiera, un grupo de chicos de Bogotá se dio cuenta que su música debía trascender las fronteras de su país, que su sonido necesitaba nutrirse de culturas hermanas y que sus canciones podían servir para exportar retazos de cultura colombiana en el resto de América Latina. De esta manera nació “La Klaxoneta por Sudamerica”, una hazaña guerrera que consistió en que la banda agarrara su camioneta y atravesara naciones como Ecuador, Perú, Bolivia y Chile para llegar a su destino final: Argentina.

En el país austral el proyecto The Klaxon no solo experimentó nuevas pruebas profesionales y personales, sino que además logró hacer y fortalecer lazos de amistad y trabajo con artistas locales. Mientras tanto; público y medios de comunicación disfrutaron el coctel de sonidos latinos aderezado con ska que el grupo proponía y se asombraron con los relatos de aquella travesía por tierra.

Pero en este punto; un hecho positivo y uno negativo marcarían su historia: La fructífera gira que abrió las puertas para que el grupo regresara al territorio gaucho casi cuatro años más tarde y la muerte de su percusionista, quien se ahogó en una playa ecuatoriana cuando estaban regresando a casa: “Decidimos no conseguir un músico que reemplazara su labor, sino que poco a poco se comenzaron a buscar sonidos y a diseñar ritmos que cubrieran algo de ese gran espacio que dejó Toto”, explica el cantante Andrés Silva refiriéndose a la actualidad sonora de la agrupación. Prueba de ello fue el video presentado durante el 2008 llamado “Un Segundo No Más” –disponible en You Tube-, corte de difusión aun no terminado en el que se percibían elementos como el acordeón, nunca antes presente en los comienzos discográficos de la banda.

El segundo larga duración de esta agrupación bogotana llevará por nombre “Del Mar y el desierto” y contará con colaboraciones de artistas establecidos en el under sureño como 13H, Mariano Rossati (Papas ni Pidamos) y Karamelo Santo. Agrupación liderada por el cantante Goy Ogalde, quien es el productor de la grabación y el dueño del estudio “El Cangrejo Records” donde fue realizada.

Este reconocido recinto de la escena under sureña puede contar entre sus créditos artistas como: Manu Chao, Gambit (Radio Bemba Sound System), Tonino Carotone, Nonpalidece o Eterna Inocencia.

Sobre su retorno a la cuna del rock latinoamericano, Silva cuenta que: “Este disco buscaba plasmar los cambios experimentados en los últimos años, así que se eligió Argentina debido a que es un lugar que tiene una producción discográfica fluida, de gran calidad y muy relacionada con varios de los géneros que interpretamos”.

Cuando le preguntan a un integrante de The Klaxon acerca de su nuevo álbum la respuesta es simple: “es un homenaje a nuestro compañero Toto y a nuestra experiencia por Sudamerica”. El primer sencillo de difusión de "Del Mar y El Desierto" será la canción “Tu Sabes” y la banda espera tenerlo listo con su respectivo video para lanzar durante el mes de Abril.

Victoria Sur - "Belleza Silvestre"

2010-03-23T06:37:00.000-07:00

No debe sorprender a los quindianos que una coterránea que fue juzgada por añadir su toque ácido personal a la cultura musical local y que posteriormente plasmó rock, pop y folklore en uno de los discos más destacados en los últimos años dentro de la industria colombiana (“Colección de mundos”); ahora combine sonidos latinoamericanos en un compacto de World Music.

El tercer larga duración de Victoria Hernández se presenta como la reencarnación de Mandrágora –aquel proyecto de este mismo género del que fue participe por allá en el 2004-, exaltando su voz cálida y sensual a través de las incursiones bossanova de “Luna Caliente” o la canción “El Seto”. Una melodía a la que se le siente cierto dejo del folklore norteño argentino, pero que según la artista es un vals que está cantado en su estribillo al estilo de un bambuco regional. No obstante, no sería pertinente igualar la tercera producción de esta intérprete local ni con aquel proyecto realizado seis años atrás, ni con sus dos primeras hazañas como solista.

Para “Belleza Silvestre”, esta mariposa sonora abre sus alas dejando atrás aquella etapa larvaria que le ayudó a confluir la infinidad de ritmos y estilos que armónicamente conviven dentro de su cabeza. Es su álbum más honesto y no porque los anteriores no lo fueran sino porque el género que ahora explota le da la posibilidad de presentar en sólo diez canciones, un resumen artístico de su carrera.

Es el disco ideal para los amantes de la exploración, para los seguidores de las diversas etapas que ha transitado la artista y para quienes se enamoraron de ella cuando la vieron cantar en vivo –donde mezcla sus inicios en el folk local, su presente pop y sus caprichos musicales-.

Alfonso Espriella: "Trazos de Ser"

2010-03-05T15:29:00.000-08:00

Tras varios años de trabajo esforzándose, sólo por hacer crecer su banda La lluvia, Alfonso Espriella descubrió que un formato solista sería mucho más práctico para impulsar su carrera musical: “sentía que yo mismo empujaba un pesado bus que avanzaba a una velocidad mucho más lenta de la que yo quería”.

Hijo del conocido compositor folklórico cartaginés, Alfonso de la Espriella, este bogotano de 31 años de edad, le apuesta al rock tomando influencias de artistas como: Pearl Jam, Robi Draco Rosa, The Smashing Pumpkins, Metallica y Pantera.

Fuertemente ligado a la música durante toda su vida, en 2002 se graduó en ‘Músico-terapia’ del Berklee College of Music y, años más tarde grabó su álbum debut llamado “Trazos de Ser”, en el estudio Strate Sound de la ciudad de San Diego (USA). Este disco, que estuvo bajo la ingeniería de Alan Sanderson –quien trabajó con Rolling Stones, Fiona Apple y System of a Down–, fue re-editado en 2009 con una versión más rockera que puede ser descargada de manera gratuita a través de medios colombianos, como Revista Shock y Radiónica.

Alfonso, explica que, “el rock debe significar libertad para expresarnos de la manera que nos nazca”; quizá, por esta razón es que su álbum debut maneja distintos ritmos, distintos paisajes y distintos colores. Es así, como por ejemplo, de un lado “La Ola” es una suave melodía con arreglos Pop, mientras que “Emergencia”, del otro lado, puede sonar como un S.O.S. en clave Hard Rock. En general, es un disco fresco y versátil, maneja instantes de mucha fuerza pero también lapsos introspectivos de mucha calma.

Para Espriella: “El elemento crucial es la intensidad, el Rock busca ser contundente y apasionado sobre cualquier cosa que sea relevante para quien lo está creando”. De esta manera, el autor de “Trazos de Ser” puede cantarle al amor, o la vida, manteniéndose fiel a lo que dicho género significa.

Entre Estados Unidos y Colombia ha compartido escenario con bandas de diversos calibres y estilos, como Fobia, Maldita Vecindad, Árbol y Fishbone, entre otras. Además, ante 30.000 personas, se presentó en el “Gran Concierto por la Paz” en la Plaza Real de Madrid (España) en 2008.

Actualmente, Alfonso Espriella se encuentra trabajando en varios proyectos: está pre-produciendo lo que será su nuevo disco de estudio –planeado para el 2010–, está realizando nuevas versiones acústicas –con violín– de sus canciones y, para rematar, está trabajando con Amos Piñeros en nuevas versiones de canciones de Ultrágeno, que quizás sean materializadas en formato físico.

www.myspace.com/alfonsoespriella

Por: Pablo Wilson
pablitowilson@hotmail.com
Esta nota fue públicada en la edición 004 de "Music Machine Magazine" y puede verse en linea al igual que el resto de la revista
http://www.musicmachinemagazine.com/)

Tributo Reggae a Patricio Rey Y Sus Redonditos de Ricota - "Reggaes Redondos"

2010-02-05T05:27:00.000-08:00

Hecho en una gama de tonalidades musicales, el primer tributo verde a Patricio Rey Y Sus Redonditos de Ricota deja ver el fruto del fuerte y largo trabajo que realizaron tanto las bandas participantes, como sus compiladores.

En su mayoría compuesto por roots –el subgénero preferido por los seguidores argentos-“Reggaes Redondos” avanza un nuevo paso dentro de la permeabilización que viene dándose hace varios años entre el rock y el género popularizado en el país caribeño donde nació Bob Marley. Entonces el álbum puede ser tanto A) una vuelta de tuerca a una de las bandas más populares de la argentina y/o B)un pantallazo para conocer esa parte de la escena nacional que se desprende de las vibraciones jamaiquinas.

Entre las cadencias más clásicas del reggae Butumbaba brinda tips para realizar un cover perfecto con su transformada versión de “Un pacman en el Savoy”, Dread Negast invita al cantante isleño Lion Patrick Pain a grabar una nueva versión (¡la cuarta!) de “Motorpsico”, mientras Holy Piby y Guille Bonetto se apropian del gran hit redondo: “Ji ji ji”. Una melodía patricia de alta exigencia que a la hora de ser versionada recae tanto en el profesionalismo de la banda base como en la inconfundible voz del cantante cafre ¿El resultado? una versión dulce y sin fisuras del clásico.

Chala Rasta por su parte interpreta “Caña seca y un membrillo” utilizando coristas femeninas al mejor estilo africano y si se trata de chicas hay que destacar que a la cantante de Kai Lalai no le queda nada mal calzarse “Vencedores Vencidos”. Entre estas canciones cantadas por mujeres, los mejor librados son los Seraquedá! quienes apoyados en la extraordinaria voz de su cantante Kamila Bouk logran una versión irreconocible de “Salando las heridas”.

En “Etiqueta Negra” de Aminowana cuidadosos arreglos que hacen de la instrumentación un acertado y delicado trabajo, pierden protagonismo ante una voz que no sorprende. ¿El problema?, su cantante –al igual que los de algunos de los otros cortes del álbum- interpreta la canción sonando como una imitación del Indio Solari, sin que se puedan presenciar nuevos juegos vocales que brinden la sensación parcial de estar escuchando una pieza diferente. Una emotiva versión de “Un Angel para tu soledad” de Pinta bien experimenta las mismas dificultades.

La estructura del tributo la rompen los Karamelo Santo, quienes siendo fieles a su perfil de banda mestiza abren el compacto adhiriendo tango a una pulcra versión ska-reggae de “Esa estrella era mi lujo” –género antes no explotado en la discografía de la banda mendocina-. Por otra parte, aunque es cierto que es más fácil revisitar una canción en ska-punk que en clave reggae, no cualquiera logra el levante que Paella Virgen consigue con creces con “Gualicho”, tema extraído del disco más menospreciado de los redondos: “Ultimo Bondi a Finisterre”. Otros que juegan de exploradores musicales son Pablo Molina y su Reggae Lover Band que añaden toques de dub a su pulida versión de “Superlógico”.

Como conclusión, “Reggaes Redondos” es un álbum que se dio el lujo de tomarse dos años de formación antes del lanzamiento y en el se convocaron alrededor de cuarenta bandas para llegar a las quince restantes. Estos detalles hacen que a la hora de escucharlo el disco no decepcione, aunque haga pertinente esta separación previamente expuesta entre las bandas que fueron más arriesgadas en su composición y las que tuvieron dificultades para despegarse de las versiones originales.

Volvió Creed, algunas consideraciones acerca de "Full Circle"

2010-01-27T15:47:00.000-08:00

¿Creed desea volver a ser una de las bandas consentidas del mainstream?. De ser así lo que tienen por delante no es una tarea fácil, han pasado cuatro años desde su retiro y ocho desde la edición de su último álbum de estudio del 2001. Quizás por esta razón, los compositores de “With Arms Wide Open” contrataron por primera vez en su carrera un productor reconocido para dar los últimos retoques a su obra.

Este personaje de 54 años llamado Howard Benson ha sido nominado dos veces a los Premios Grammy y fue el responsable de lanzar a la fama a bandas como Hoobastank (The Reason) o My Chemical Romance (Three Cheers For Sweet Revenge). Además definió el sonido de álbumnes como el Against de Sepultura, el Babylon de Skindred y de los tres trabajos más éxitosos de POD (Fundamental Elements Of Southtown, Satellite, Payable On Death). ¡Ahora si, felicitaciones estimado lector!, usted acaba de aprobar satisfactoriamente el curso “Benson for Dummies".

En este disco Creed hecha mano de algunas baladas hiteras que tienen lo necesario para igualar a éxitos radiales de otras épocas: Rain -primer corte de difusión-, “Time” y “A Thousand Faces”. Por otra parte, en la cara más dura del disco canciones como “Bread of Shame”, “Fear” y “Suddenly”; arremeten con fuerza recordando a ratos a una voz no tan conocida pero si muy poderosa, el cantante de color Lajon Witherspoon (Sevendust). Este segundo grupo de canciones se asignará otra misión complicada para los rockeros oriundos de Tallahasee (Florida), superar la fuerza sonora del trabajo que lanzaron ocho años atrás, su compacto previo llamado “Weathered”.

"Full Circle” resulta una producción muy positiva para la banda, ya que presenta guitarras y una forma de cantar del frontman Scott Stapp, que están más cerca de las tendencias más alternativas del new metal que del grunge noventero. Además consigue un giro sonoro que enrriquece el trabajo y consigue alivianar un poco el peso de la cruz que Creed ha cargado a lo largo de su Carrera: Ser un plagio de Pearl Jam. Pero a pesar de estos logros, sus probabilidades de lograr entrar en el circuito mainstream del 2010 se ven bastante reducidas.

Según declaraciones de Creed, este título que en español se traduce como Circulo completo fue elegido precisamente por eso, porque concluye un ciclo. En estos años de no aparición mediática el cantante de Creed publicó su álbum debut como solista llamado "The Great Divide" (2005) y sus compañeros presentaron Alter Bridge, agrupación que lanzo dos discos: "One Day Remains" (2004) y "Blackbird" (2007).

LostProphets - "The Betrayed" (Japanese Version)

2010-01-25T15:50:00.000-08:00

Los rockeros galeses de LostProphets lanzaron al mercado la producción que tuvo en vilo a sus fanáticos durante los últimos cuatro años. Pero en la misma, se evidencia que este tiempo no fue suficiente para que el cantante Ian Watkins y su banda lograran evolucionar su sonido. Es así como revelan a puertas del nuevo decenio, un producto que no logra ni siquiera presentar una propuesta diferente a la de sus dos anteriores producciones [Start something (2004) y Liberation Transmission (2006)].

Se trata de un álbum como tantos, un disco del montón que logra ver la luz por algunos momentos reencauchando la estructura de un hit viejo (“Burn Burn” convertida en “Next Stop Atro City”) o presentando la balada alternativa “Darkest Blue”. Pero que se empantana con hits débiles, como el corte de difusión de éxito efímero llamado “Where we belong” o con canciones predecibles como “Destroyr & Destroyr”. “Streets of Nowhere” por su parte, realiza una tímida incursión en el indie rock que termina resultando muy acertada.

Este cuarto larga duración varia entre la versión oficial de once tracks y la de trece (estadounidense y japonesa, respectivamente), resultando la segunda un poco más completa, ya que las composiciones extra (“AC Ricochet” y “Sunshine”) no están puestas de relleno y pueden llegar al rescate de sus compañeras. ¿El problema con The Betrayed?; canciones que gustan pero no impresionan, melodías que entran en la cabeza pero rápidamente cansan y el hecho de ser un disco de grandes expectativas que termina dejando una sensación de vacío. Ahí radica el problema del primer single “I´ts not the end of the world but i can see it from here”, que suena demoledora las tres primeras veces que es reproducida y luego… aburre.

Video "I´ts not the end of the world...": www.youtube.com/watch?v=RwxDhdXjgCs

La Triada, Despegue y Nevolution en K-Nela Bar

2010-01-23T13:10:00.000-08:00

La Triada (Fuente: My Space Oficial)

La Discoteca-Bar de la Avenida Centenario llamada K-Nela fue el escenario local donde anoche se presentó por última vez La Triada, una de las propuestas pop más solidas de la escena quindiana. Acompañando estuvieron el Electro-Latin-Rock de Despegue y la propuesta poco original de Nevolution, que al menos sirvió para entretener a quienes resistieron hasta el fin de la velada.

Ultimo show de La Triada:

La Triada es igual a pasado de la misma manera que Tripulantes equivale a futuro. Es debido a esta formula matemática que llegó el momento de desprenderse de esta popular agrupación local para dar la bienvenida a un nuevo proyecto. Una nueva etapa evolutiva del cuarteto conformado por Carlos Peña, David García -próximamente conocido como "Cid Branko"-, Luis Naranjo y Diego Giraldo que fue grabada en el prestigioso estudio Art&Co de Bogotá (Angelo, Don Tetto, Sin Animo de Lucro); se presenta como el Miami Sound Machine contemporaneo -¡Si, el de Gloria Estefan!- y promete ver la luz en el transcurso del presente año 2010.

“Paraiso” de Fonseca fue el cover calientapúblicos elegido para el arranque y fue interpretado con absoluta fidelidad al sonido de los armenios, destacándose una voz de ultratumba en clave electro donde retumbaba la palabra “Reina” cada vez que arrancaba el coro de esta popular melodía. A continuación una versión nueva del hit “Oye” -hoy en día completamente descartado- dejó en claro que los chicos tienen que presentar un proyecto verdaderamente solido para dejar atrás sus antecedentes compositivos. Tercer hit: “Lo que grita el corazón”, canción que goza de una fuerte aceptación femenina y que podrá apreciarse próximamente con nuevos arreglos y una letra completamente diferente.

Para finalizar, una seguidilla de covers como “The World Is Mine” (David Guetta), “I Know You Want Me (Pitbull) y “I Got A Feeling” (The Black Eyed Peas), dejaron extasiado al publico del bar que a esa altura de la noche estaba compuesto por aproximadamente 150 personas.

Despegue en vivo (Fuente: Facebook Oficial)

Despegando a un sonido propio:

Aproximadamente un año después de su formación, los Despegue (Oscar Ramirez y Sebastián Giraldo) pueden ostentar haber logrado conseguir un sonido auténtico, compacto y definido –cualidades nada fáciles para una banda nueva-. Con todos los inconvenientes de estar encargados de la apertura pero muy seguros de su propuesta, arriba del escenario brindaron tres cortes radiales que tienen mucha tela para cortar: “Quiero Olvidar”, “Caminando” y “Si Tu Te Vas”. Esta revelación del Pop local estará presentando próximamente su demo de cuatro canciones producido y grabado por Mauro Garcia en su “Moon Records” y lanzando su My Space oficial a fin de promocionar su propuesta.

Nevolution:

El cierre estuvo a cargo de este trío de reggaetoneros (dos adelante, uno en sonido), que aunque logró mantener al poco público que había quedado a esas alturas de la noche, no consiguió más que eso. Su propuesta aparentemente novedosa, se derrumba debido al abuso descarado de las voces originales de los covers que interpretan de artistas como Daddy Yankee o J Balvin.

Para finalizar, cabe destacar que fieles a la impuntualidad acostumbrada por estos lares, los organizadores dieron inicio con la primera banda recién a las doce de la noche –cuatro horas después de lo previsto- Hecho lamentable, ya que debido a este problema los sets de las agrupaciones debieron acortarse significativamente siendo la corta duración de las presentaciones el único detalle altamente negativo de la noche.

Árbol – "No me etiquetes"

2010-01-20T19:52:00.000-08:00

Aunque es un disco diverso, divertido y muy energético su escucha termina resultando molesta. La magia de Árbol de crear música para público de edades muy diversas –un espectro de 12 a 30 apróximadamente- se rompe completamente derrumbando un gran trabajo de “Hormigas” conseguido en el pasado. No Me Etiquetes termina resultando un retroceso, donde para colmo no solo no aporta cosas nuevas sino que además se aleja de la crítica social en clave infantil que tan bien se les ha dado a lo largo de su trayectoria. Se rescatan la melodía antiflogger titulada “Ji Jo”, el homenaje a la legendaria mexicana Paquita la del barrio (“Pobre Pistolita” y “Rata de dos patas”) y la cumbiera “Yo soy lo mas” –un interesante plagio de “Me amo” de los uruguayos de El Cuarteto de Nos. Dato importante: no siempre variedad significa calidad, el que mucho abarca poco aprieta.

Los cincuenta discos más importantes de la década 00... (Final):

2010-01-01T11:01:00.000-08:00

10-Shakira – Fijación Oral y Oral Fixation Vol. 2 (COLOMBIA – 2005): En su álbum doble del 2005 Shakira se calza los zapatos de popera, rockera, reggaetonera, bossanovera, entre otros y sin pretensiones muestra que ninguno de los anteriores le queda grande. El primer compacto recupera viejas etapas latinas de la artista, pero sin caer en el error de sonar como un ¿Donde Están Los Ladrones? Versión 2005. “La pared” brilla en la entonación vocal, “No” y “Día Especial” ganan puntos con la producción de Cerati, mientras que otras composiciones se amparan en el francés o el alemán ("En tus pupilas", Lo imprescindible"), buscando sensualidad y oscuridad respectivamente. La segunda parte es más transnacional: “Don´t bother” suena a típico hit de radio gringa, “Hey You” podría ser una reversión de un clásico de Shania Twain, mientras “Animal City”, busca sus cimientos en leves toques flamencos que apoyan al arranque.

9-Gustavo Cerati – Fuerza Natural (ARGENTINA – 2009): El Tavo es un tipo inteligente: Supuestamente fue casual que primero sacara su obra más rock (“Ahí Vamos”), que luego reuniera a su anterior grupo y que ahora nos presente el llamado mejor disco de su carrera. “Fuerza Natural” está siendo analizado más en pro de una nostalgia sodastereista que como el disco que es en realidad, dicho esto sin desmeritar el gran trabajo conseguido por uno de los íconos más grandes del rock latino. Se trata de una oferta y una demanda, Cerati quería ofrecer el estilo que trabaja hace varios años y el público exigía rock, uno más uno es igual a dos. Y es aquí donde radica la calidad del disco, la amalgama perfecta de la fidelidad del argentino con su propio proyecto y el estilo que sus fanáticos hasta el 2006 le estuvieron suplicando.

8-Radiohead – In Rainbows (INGLATERRA – 2007): En estos últimos años pocos discos dieron tanto de que hablar como “In Rainbows", siendo el motivo de amplio conocimiento de los lectores: Primera agrupación que decide que sus fanáticos sean quienes valoren monetariamente el costo de su última producción discográfica. Podría criticarse el hecho de que el disco se ofreció en calidad estándar –cosa que hizo Trent Reznor de Nine Inch Nails-, o que fue una estrategia para dar popularidad al compacto –más de un millón de descargas digitales en la primera semana-. Nada de esto es relevante, el disco fue un puntapié a la industria discográfica, revolucionó la forma de comercializar la música y ayudo al cambio de concepción en la distribución de muchos artistas que se unieron a la estrategia durante los siguientes años.

7- Culcha Candela – Culcha Candela (ALEMANIA – 2007): Seis cantantes, provenientes de varias partes del mundo que mezclan hip hop, reggae, electro y salsa, entre otros. Culcha Candela se ha convertido en los últimos años en uno de los proyectos pop más grandes de Alemania y ha extendido su reconocimiento a otras locaciones del continente europeo. Más comerciales, pero con el ingrediente político de anteriores producciones: “Luchar por mis derechos como Nelson Mandela” (“Quisiera”), o “Matan a hermanas y hermanos y solo con ocho años” ("African Children"). Otro detalle, sus discos están cantados en español, inglés y alemán asegurando de esta manera una mayor cobertura del mensaje candelero.

6-Madonna – Music (USA – 2000): En medio del aluvión de sonido preadolescente, Madonna deja claro que aun con la saturación de wannabes del negocio, ella es quien lidera la parada. Music apela al eclecticismo acostumbrado en un álbum de la diva del pop, pegando ganchos discotequeros como el remix de “What it feels like for a girl” o “Music” y presentando baladas cuidadosamente producidas como “Don´t tell me” o “I Deserve It”.

5-Muse – The Resistance (INGLATERRA – 2009): En su momento más exitoso, los Muse están más preocupados por sorprender y sorprenderse que por pegar otro sencillo del calibre de “Supermassive Black Hole” o “Starlight” en la radio. Se trata de una consolidación del sonido logrado a través de cuatro discos de estudio y las comparaciones con Queen son tanto un cliché como una necesidad (“United States of Eurasia”). The Resistance es la exageración hecha disco, es donde Muse se vuelve el ascensor ideal para experimentar el vértigo de estar en la cima de las emociones, sabiendo que posiblemente habrá que bajar sin paracaídas cuando llegue su sexta placa discográfica.

4-Mago de Oz – Gaia II, La Voz Dormida (ESPAÑA, 2005): Escuchar un álbum de los españoles de Mago de Oz es el equivalente a presenciar una obra de teatro a través de la radio. Apelando a la creatividad, podría decirse que son los García Márquez del metal por su forma de jugar con la fantasía, involucrarse en política y por la impronta romanticista de sus canciones. La Voz Dormida es la trilogía Gaia llevada al extremo, la segunda parte de su obra más ambiciosa suena más cercana al heavy metal que el material previo, ataca con letras más explicitas a la iglesia católica y se da el lujo de presentar la canción más larga de la agrupación: “La cantata del diablo” (Duración: 21:11).

3-Green Day – American Idiot (USA – 2007): Primero un dato cliché, American Idiot es la opera rock contemporánea más exaltada de los últimos diez años; ahora uno algo diferente, el regreso discográfico de Green Day resulta valioso porque su mensaje político es efectivo tanto con chicos de doce años, como para adultos seguidores de las primeras épocas. Un chico preadolescente difícilmente se informará sobre los cuestionamientos que hace el disco, pero quizás si recibe estos temas en las letras de canciones de su banda favorita comenzará a crear algunas preguntas: ¿Por que esta canción se llama así?, ¿Qué es lo que nos quieren meter en la cabeza?, ¿a que significa X frase en el track número dos? El verdadero logro del séptima larga duración de Green Day radica en haber creado un mensaje mainstream destinado a atacar a la masividad, ¡vaya paradoja!

2-Bjork – Medulla (ISLANDIA – 2004): Desde hace años, si hay una constante que se repite en todos los álbumnes de la islandesa, es que todos impresionan. Ya sea por la composición, por instrumentos musicales novedosos (Reactable) o por la hazaña más loca de todas: Un disco compuesto casi en su totalidad por voces. Medulla es un disco elitista, aventurarse en el es tan complicado para eruditos como para quienes llevan tiempo siguiendo a esta cantante, pero pese a estos detalles impacta. Todos los amantes contemporáneos de la música deberían escuchar este mensaje grandilocuente de Bjork en el algún momento, incluso si no logran apreciarlo y lo convierten en la experiencia más aburrida y absurda de sus vidas.

1-The Mars Volta – De-Loused In The Comatorium (USA – 2003): De-Loused In The Comatorium es un disco tan rico en diversidad sonora, tan complejo compositivamente y tiene una historia tan bien concebida que se convierte en inimitable. No solo relata el viaje de morfina del personaje ficticio “Cerpin Taxt” –inspirado en un amigo de la banda-, sino que hace que el escucha pueda sentirlo a través del caos sonoro o de sus impases comatorios. La convulsión de sus guitarras (“Take The Veil Cerpin Taxt”), la transición Mikepattonesca entre ambientes sonoros (“Roulette Dares”) y las raíces latinas (“Inertiatic ESP”), presentan una de las grandes obras de la década.

Los cincuenta discos más importantes de la década 00... (Parte 4):

2009-12-30T15:53:00.000-08:00

20-System Of A Down – Toxicity (USA – 2001): Hacen metal, tienen un cantante que podría considerarse el Pavarotti del género y vienen sin pelos en la lengua a hablar de suicidio, drogas, política y también de medio ambiente. Además, son descendientes armenios -país protagonista de uno de los genocidios más atroces de la historia- y se encuentran jugando de locales en la cancha de la policía del mundo. Solo estos detalles son suficientes, para comprender porque Toxicity se convierte en una bomba de tiempo que explota al darle play en el reproductor.

19-Cobra Starship – Hot Mess (USA – 2009): Aunque muchos aun no lo saben, los Starship y su tercer larga duración llegaron a revolucionar la forma de hacer rock destinado la mass media. Son el último eslabón de la cadena pop punk (neo punk-emo-cobra) y por ello no es casual que una de sus canciones aluda a que su fama se la deben al cantante de Fall Out Boy (“Pete Wentz Is The Only Reason We´re Famous”). Hot Mess es una revisión de estilos y sonidos donde la música adquiere un sabor tan electrónico como adolescente, ejemplo de ello el hit del disco llamado “Good Girls Go Bad” que cuenta con la compañía de la protagonista de una conocida serie teenager: Leighton Meester de Gossip Girl.

18-Dub Incorporation – Diversité (FRANCIA – 2003): Con su debut del 2003, Dub Incorporation dejó en claro que al menos en calidad compositiva, la escena del reggae mundial la lideran indiscutiblemente los franceses. “My Freestyle” (mi estilo libre) aparece en el track número uno, resumiendo que el disco combina astutamente subgéneros del reggae y del hip hop con influencias del folklor árabe y africano. La formula de los Dub Inc. es efectiva tanto en una fiesta como un domingo descansando en casa porque tiene rítmo, fuerza y empuje pero no suena ruidosa. Por esta razón, se vuelve casi imposible escapar al contagio de canciones como “L’echiquer” o la misma "Diversité" que titula el álbum, si no lo creen pueden probar combinando la música de esta banda de St. Etienne con alguna tarea manual y veran como la concentración deja de ser tarea fácil.

17-Alicia Keys – Songs In A Minor (USA – 2001): Si este fuera un conteo sobre la voz más sensual de la década, seguramente Alicia Augello Cook estaría en el trono ocupando el puesto número uno. En su carta de presentación discográfica, tomando referentes como Whitney Houston o Aretha Franklin y sumando dulzura con su delicadeza a la hora de tocar el piano, presentó la hoy en día clásica “Fallin” junto a otras composiciones notables como “A woman´s worth” y “Butterflyz”, canción que compuso a sus catorce años.

16-Sean Paul – The Trinity (JAMAICA – 2005): Sean Paul se ha autodenominado y con mucha razón, el embajador del dancehall en el mundo -¿se les ocurre otro que haya puesto a bailar dicho género en discotecas alrededor del globo con tanta fuerza?-. The Trinity goza de la diversidad rítmica tan difícil de encontrar en otros productos musicales del reggae de la isla, inclusive siendo un disco que cuenta con dieciocho canciones. El ejemplo perfecto de cómo entrar al mainstream sin perder el respeto de los seguidores del género jamaiquino.

15-Black Eyed Peas – Elephunk (USA – 2003): ¿Entonces lo que le faltaba a Black Eyed Peas antes de componer su compacto más vendido hasta esa fecha, era simplemente agregar una cantante femenina que estuviera buena? Error, Elephunk además de su nuevo y necesario complementario accesorio vocal llamado Fergie, es un delicioso collage rítmico que une su mezcla de hip hop con funk con elementos latinos, música arabe y hasta incursiona en el Nu-metal en la canción "Anxiety" junto a la banda Papa Roach.

14-David Guetta – One Love (FRANCIA – 2009): Otro artista que utiliza invitados especiales (Kelly Rowland, Akon o Will I Am) como estrategia en su álbum para dar color y lograr una apuntar a un target más comercial. Fueron estos detalles los que convirtieron One Love rápidamente en la obra más exitosa de su carrera, en esta producción donde las canciones suenan más contundentes que en anteriores trabajos aunque no escapan de las críticas de antiguos fanáticos que preferían piezas que no tenían tanta participación vocal. Dentro del disco se puede encontrar también un remix que Guetta hizo para la canción “I Got a Feeling” de Black Eyed Peas, para la cual colaboro en su versión oficial y que fue uno de los hits más sonados en año 2009.

13-Britney Spears – Blackout (USA – 2007): Cuando al mundo de los medios se le ocurrió bautizar a esta jovencita como la “princesa del pop”, este no se dio cuenta del ave fénix que estaba creando. Vencedora indiscutible de eternas batallas entre artistas preadolescentes que tras la más fuerte de todas sus caídas lleva su música a un nuevo nivel con canciones como “Radar” o “Break The Ice” que la dejan lista para el round final contra su madrina Madonna.

12-Skindred – Babylon (GALES – 2002): Estaba claro con el sencillo “Nobody”, cuando irrumpieron en la escena del mundial del genero verde y escalaron charts con su propuesta poco convencional: “Raggapunkhiphop”. Babylon derriba los estereotipos del reggae y del metal con su versátil cantante Benji Webbe, quien se encarga de hacer cada una de las voces que está en el compacto, ya sea transitando desde la furia de “Babylon” o “Bruises” al suave sonido de “The Fear” o “Together”. Dato de color, llegó al puesto número uno de Top Reggae Albums de la revista Billboard no solo en el 2002 que se lanzó, sino también cuatro años más tarde.

11-M.I.A. – Arular (INGLATERRA – 2005) M.I.A. es uno de esos artistas que armados unicamente de calidad y originalidad mágicamente logran paralizar el mainstream. En este caso además se trata de un disco censurado que le costó la negación del visado norteamericano, pero que a pesar de ello llegó hasta el número 3 en el top de albumnes electrónicos de la revista Billboard. Arular entra buscando quilombo, con el grito de guerra que emite “Bucky Done Gun”: “silencio que necesito sonarles algo”. Es aquí en esta canción, donde esta cantante londinense de ascendencia cingalesa prepara el terreno para disparar a continuación tematicas como pobreza, guerra y prostitución. Un álbum dificil de clasificar en el que retumban las bases electrónicas, priman las rapeos y relucen los coqueteos con el grime, el dancehall y las músicas bangra y brasilera.

Redacción: Pablito Wilson
pablitowilson@hotmail.com

Los cincuenta discos más importantes de la década 00... (Parte 3):

2009-12-29T18:14:00.000-08:00

30-Maroon 5 – Songs about Jane (USA – 2002): Durante un poco más de dos años que se tardó en ascender en los charts musicales, este debut fue quizás el mejor secreto guardado por el rock británico. Afortunadamente, este disco romanticista no perdió vigencia y cada uno de los sencillos que lanzó el grupo desde entonces fueron hits, incluso dos de ellos “This Love” y “She Will Be Loved”, podrían catalogarse como clásicos de la década. “Songs About Jane” es una producción fácil de digerir que encuentra sus mejores momentos en la delicadeza de composiciones “The Sun” o “Through With You”, aunque necesita tiempo para el proceso de compenetración.

29-Catupecu Machu – Cuadros dentro de cuadros (ARGENTINA – 2002): El matrimonio perfecto entre el auténtico sello Catupecu Machu y la evolución tecnológica musical del siglo XXI. Ansiosos por probar con maquinas electrónicas graban su disco más arriesgado y visionario, repitiendo la historia de varios colosos del rock argentino como Soda Stereo y Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota. A todo esto, suman las influencias de artistas como Rolling Stones, Depeche Mode, Nine Inch Nails que fueron prescripción médica durante las grabaciones, logrando de esta manera que el sonido aplastante de Cuadros dentro de Cuadros pueda parecer tan argentino como foráneo.

28-Slipknot - Iowa (USA – 2001): Año 2001: Ross Robinson aun conservaba su titulo de gurú del metal, había creado la versión moderna del género y desde luego a los máximos exponentes dentro de la misma como Korn y Limp Bizkit. Cierto día se cansó de lo que había construido y decidió destruirlo con una nueva generación de artistas, Slipknot era la más conocida de ellas. Más agresivo que su antecesor, Iowa es el compacto donde esta agrupación lleva las características de Slipknot (1999) al extremo, logrando un disco frenético, más oscuro y mucho más veloz que el anterior.

27-Bajofondo Tango Club – Mar dulce (ARGENTINA – 2007): La inclusión de invitados de diversos estilos, es una estrategia tan común como efectiva a la hora de darle riqueza a su tercer grabación de estudio. Sin embargo y por obvias razones, Bajofondo Tango Club goza de una libertad que difícilmente puede apreciarse en otros proyectos de Gustavo Santaolalla. Mar dulce es fruto de la experiencia de un producto que mejora con el paso de los años, al igual que un buen vino o que el mismo Gustavo Cerati quien participa en “Mareo”, el primer corte de difusión del álbum.

26-Lucry – El latino alemán (ALEMANIA – 2006): Alemán de ascendencia cubana, Luis Cruz dio pasos de animal grande introduciendo el reggaetón en su país con su debut editado en el año 2006. Con un flow y una originalidad que muchos exponentes del perreo latino envidiarían, convirtió “Ay ay ay” en un éxito de las radios germanas, siendo sensación en medios de todo el mundo por lo raro de su propuesta. Un one hit wonder europeo y mucha tela que cortar con piezas bailables como “Feueralarm” (Alarma de fuego), “Oh Why” (Oh por que?) o “Der Deutsche Kubaner” (El cubano alemán).

25-Linkin Park - Meteora (USA – 2003): Meteora es Linkin Park a la máxima potencia, es aquel punto donde después de un exitoso álbum debut, la agrupación decide doblar la apuesta componiendo canciones más fuertes y logrando una producción más dinámica. Resultado de la evolución, se muestra como un compacto adrenalínico donde las canciones tienen más cuerpo y el hip hop es utilizado con mayor sutileza que en su antecesor.

24-Tiken Jah Fakoly – Françafrique (COSTA DE MARFIL – 2002): Sería la banda sonora perfecta para unas vacaciones en Jamaica si no fuera por un pequeño detalle: este disco fue hecho por uno de los músicos más contestatarios de Costa de Marfil durante su exilio en Francia. Con tres álbumnes su haber y media cúpula militar de su país buscando su cabeza, este cantante cuyo nombre de cuna es Doumbia Moussa Fakoly debe refugiarse en Europa luego del asesinato de su mejor amigo y el incendio de su casa. No obstante, Françafrique no es un álbum de canciones hechas con rabia, ya que las denuncias sociales puntuales que presenta en el disco, están cobijadas bajo delicadas cadencias del reggae roots y dulces coros africanos.

23-Incubus – Morning View (USA – 2001): Un detalle importante antes de escuchar Morning View: Incubus cortó casi por completo con la influencia materna que venía menguando desde hace algunos años, el funk. Hay que dejar esto claro, porque una de las razones para que este álbum fuera tan criticado, es que ha sido analizado por nostálgicos reprimidos que nunca entendieron que Fungus amungus y S.C.I.E.N.C.E. son cosa del pasado. El cuarto larga duración de estos californianos es impredecible como el mar que se ve en la portada y sorprende con cada una de las composiciones, ya sea tragandose al escucha hasta lo más profundo (“Aqueous transmisión”) o haciendolo flotar hasta la superficie (“Blood on the ground”) para golpearlo con la fuerza de una ola de cinco metros de altura.

22-Ricardo Arjona – Santo Pecado (GUATEMALA - 2002): Debido a situaciones personales que no son pertinentes de análisis en este escrito, Ricardo Arjona graba un nuevo álbum a manera de escapar tanto de la prensa sensacionalista como de sus demonios personales. Es la primera producción discográfica en la que el guatemalteco compone con odio, alejándose de las glorificaciones femeninas del pasado y creando composiciones desgarradoras como “Mujer de lujo”, “No sirve de nada” y “El problema”. En cuanto a lo musical, para concebir Santo Pecado fueron necesarios alrededor de setenta músicos en este disco que tiene retazos de rock, tango, rancheras y hasta arreglos orquestales como los que están presentes en la historia “La nena (bitácora de un secuestro)”.

21-Eminem – Relapse (USA – 2009): Nadie es capaz de poner catarsis en una cajita y venderla precio de 14.99 US$ como lo hace Em. Relapse es un audiodocumental que refleja la etapa más oscura de su vida a través de crueles historias y aberrantes metáforas, habla sobre aquel momento en el que tocó fondo y se dio cuenta de que debía tomar las riendas del asunto. Quizás por esta razón es que sobresale entre sus antecesores, hay más canciones sobre el mismo (mas bien, contra el mismo) y frases introspectivas que parecieran combinar ficción con experiencias reales, relatando viajes pastillológicos de sus últimos años.

Redacción: Pablito Wilson
pablitowilson@hotmail.com

Los cincuenta discos más importantes de la década 00... (Parte 2):

2009-12-28T17:23:00.001-08:00

40-Cold – Year of the spider (USA – 2003): Rematando una larga cadena de infortunios, al cantante Scooter Ward le llega la noticia de que su novia padece cáncer de ovarios, la misma enfermedad diagnosticada tiempo atrás a su hermana. En medio de esta desolada atmosfera el frontman de Cold se centró en crear la mejor obra de su carrera, la cual convierte su dolor en composiciones profundamente emotivas donde predominan su talento vocal y su fuerza para transmitir lo que canta. Year of the spider no solo es la salida del cascarón de Ward, sino también de su talentosa amiga Sierra Swan quien ya había participado en el anterior álbum del grupo y en esta ocasión regresa para colaborar en el sencillo “Suffocate”.

39- Nickelback – All the right reasons (CANADA – 2005): ¿Que pasó con este álbum?: venía arrasando tops en su país natal Canada y en Estados Unidos , consiguió siete discos de platino -superando al exitoso Silver Side Up que la banda editó en el 2001- y parecía devorarse todo lo que encontraba a su paso. Para esta ocasión, Nickelback ofrece piezas rockeras como “Follow You Home”o “Animals” e impecables baladas como “Photograph” y “Far away” que se merecían haber sido clásicos de la década pero que terminaron siendo intrascendentes.

38-Soilwork – Natural born chaos (SUECIA – 2002): El nacimiento de una nueva concepción en el sonido Soilwork, cuarto larga duración del grupo y primero en el que buscan un sonido más comercial. Su death metal de siempre, ahora con composiciones melódicas que funcionaron como el complemento perfecto aunque causaron malestar entre los fans de su primera etapa.

37-Cabas – Amores difíciles (COLOMBIA – 2008): Paradójicamente el disco más preparado para el mainstream de este artista pop colombiano es la obra maestra de su carrera. Aunque este larga duración puede caer en excesiva melosería, -ya que el amor es el ingrediente principal y no la fiesta folklórica tan presente en los tres primeros compactos del cantante- está tan bien pensado en conjunto que puede escucharse de seguido incansablemente de principio a fin. Debe ser por ello que la formula no falla, ni en las radios de América Latina, ni en los oídos de sus seguidores que lo pusieron número uno en ventas.

36-Bersuit Vergarabat – La argentinidad al palo -Se es, lo que se es- (ARGENTINA – 2004): Argentino hasta los huesos, desde un estilo y letras que son marca de fábrica hasta la forma de lanzarlo al mercado cobrando el 80% del valor del álbum con el primer compacto y el resto con el segundo. La argentinidad al palo es un disco sincero, que se centra en reflejar orgullosamente lo mejor y lo peor de lo que se dice, de lo que dicen y de lo que sucede en el país del sur. De esta manera; el disco se convierte en un coctel de filosofía contemporánea, denuncias sociales, vivencias personales, ignorancia colectiva. En fin, orgullos y vergüenzas acerca de la identidad nacional.

35-Sud sound system & Bag-A-Riddim Band – Live & direct (ITALIA – 2006): Sud sound system es una triada de musicos que juntan sus tecnicas raggamuffin con su habilidad de productores cuando están en estudio. Así es como la formula funciona y como estos lideres de la escena dancehall italiana han brillado con este formato de trío a través de siete albumnes de estudio y multiples producciones extra. Pero aun dentro del subgénero electrónico y fiestero del reggae por excelencia se hace necesaria una backing band que de solidez a las presentaciones en escenario. Bag-A-Riddim es el grupo que los ha acompañado en escena durante su trayectoria y Live & Direct la grabación CD+DVD editada en el 2006 que permite apreciarlo presentando hits como "Ciao Amore", "La Radici Ca Tieni" y "Aqua pe Sta terra".

34-Mercedes Sosa – Cantora 1 y 2 (ARGENTINA – 2009): Este álbum es claramente una crónica de una muerte anunciada. De una manera similar a la que Celia Cruz grabó su último álbum Rie y Llora sabiendo que el cáncer no le daría mucho tiempo de vida, Sosa decidió dejar este disco pero con diversos invitados de lujo como Joaquín Sabina, Shakira, León Gieco, Calle 13 y Lila Downs, entre otros. En Cantora además está atesorada la primera canción que Charly Garcia graba tras su proceso de desintoxicación (“Desarma y Sangra” versión 2009), donde el titán del rock argento suena con la dulzura de sus tiempos juveniles. Pero sobre todos estos detalles, son el añejamiento de la voz de Mercedes y el corazón con el que canta los que garantizan el éxito del que ha sido calificado como el “testamento artistico” de su carrera.

33-La Roux – La Roux (INGLATERRA – 2009): Es gracias a la explosión de artistas pop revolucionarios como La Roux y Lady Gaga, que en el nuevo decenio si los estilos prefabricados no desaparecen al menos tendrán sus días contados. Este duo entre la cantante Eleanor Jackson y el productor Ben Langmaid intenta en su debut transformar el sonido ochentero en contemporáneo, permeabilizando influencias de clásicos atemporales como Depeche Mode y Madonna.

32-Calle 13 – Residente o visitante (PUERTO RICO – 2007): Cuando el reggaetón ya no fue de utilidad a Calle 13 para su promoción, el dúo decidió desecharlo abriendo un abanico de estilos e impulsando el paso de las denuncias sociales que hoy en día los han hecho tan populares. Producido por el midas de los sonidos latinos Gustavo Santaolalla, este disco pasea por géneros como: hip hop, tango, cumbia; acompañado por invitados como los Bajofondo, Vicentico y Tego Calderón, entre otros. Es gracias a este álbum que hoy en día se hace imposible imaginar la escena contemporánea del rock latino sin tener en cuenta a estos chicos puertorriqueños.

31-Tool – Lateralus (USA – 2001): Hijos adoptados por concepciones musicales pinkfloydianas, durante toda su discografía se dedicaron a amalgamar “la música, las artes visuales y mensajes de evolución personal” (cita de tomada de Wikipedia). Lateralus es el climax de esta evolución, una de sus obras más elogiadas que deslumbra tanto con el sonido, como con el arte plasmado en sus dos cortes de difusión: “Schism” y “Parabola”. También se destacan “Ticks & Leeches” y “The Patient”, aunque los 79 minutos del álbum no tienen material de relleno.

Redacción: Pablito Wilson
pablitowilson@hotmail.com

Los cincuenta discos más importantes de la década 00... (Parte 1):

2009-12-27T17:22:00.000-08:00

Comenzamos la lista:

50-Dover – I was dead for seven weeks in the city of angels (ESPAÑA – 2001): Rock contundente, una voz dulce y buenas melodías fue lo que hizo brillar a Dover dentro del underground rockero durante buena parte de esta década y la anterior. Este quinto larga duración de esta banda comandada por las hermanas Cristina y Amparo Llanos, está resumido en canciones como “Better Day” y “Lady Barbuda”, que centran la atención en sus imponentes guitarras para luego dejar camino libre a la parte vocal. Una estrategia similar a la que hoy en día llena los bolsillos de los estadounidenses de Paramore, quienes seguramente nunca se enteraron de que existe o existió una agrupación llamada Dover.

49 – Choc-Quib-Town – Somos pácifico (COLOMBIA – 2006): Tres chicos nativos de una de las regiones más carenciadas de Colombia, pusieron al resto de su país a bailar con su situación cultural, social y política y convirtieron ese paquete identitario en producto de exportación. Años más tarde y con un segundo larga duración en su haber, es este –su compacto debut- el que impulsa sus giras y el que constantemente se edita en distintos rincones del planeta. Probablemente este iceberg sonoro editado en el año 2006, solo esta mostrándonos la punta de lo que puede lograr dentro de la escena musical mundial.

48 – A.F.I. – Sing the sorrow (USA – 2003): He aquí la presentación y popularización de lo que años después sería condenado masivamente como: EMO. El sexta larga duración de esta agrupación que abandonó sus raíces punk para saltar a la pantalla chica, está lleno de excelentes melodías pegadizas como sus hits de momento “Girls not grey” y “Silver and cold” que junto a canciones “This celluloid dream” o “Bleed black” completan esta insignia de los años 00.

47- Christafari – Gravity (USA – 2003): Son la banda de reggae cristiano más importante del mundo, pero muchas agrupaciones convencionales del género apadrinado por Bob Marley desearían el talento y la versatilidad que manejan estos chicos que llevan casi 20 años de ruedo. Gravity es la producción con el mejor sonido y composición de Christafari y se pasea por estilos jamaiquinos como roots, new roots, dancehall y el dub con una precisión sorprendente.

46-KoЯn – Take a look in the mirror (USA – 2003): Tras años de maltratar su voz, Johnatan Davis comienza a sonar como un lobo herido que difícilmente aulla y debe implementar nuevas técnicas vocales. Take a look in the mirror es un proceso de exploración, donde las canciones adquieren un aire gutural que evocará fielmente el sonido de las primeras épocas. “Y’all want a single?, say fuck it, fuck that shit”; grita eufóricamente el vocalista de KoЯn en el tercer sencillo promocional del álbum.

45-Abre Sierra – Renace Bakata (COLOMBIA – 2009): Músicos de todo Colombia y de otras partes del mundo colaboran en esta fusión de rock y pop con ritmos indígenas producida por David Jaramillo (guitarrista de Doctor Krápula y Proyecto Seykiwia). Desde lo sonoro, la importancia de Abre Sierra se centra en su astuta unión de ritmos aborígenes con estilos contemporáneos y en la combinación de talentos colombianos e internacionales de distintos géneros. Desde lo estratégico, en que la materia prima del compacto es artesanal y económica con el fin de destinar enteramente sus fondos a cuestiones políticas de comunidades autóctonas. Vale la pena destacar canciones como “Todos a tierra” (Andrea Echeverri, Andrés Cepeda, Jorge Celedón y Javier Cucalón de Nawal), “Lluvia al motor” (Victoria Sur y Sebastián Yepes de Sanalejo), “Seinekun” (Manu Chao y Mario Muñoz de Doctor Krápula) y “Limpio Camino” (Fonseca y Gusi y Beto).

44-Dashboard confessional – MTV Unplugged 2.0 (USA – 2002): Dashboard Confessional es la primera banda en la historia de un MTV Unplugged que logra que sus seguidores suenen en la grabación con la entonación y la precisión de un coro profesional. Las testimonios sonoros del cantante Chris Carrabba acerca de sus fallidas experiencias con su ex-novia, lograron que gran parte de la juventud estadounidense se identificará con las letras de las canciones del grupo hasta el punto de conseguir que este logro en la grabación fuera totalmente casual. “Las mejores decepciones y el premio de la mentira más astuta y encubierta van para vos”, canta el descorazonado compositor en la popular canción “The best deceptions”.

43-Butumbaba – Majikakonvinazion (ARGENTINA – 2007): Un disco nacido de un viaje de la banda a México y de sus intentos de fusionar parte de su música y cultura con los del país Azteca. Gestado en su mayor parte en el estudio de la agrupación Panteón Rococó y en diversos estudios a través de la Argentina este compacto brinda deliciosas colaboraciones de músicos de la talla de: Rubén Albarrán (Café Tacvba), Christian Aldana (El otro yo), Liber-Terán (Los de abajo), Fidel Nadal y el músico jamaiquino I Jah Bones, entre otros.

42- Garbage – Beautiful garbage (USA – 2001): Con todo el pop basura (garbage) que había circulando en aquella época, esta agrupación liderada por el productor musical Butch Vig (Nevermind, 21st century breakdown) quizo mostrar que había otra forma de apostar al género color rosa. El problema fue que después de una impecable entrada con “Androgyny”, todos los demás sencillos estuvieron terriblemente mal elegidos. Tal vez canciones que fueron dejadas de lado como “Drive you home”, “Untouchable” y “Silence is golden” habrían sido más efectivas.

41- Juan Luis Guerra & 440 – La llave de mi corazón (REP. DOMINICANA – 2007): Merengue, bachata y mambo componen este disco que convirtió en megahits cada uno de sus sencillos promocionales (“La llave de mi corazón”, “Que me des tu cariño” y “La travesía”). Seis grammies latinos y uno anglosajón, premios billboard, premios lo nuestro, entre muchos otros en diversas categorías lo convirtieron en la producción más exitosa de este dominicano hasta la fecha.

Redacción: Pablito Wilson
pablitowilson@hotmail.com

Adicta

2009-12-15T09:15:00.000-08:00

Es el nombre de la flamante nueva producción de Naty Botero, un disco más maduro, seguro y femenino en el que esta artista pop viene a derribar los esquemas de los dos géneros musicales que la nutren y le dan vida, el electro y la fusión latina. Referentes musicales como: Madonna, La Fania All Stars, Amy Winehouse, Julieta Venegas, Edith Piaf o Felix Da House Cat, según ella dejaron profundas huellas que marcarán su retorno a las discotiendas.

Experimental es la palabra clave para definir su trabajo, dentro de un álbum diverso que fue tomando forma a través de ciudades de Colombia y Estados Unidos y pulido por dos productores de tendencias totalmente distintas: Cristian Castagno del proyecto “Good And Evil” (estudio de grabación) y Andrés Botero de la agrupación “Discosoye”. Los artistas invitados a participar también siguen este esquema de diversidad: Joe Arroyo, Tostao (Choc-Quib-Town), Al Rock (Asilo 38, Dub Killer Combo) y Luis Towers, entre otros.

Una síntesis de lo que es Adicta podría encontrarse entre las canciones “Esta noche es nuestra”, “Amazónica” y la que bautiza este segundo bebé discográfico de la artista. Melodías que astutamente reúnen el sabor latino con beats electrónicos -convirtiéndolas en cocteles sonoros perfectos para el baile- y que en sus letras reflejan lo que Naty llama “locura de vida”, ese pedacito de mujer que ella dice querer regalarles a sus fans con su regreso. Otra canción especial es “Mucho Más”, surgida a raíz de los problemas vividos con su anterior disquera: “ellos no entendían mi viaje y decidí escribirlo en una canción, es decir si no soy mucho más para ti pues adiós, prefiero ser independiente y amar lo que hago”.

Cada uno de los sencillos será presentado y difundido a través de las páginas web y las redes sociales que maneja Naty Botero. “La gente ya no compra discos, solo bajan temas y los suben a su I Pod, entonces lo mejor es sacar sencillo por sencillo acompañados de un video y sólo a tus fans entregarles el disco completo”, explica la cantante. Para ella, esta nueva producción es un “collage de emociones, compositores, experiencias, de vida y dolor convertido en fiesta”, en el que dice no tener más pretensiones que pasarla bueno, olvidarse del dolor y ser fiel a la energía que la caracteriza.

Entre las trece composiciones que conforman este álbum están también, la juguetona “ Niño loco”, un son cubano disfrazado de pop llamado “Veneno”, y tres minutos de girl power: “Vamos arriba”. Entre las canciones más tranquilas, “Dueño de mi” y “Tu amor me parte en dos” se perfilan como posibles hits radiales, mientras que “Demasiado malo” sin perder el toque de personalidad pareciera recordar a viejas épocas aterciopeladas de Andrea Echeverri. Para el cierre, un sentido homenaje a los sonidos de Edith Piaf y a Chávela Vargas llamado “Ces´t La Vie” es el encargado de los honores, en una bella melodía que demuestra la versatilidad de esta colombiana.

El conteo regresivo ha terminado y todo está listo para que Adicta venga a revolucionar en primer medida el pop colombiano y a continuación el internacional. Mientras tanto Naty Botero dice que seguirá: “Adicta a la música, al amor, a la vida que me dan estas canciones y a la gente que colaboró para hacerlo realidad”.

Reseña de prensa hecha por encargo para el nuevo disco de Naty Botero
www.natybotero.com

Tributo a LFC - “Vos sabés como te esperaba, Volumen 1”

2009-11-18T03:58:00.000-08:00

Puntos altos y bajos en el volumen 1 de “Vos sabés como te esperaba”, el tributo a Los Fabulosos Cadillacs editado por Sony Music y Pop Art Discos la semana pasada. Tras una larga espera, las primeras 17 canciones salen del horno, entre las cuales se pueden apreciar agrupaciones como: Los Tipitos, Los Cafres, Aterciopelados, Los Amigos Invisibles, Cartel de Santa, Los Auténticos Decadentes o Doctor Krápula.

Los sencillos de presentación estuvieron a cargo de Los Tipitos y Los Cafres, los primeros destellando con una impecable versión rock de “Siguiendo La Luna”, los segundos llevando “Vos sabés” a las suaves cadencias jamaiquinas. La versión de Cuentos Borgeanos de “Calaveras y diablitos” pierde estilo en su final –por asemejarse demasiado a Catupecu Machu, la ex-agrupación de su cantante Abril Sosa-, mientras Andrés Calamaro aporta una versión balada de “Vasos Vacios” perfecta por su sencillez.

Otra composición que también se lleva las cinco estrellas, es una versión reggaera de “El satánico Dr. Cadillac”, que una vez más prueba el profesionalismo de Los Pericos a la hora de versionar canciones. ¿Será que tienen un aparato en la casa al que le metes cualquier melodía y te cocina un reggae?.

Aunque la idea de llevar “Matador” de los mexicanos de Cartel de Santa al hip hop fue muy buena, la riqueza de una transgresión similar, radica en el talento de adaptar la melodía a un nuevo formato y no en el hecho de montar secuencias de la canción aderezadas con un par de raps. En cambio en “La Vida”, Doctor Krápula de Colombia hizo un buen trabajo conservando la esencia fiestera fabulosa y dándole un nuevo aire para que sonara con el estilo de las otras composiciones del grupo.

Nortec Collective (otros del país del tequila) demuestran por su parte que “los fabu” pueden armar la fiesta aun sin necesidad de sus letras con “Manuel Santillan el León” en clave electro. Otros que deciden apostar a este género -y que casi siempre lo hacen en los tributos- son los Aterciopelados, quienes desde Colombia aportan una versión pop con leves arreglos de reggaetón de “Padre Nuestro”. El camino de las maquinas, también lo eligieron erróneamente los chicos de árbol, a quienes “Mi novia se cayó en un pozo ciego” puede sonarles algo improvisada.

Apostando al sonido verde, el argento-boliviano Matamba y su banda Zion le ponen su sello al hit compuesto por Ruben Blades : “Desapariciones”. Una impecable composición a la que la única observación que sería pertinente hacerle, es que quizás podrían haber explotado más ese “reggae-rock” que promocionan en “Estilo Dread”, su debut discográfico del 2008.

No hay que dejar de lado la versión cuarteto-rock que Kapanga hace de “N° 2 en tu lista”, a Emiliano Branchiari con sus No Te Va Gustar dejando intacto el toque melancólico de “Basta de llamarme así” (canción compuesta para la hermana de Vicentico). Tampoco a los Cultura Profética con su versión roots de “Silencio Hospital”, ni a los Massacre rockeando “Estoy harto de verte con otros”. Todas excelentes revisiones del repertorio fabuloso.

Primero fue el turno para Andrés (Cantando al Salmón), luego para Gieco (Cantando al León) y ahora los elegidos son los padres del rock fusión en América Latina, los flamantes y fabulosos cadillacs. Donde el hecho de que la banda comandada por Vicentico y Cianciarullo haya influído bandas y solistas en todos los géneros alternativos y países de habla hispana , hacía necesario que su tributo que reflejara dicha diversidad (¿Se imaginan lo que va a ser el momento en que salga cantando a Soda Stereo?).

Fantasía y Realidad: el arte del equilibrio

2009-11-06T06:18:00.000-08:00

Naty Botero por Alejandro Annicharico - http://www.flickr.com/photos/photobizzare

Donde conviven lo infantil con lo adulto, lo natural y lo artificial o la fantasía y la realidad, muy probablemente haya una pieza de la galería fotográfica del artista bogotano Alejandro Annicharico. El lo sabe, comprendió la fuerza de su dicotomía el día que alguien le dijo que sus fotos eran ingenuidad con trasfondo de pecado y desde entonces su mayor trabajo a la hora de disparar el lente ha sido encontrar ese equilibrio, que lleva a su magia, a su perfección.

Nacido en las entrañas de la filmografía de directores como Vincent Gallo o Sofía Cópola, de las ondas alternativas de Garbage o Joy Division y desde luego influido por fotógrafos como Terry Richardson o Jurgen Teller. Este joven define su trabajo como “un vale todo de juego y color donde existen tanto la intimidad caricaturizada como la realidad invisible”, acerca de esta última Alejandro aclara que es inexistente ya que según el “nosotros somos quienes hacemos la realidad”.

Después de pasar muchos años admirando como la historia de su familia se plasmaba en fotos, un día este joven capitalino decidió comenzar con una de las hazañas más complicadas: lograr unir su pasión con su trabajo. “Me inspira la vida cotidiana en general, todos los actos humanos que veo cada día, que por pequeños que parezcan no carecen de importancia y me motivan a seguir guardando sensaciones, captándolas en imágenes”, explica Annicharico.

Parte de estas cualidades anteriormente expuestas pueden observarse en su más reciente trabajo “The 4 elements of Naty Botero”. Dicha colección de imágenes dedicadas a la popular artista pop paisa tuvo condiciones muy naturales según Alejandro: “Por eso surgió la idea de aprovechar el fuego, el aire, el agua y la tierra que nos brindaba la escena”.

Resumiendo, en las fotografías de Alejandro Annicharico intimidad, crudeza, inocencia, ingenuidad, entre otras cualidades se combinan . Todo esto con el fin de lograr un ámbito surrealista y abstracto que nace de lo puro, lo simple y lo llano pero que se nutre de los vaivenes cotidianos.

Malalma: "El sonido está en tus dedos y el volumen está en tu espíritu (Publicado por Music Machine Magazine)

2009-07-22T13:26:00.000-07:00

Para agrandar el articulo presionar click.
Esta nota fue públicada en la edición 002 de "Music Machine Magazine" http://www.musicmachinemagazine.com/)

Somos Pacífico - Perfil Choc-Quib-Town (públicado por Revista Música - Medellín)

2009-07-06T12:54:00.000-07:00

Para agrandar el articulo presionar click.Esta nota fue públicada en la edición #22 de "Revista Música" (Medellín)
Para más información: http://www.revistamusica.com/ o info@revistamusica.com

Reseña de prensa realizada a pedido para "The Mills"

2009-07-05T05:44:00.000-07:00

Al igual que en la torre bíblica que tiene el mismo nombre, en el debut discográfico de The Mills llamado “Babel” se respira confusión. Sólo que esta vez, el motivo no es consecuencia de una pluralidad de lenguas como en la antigua Babilonia, sino de las nuevas formas de comunicación y la vertiginosidad de las mismas, que están impidiendo la interacción entre los propios seres humanos.

Es así como nace este álbum que la banda lanzó en descarga gratuita a través del portal http://www.shock.com.co/ y que Bako, su cantante, define como “una respuesta artística que permitirá conectar de nuevo a la gente con la gente sin importar las barreras idiomáticas”. Los cortes “Before I Go To Sleep” y “Abran fuego” que presentó inicialmente el compacto dan cuenta de ello, funcionando como carta de presentación de una producción que cuenta con el 70% de canciones hispanas y el 30% de composiciones anglosajonas. Al respecto, su manager Roberto Andrade Dirak explica: “somos una banda que entró al mercado cantando en inglés y que posteriormente se reinventó y le apostó al español, tenemos un sonido propio y característico y llegamos al público sin ningún tipo de barreras”.

La canción que titula este disco es la puerta de entrada: un tema que con la fuerza, el sonido electrónico que imprime el guitarrista Geogy y la letra (“comunicación me robas tiempo en una frecuencia desigual”) sitúa al escucha en el panorama caótico que seguirá a continuación. De ahí en adelante confusión y corazón -la segunda para salir de la primera-, son las dos palabras claves de este álbum, ya que si bien este no es un disco de canciones románticas, el amor aparece como bandera a través de las 13 composiciones. No obstante, sus letras son lo suficientemente abiertas como para permitir un amplio grado de subjetividad en sus seguidores. “Cada persona ve el mundo desde su punto de vista, yo tengo el mío y cuando canto revivo lo que escribí, aunque me gusta que el público interprete lo que yo escribo a su manera”, opina el vocalista de la banda.

El sonido único de The Mills fue logrado en el estudio colombiano llamado Ártico Records, después de un arduo proceso junto a los productores Jorge “Pyngwi” Holguín y Alejandro Lozano (guitarrista de Superlitio). Además el dos veces ganador del Grammy Latino: Boris Milán (Santana, Fonseca, Cabas, Alejandro Fernández) y el cuatro veces ganador de este certamen y una del Grammy Americano: Mike Couzzi (Shakira, Rabanes, Ricky Martin, Pet Shop Boys); fueron los encargados de mezclar y masterizar el trabajo respectivamente.

Siendo fiel a su nueva faceta “latin rocker”, en este álbum debut la banda grabó una versión original del clásico “Lobo Hombre en Paris” de la agrupación española La Unión. Esta melodía que muchos melómanos tienen latente, ahora suena más contundente con la calidad del sonido del siglo XXI y el toque especial de este quinteto. También se destacan, la orquestada “Hoy ya no soy yo” y la balada “Amor Depredador, que “primero no estuvo entre las seleccionadas y después decidimos meterla a la fuerza y grabarla", explica Bako (Voz). “Al terminarla quedó tan completa que actualmente es mi favorita, es muy íntima, el coro toma vuelo y te permite explorarla”.

Con “Babel”, The Mills presenta un sonido propio, que por un lado lleva los códigos heredados del brit pop al formato latino y por el otro se aleja de las similitudes con U2, Keane o Coldplay que fueron su estigma en el pasado. Bako al respecto aclara: “No queremos parecernos a ellos porque ellos ya existen y son inmensos, mi sueño es que en algunos años las nuevas bandas colombianas nos tomen como una referencia”. Aun así cabe destacar, que si bien estas comparaciones existen, suelen ser tomadas más a manera de cumplido que de crítica por el grupo.

El momento ha llegado, para este 2009 cinco músicos presentan un producto sincero y realizado con mucho esfuerzo, sabiendo que el camino a la cima que ansían estará pavimentado de todo tipo de observaciones sobre su trabajo. Así que no importa lo que digan, que sus detractores abran fuego, ellos ya no sienten dolor.

Reseña de prensa realizada a pedido para el press kit de la agrupación Colombiana "The Mills".

Paginas oficiales: www.themillsband.com - www.myspace.com/jointhemills

Presencia argentina en Rock al Parque 2009 (www.rock.com.ar)

2009-07-05T05:16:00.000-07:00

Reseña sobre shows de artistas argentinos presentes en el pasado Rock al Parque 2009, que se realizo en la capital colombiana: Santa Fe de Bogotá.

Link de la públicación original: http://www.rock.com.ar/blog/20093216/presencia-argentina-en-rock-al-parque-2009/

Dread negast regala su disco (públicada por www.rock.com.ar)

2009-06-04T12:52:00.000-07:00

Dread Negast ofrece de manera gratuita su nuevo compacto a través de la pagina web http://www.discoluzverde.com/, ¿la novedad?, que hasta el momento no se planea una edición prensada para discotiendas. “Luz Verde” es el cuarto disco que lanzan los chicos (el segundo desde que dejaron de ser Negusa Negast, una de las bandas pioneras del reggae de La Plata y la primera en editar un álbum del género en la ciudad).
Leo Dread su vocalista y productor converso con Rock.com.ar y nos presenta/regala este nuevo trabajo discográfico que presentaran el 14 de junio en el conocido recinto rocker platense conocido como El Teatro.

-¿Por qué tuvieron esta decisión de colgar el álbum en internet sin ningún costo y que opinión tienen ustedes acerca de todo este tema de la descarga libre?

Leo Dread: Subimos el disco porque la realidad de la industria no es la misma, porque hoy en día los chicos más jóvenes no compran los discos, además si no lo hacíamos nosotros lo iba a hacer alguien y en peor calidad de audio y sin presentación. La idea es hacer algunas copias para prensa y dejar abierta la posibilidad de que algún sello quiera editarlo.

¿De dónde creen que viene ese miedo que hace creer a muchos artistas que si publican su disco sin costo no van a vender copias prensadas de su material?

Leo Dread: De las compañías, los sellos, las discográficas y las disqueras; pero la realidad es que se les está cayendo su sistema porque hoy en día todos saben que cualquier disco se consigue en internet y se descarga. La gente no es tonta.

Escuchando “Luz Verde” pude notar que aunque trata temáticas que ya han sido tratadas antes, no lo hace desde un lugar cliché, sino que las letras han sido muy bien cuidadas para proyectar el mensaje. ¿Cómo es el proceso de creación para Dread Negast?

Leo Dread: Este disco me dio más tiempo para elaborar las letras ya que el último disco de Negusa Negast es del 2005 y nuestro primer disco como Dread Negast fue de versiones, por ello se buscó que las frases fueran precisas y tuvieran contenido. Cuando uno compone desde temprana edad es difícil dejar de hacerlo, así que sigo proyectando ideas para futuros discos.

¿Qué estaban escuchando cuando componían estas canciones, que influencias creen que están presentes en él?

Leo Dread: Es muy variado y necesitaría varias páginas para explicar. Escucho toda la música que puedo sin discriminar género y a los demás integrantes les pasa lo mismo. Tanto en la carrera de Negusa Negast como en la de Dread ha habido influencias bien marcadas, como por ejemplo Bob Marley, Sumo, Andrés Calamaro, Manu Chao, Charly Garcia, etc. Por ejemplo, los vientos de “Luz Verde” están muy influenciados por el funk y jazz rock.

Parte de este disco cumple una suerte de collage, reviviendo canciones que eran previas al nacimiento de Dread Negast (“Música” y “Espíritu”, por ejemplo) para combinarlas con el nuevo material. ¿De dónde vino esa idea de juntar material de todas las épocas para definir su sonido actual?

Leo Dread: La idea de regrabar canciones viejas tiene dos motivos fundamentales, uno de ellos era mejorar canciones que queremos mucho y que pensábamos que podían reflejar nuestra evolución actual. Por otro lado, también queríamos mostrarle a la gente que nos escucha desde el comienzo que siempre seremos los mismos.

¿Alguna anécdota de alguna canción del disco que los haya sorprendido en su proceso final?

Leo Dread: La verdad es que todo “Luz Verde” fluyó de una manera natural ya que grabamos en nuestro propio estudio sin limitaciones en los tiempos.

¿Cuándo los seguidores de la banda van a poder sentir este disco en vivo? ¿Dónde lo van a presentar?

Leo Dread: El disco lo vamos a presentar el domingo 14 de junio en El Teatro de la ciudad de La Plata.

¿Cómo definirían el álbum en sus propias palabras?

Leo Dread: Es un disco de canciones con mensajes bien directos, donde se plantea una ideología ante la vida y una línea de pensamientos definidos que tienen que ver principalmente con defender la libertad de expresión y con la búsqueda de los sueños en tiempos de decepciones, crisis y desigualdad.

Ahora que tienen “Luz Verde” para seguir adelante, ¿cuál va a ser el camino de Dread Negast?

Leo Dread: El camino es ensayar y tocar en vivo como estamos haciendo ahora. Una banda crece tanto en el trabajo interno y la composición como en sus presentaciones en vivo, siempre producto de la práctica y la constancia.

Angelo lanza su tan esperado CD (Reseña oficial del Facebook del artista)

2009-05-19T12:07:00.000-07:00

“Mi disco va a ser de pop latino, aunque mi manera de cantar y la producción que se le esta haciendo hacen que las melodías suenen un poco más contundentes que las tradicionales de este género”, explica Juan Carlos Ángel para definir el sonido de su álbum debut.

Luego de aproximadamente 20 años de carrera artística y de transitar diversas corrientes musicales dentro del rock, este cantante mejor conocido como “Angelo”, se prepara a proyectar su talento influenciado por artistas como U2, Ricardo Montaner, Alejandro Fernández (última etapa) y Aleks Syntek, entre otros.

Angelo tuvo sus primeros pasos con las agrupaciones “Darath” (metal) y “Pulzo” (Fusión), pero fue en el 2006 cuando adquirió reconocimiento en todo Colombia, a raíz de su participación en el concurso de RCN Televisión llamado “Factor X”. Es en este punto, donde el comienza a proyectar su imagen de baladista romántico, que terminaría de fortalecerse un año más tarde en otro programa de la pantalla chica, “Dígalo Cantando” de canal Caracol. También ha trabajado realizando música comercial para diversas empresas y marcas como: Almacenes éxito, Coca Cola, Huevos Kinder, ICBF (del cual es actualmente la imagen en la campaña de “paternidad responsable”). Además participa interpretando la canción principal de la campaña en contra del maltrato femenino llamada “Ni con el pétalo de una rosa”, liderada por la actriz caleña Alejandra Borrero.

El disco está siendo grabado en el estudio Ártico Records, con la producción de Jorge “Pyngwi” Holguín (The Black Cat Bone, The Mills, Sin animo de lucro) y la mezcla de Boris Milán, conocido por su trabajo con artistas de la talla de Fanny Lu, Placido Domingo, Santana o Rocío Durcal. Para finalizar, Mike Couzzi está encargado de darle la pincelada final al álbum en calidad de ingeniero de master, así como hizo con Gloria Estefan, Pet Shop Boys, Juan Luis Guerra, Diego Torres y otros más. Por otra parte, las letras “principalmente hablan del amor, pero no solo el de pareja, sino también el de familia y siempre influenciadas por historias personales muy importantes”, puntualiza el artista.

Parte del compacto será material propio y el resto de otros compositores que buscarán darle relevancia al mismo, al respecto Angelo explica que “son letras muy elaboradas y muy cuidadas porque a los rockeros de vieja data no nos gusta escribir por escribir”. Este baladista colombiano, es también quien interpreta el tema central de la telenovela “Victoria” de Telemundo -producida por Miguel de Narvaez en Sonido Comercial y ganadora del premio ASCAP 2008 (Asociación Americana de Compositores, Autores y Publicadores)-. Cabe destacar que pasa algo curioso con esta pieza sonora llamada “Desde que te conocí” y es que muchos de los seguidores de esta historia televisiva confunden la voz de este cantante, con la del mexicano Alejandro Fernández (una de sus principales influencias).

Este disco debut contará con múltiples participaciones, hasta el momento no se ha pensado en personalidades de renombre pero si en músicos muy allegados al artista, considerados por el mismo como su propia familia. “Me parece que aquí lo importante no son los nombres de quilates porque a la larga no son más que nombres, por eso preferí apostar a la buena energía del producto y grabar con aquellos que me tendieron la mano cuando llegué a Bogotá. De esta manera logramos que cada uno diera más de lo que se le pedía”, explica Angelo.

En síntesis, próximamente saldrá del horno un disco de Pop Latino Moderno, el debut de Juan Carlos Angel. Un joven colombiano que busca condensar sus experiencia y las corrientes que lo han influenciado durante todos estos años, en una producción de alta calidad, sincera y realizada entre amigos.

Contacto: http://www.angelocolombia.com/, www.myspace.com/angelocolombia

Reconocimiento internacional para la agrupación Tribu (públicado por Revista Música - Medellín)

2009-04-14T06:49:00.000-07:00

Para agrandar el articulo presionar click.Esta nota fue públicada en la edición #21 de "Revista Música" (Medellín)

Para más información: http://www.revistamusica.com/ o info@revistamusica.com

Rocket buscando el sonido vital del talento colombiano

2009-04-10T11:51:00.000-07:00

Esta nota iba a salir públicada en "Revista Música" de la ciudad de Medellín en este mes, pero al final no fue incluída, así que la presento aquí:

Buscando encontrar nuevos talentos y sembrar una semilla, este programa de alternatividad musical que emite el capitalino Canal 13 visitó la ciudad de Armenia en el marco del “Festival sin rosca” que estarán promocionando por todo el país. Así fue como los pasados 25, 26 y 27 de Febrero apoyados por el conocido recinto citadino “Rockcity Bar”, audicionaron a los cuyabros con el fin de elegir los ganadores que próximamente invitaran a un evento exclusivo en Bogotá.

El radial Rock-Pop de La Cúpula, las distintas facetas de reggae que despliega Masai, la fusión de contemporaneidad y elementos pre-colombinos que desarrolla Tribu y el power metal de Breathe, entre otros; fueron algunos de los sonidos que deslumbraron a los cazatalentos capitalinos que llegaron esperanzados en la llamada ciudad milagro. “Cuando estuve en el fracasado Armenia Rock vi muchas bandas y muchas ganas, así que basado en esta experiencia sentí que valía la pena venir porque hay talento de sobra”, explicó el director de Rocket Gabriel Arrieta.

La realización del evento no fue nada fácil, conseguir patrocinios para su realización fue una completa odisea y faltó público debido al poco movimiento que tiene la capital del Quindío en días de semana. Pero no todo fue negro, hubo empresas e instituciones que en la manera que les fue posible apoyaron la iniciativa: la Corporación de Cultura y Turismo, la Finca Hotel Terruño San Julián y el Centro de Documentación Musical, sumados al lugar donde se realizó la convocatoria.

En su búsqueda de talento el jurado fue muy exigente con las bandas, Arrieta por ejemplo se refirió a un grupo de respetados artistas de la escena de la siguiente manera: “ellos tienen muy buena técnica, pero cuando suben a escena su sonido es plano y no tienen espíritu”. Aunque prefirió no dar nombres con el fin de evitar la filtración de los resultados que serán dados a conocer semanas después de la edición de esta nota. Para la selección de los ganadores también serán tomados en cuenta detalles como el poder de convocatoria, la solidaridad con otras agrupaciones y la actitud de quienes buscan abrir nuevos espacios para los sonidos de la zona.

Además de la cuota local; quienes asistieron a este evento pudieron disfrutar la técnica de Citadino Blues N Rock, el fuerza en vivo de Prave y la hilarante puesta en escena de Vulgarxito. Tres nombres que tienen importancia en el under bogotano y que acompañaron al equipo de este programa que emite Canal 13 todos los días festivos a las 10PM, en su primera visita a la capital quindiana.

Haciendo un balance, el director de Rocket se mostró optimista con los resultados: “hay desorden, pero también vimos fue mucho talento y disposición; hay artistas que al pedirles un bock no sabían a que nos referíamos pero que cuando subían a escena mostraban gran calidad”. Además de evaluar las virtudes, el jurado trató de explicarles a los jóvenes de la zona que para ascender y alcanzar los grandes festivales nacionales deben organizarse para comenzar a pensar como empresa.

El Festival Sin Rosca tiene pensado continuar su gira en Medellín, Bucaramanga e Ibagué y posteriormente expandirlo por todo el territorio colombiano, quienes desean tener este tour en su ciudad pueden escribir a rocket@canal13.com.co

La Cúpula en el "Festival sin rosca"

Escrito: Pablito Wilson

Fotos: Diego Andrés Perez

La Kinky Beat: De Barcelona para el mundo

2009-01-15T06:45:00.000-08:00

El año que corría era el 2003, un parche de amigos pertenecientes a otras agrupaciones de la escena conocida como “mestizaje” en Barcelona se junta para expandir sus horizontes musicales. De esta manera es como rock, punk, reggae y otros géneros terminan comprimidos en el demo homónimo y debut del colectivo musical llamado La Kinky Beat.

La canción “María María” rápidamente se convirtió en un hit y ayudo a la amplia repercusión que tuvo la banda con su mini-disco -que al año siguiente está quedaría materializada junto a otras 14 canciones más en el album “Made in barna” (2004)-. Posteriormente Gambeat (Radio Bemba Soundsystem) ayudo retocando la primera producción de estudio que los llevaría a cruzar las fronteras españolas y realizar aproximadamente 200 conciertos entre Alemania, Italia, Suecia, Francia, Belgica y Holanda.

A estas alturas La Kinky Beat es tentada por distintas vertientes electrónicas, lanza un álbum de remixes en el 2005 y suma a su formación al DJ Rudeman (ex-integrante de la banda italiana Ghetto 84), que había participado con algunas mezclas del mismo. Con esta nueva formación la banda suma el drum n bass a su collage rítmico, lanzando en el 2006 su segundo LP llamado “One More Time”. En los créditos, aparece Tomas Arroyos (ex-productor de Mano Negra) como responsable del sonido de excelentes piezas como: “Give Me” o “Black Panther”, entre otras. ¿La gira?, ahora suma lugares como México y Brasil a su programación europea.

El secreto de esta grabación esta en la minuciosidad en los detalles, las canciones ya no son tan veloces como las de antes y buscan más la incitación al baile -aunque de vez en cuando suelen explotar en un frenesí rítmico-. Para esta transición estilística resulta muy apropiada la incorporación del itálico Rudeman, experto en realizar raggamuffins de voz ronca símiles a los del jamaiquino Capleton.

17 de Marzo del 2008, ha llegado “Karate Beat” (tercer álbum) y cuenta con la producción de Dave Dibosso (ex-artífice del sonido Mala Rodriguez) sumada a las colaboraciones de Eddy Drammeh (7 notas, 7 colores) y de uno de los protegidos del músico Fermin Muguruza, el Brujo de Bad Sound System. El disco coquetea más con el género jungle que su antecesor y los beats han sido cuidados para que cada melodía encaje a la perfección en cualquier fiesta: “Citizens”, “How do you feel”, “No pain no gain” y “Addicted”; son parte de la revolución musical que ratifican en este compacto.

Muchos colombianos se enteraron de la existencia de este colectivo europeo en Rock al Parque 2008, cuando Miri Matahary (frontwoman del grupo) brilló en escena por su poderosa y exótica voz, mientras miles de asistentes se preguntaban de donde había salido una banda así de energética y contagiosa. En diciembre del pasado 2008 terminaron su “Karate Tour” que los llevo a dar más de 50 conciertos, en un total de 10 países –entre ellos un show en el importante festival Roskilde de Dinamarca-.

¿Qué esperas para escucharlos?, no vaya a ser que vuelvan al país y aun no los conozcas.

Web: www.myspace.com/lakinkybeat

Rock al parque (públicado por Revista Música - Medellín)

2009-01-13T11:43:00.000-08:00

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Esta nota fue públicada en la edición #20 de "Revista Música" (Medellín)
Para más información: http://www.revistamusica.com/ o info@revistamusica.com

Entrevista con Tostao de ChocQuibTown (con Audio)

2009-01-06T15:09:00.000-08:00

Las tres voces afrocolombianas que componen este colectivo Hip Hop, ajustan sus tuercas para su nuevo album y ahora no sólo vienen a hablarnos de su cultura sino también a denunciar la falta de representación que tienen las etnias minoritarias en la sociedad. Para este interprete, la generación de espacios de representación para las mismas en los medios de comunicación, es la clave.

Pablo Wilson: Bandas como la tuya son las que ponen a los europeos –y en algunos casos a los gringos- a escuchar música latina. ¿Cómo ha sido el proceso de ganarse ese lugar para Choc-Quib-Town?

Tostao: Nosotros hemos tenido posibilidad de ir a Estados Unidos dos veces (2006 y 2007), en el 2008 pudimos ir a Europa y compartir con la gente de por allá lo que hacemos. Hicimos diez conciertos y la aceptación fue como si nos conocieran de hace mil años, realmente es como si lo que estuviéramos tocando fuera bastante familiar para ellos.

Allá hay una fuerte afición por los ritmos de este continente. Profetas de Colombia o Karamelo Santo de Argentina son algunos ejemplos de sonidos modernos latinos que tienen gran aceptación en el viejo continente…

Es un ritmo muy apetecido en todos estos lugares, porque es algo que ellos no tienen y eso abre bastante las puertas a grupos como nosotros.

Escuchando algunas canciones en el My Space, parece haberse fortalecido la línea social que tu banda tenía en su disco debut con canciones como “Somos Pacifico” o “Busco Personas”. Hablanos un poco de la parte lirica del compacto.

Las letras de Oro van desde lo más rumbero, hasta lo más social y político. Desde el mismo nombre de la producción se hace referencia a una explotación de las minas de oro (en Chocó y la Guajira). Este abuso, nunca tuvo el aval de la gente que vivía en esas tierras, así que nosotros ponemos a colación la realidad del pasado y de la actualidad de un país, ya que la denuncia es algo que uno debe tener en cuenta en todas las líneas artísticas.

¿Por qué crees que hoy en día hay más bandas que protestan contra este tipo de hechos?

El abuso es cada vez más descarado y por ello la denuncia se vuelve mayor, porque ya no sólo lo ven unos pocos sino que todo el mundo lo ve. Creo que por eso ahora la gente que hace música busca llamar la atención de los que están distraídos en cuanto a todo esto.

Ultimamente hay quienes hablan de racismo en Colombia, ¿Qué tan acertada te parece esta denuncia?

No podría decir que este sea un país un racista, pero si que tiene un fuerte desconocimiento de sus etnias y que por eso cae en algunos errores; si vamos a los medios masivos de información, vemos que hay muy pocos presentadores afro y casi ninguno indígena. Ante esto se demuestra que Colombia tiene un sentimiento “anti” al respecto, o que no se ha percatado de que dándoles a ellos un lugar en la pantalla puede hacer que la nación se relacione con su realidad y con la del país, al menos desde el aspecto visual. Porque hoy en día, si vemos los noticieros podemos percibir que hay cierta discriminación.

¿Acerca de que tema hablás en Oro que sea muy importante para vos y en que canción se materializa esa consigna cuando estás en escena?

Hay una canción llamada “Prietos” , que es una forma popular para llamar a los afrocolombianos. Es una denuncia, porque hay lugares como en el interior del país donde se quiere desconocer ese espacio de participación de lo afro, en círculos políticos o en espacios que sean diferentes a la cultura y a la danza. Entonces es un llamado de atención, porque ellos no sólo están para hacer divertir a la gente sino también en espacios académicos, científicos y tecnológicos.

Eso sería dicho con mis palabras, aunque la parte sonora es más laxa porque yo nunca trato de que la denuncia sobre el recurso artístico, porque uno no puede anteponer el discurso a la música, sino más que denuncia estaría haciendo propaganda.

¿Qué puedes contar acerca de los invitados que tiene Oro?

En nuestro segundo sencillo llamado “Son Berejú” aparece Jacobo Velez, el director de la Mojarra Electrica que hace un solo de saxofón bastante virtuoso en mi opinión. Por otro lado en “Prietos” aparece DJ Chino de Culcha Candela –colectivo alemán que cuenta con 2 figuras locales-; también están los pitos de La 33, Erika Muñoz de Sidestepper, etc. Este disco fue producido por músicos de una sola familia que se llama “la nueva música colombiana” y es bonito ver que no sólo hay excelencia sino también un punto de unión y convergencia”. Esto no sirve únicamente para sacar adelante material de Choc-Quib-Town sino para visibilizar en el mundo lo que se hace aquí por encima de los géneros apadrinados por grandes disqueras.

Hace meses apareciste en el programa “Se busca interprete” de RCN, demostraste que lo underground también puede ser masivo y que dentro de estos estilos hay mucho talento que espera a ser impulsado. ¡Felicitaciones al respecto!

Gracias.

Es que toda la música en el mundo ha pasado este proceso antes de ser mainstream: la salsa, el rock hasta el hip hop inclusive. Pasa que un nuevo género es como un niño pequeño cuando nace, que tiene que aprender a hablar, caminar y todo eso; es un proceso de investigación. Por otra parte, lo que nosotros condenamos de estos nuevas tendencias colombianas, es que uno no puede caer en la lógica de imitar a otros –nacionales como extranjeros- porque está dejando de crear para comenzar a copiar y lo importante en estos casos es que el discurso salga de uno mismo y no del jefe de una disquera que nos dice que para vender debemos parecernos a fulano de tal. Eso es lo delicado, nosotros hacemos esto porque lo sentimos y porque queremos transmitir este sonido y eso es lo importante que hay que mantener, la línea artística y no dejar que se convierta en administrativa.

Foto: Fuente "El Tiempo"

Nota: Entrevista realizadas a pocos días de la salida de Oro

Escucha un fragmento de esta nota aquí: http://www.megaupload.com/?d=F1ZW2M57

Victoria Sur: "El genio de la botella" (Con Audio)

2008-12-16T09:35:00.000-08:00

Victoria asemeja en su pagina web al barrio donde creció en la ciudad de Armenia con un recipiente de vidrio, debido a que este al estar aislado de la jungla de cemento se convertía en: “una especie de aldea maravillosa”. De ser así, los años pasaron y esta amante de la sonoridad de los grillos y las chicharras ha salido de su hermetismo mágico para cumplir nuestros deseos musicales.

Si nunca antes habían escuchado de ella, esto se debe a que esta chica pelirroja no viene de círculos de pop, ni de rock –los que hoy en día transita-. Su primera producción solista llamada “Bambuco Acido” revolucionó uno de los géneros más identitarios de su departamento y la llevo entre otros logros a compartir escena con la gran Omara Portuondo (Buena Vista Social Club). Será sólo cuestión de tiempo para que de igual manera “Colección de Mundos” comience a dejar huella en la escena colombiana.

Aunque Victoria Sur ya no es una artista fusión como lo fue en sus inicios, sus raíces siguen presentes en sus canciones; por ejemplo “Pasos Nocturnos” añade a los elementos de su tierra una impecable cuota de flamenco. Otras composiciones donde este detalle autóctono es fuertemente perceptible, son la que le da el nombre al disco y “El agua” –una de las melodías de su primera etapa que ha sido llevada a su nuevo formato-.

A la hora de hacer rock, “Inventándote” se da el lujo de funcionarle como una carta infalible a la hora de robar audiencia de otro de sus públicos. Y por si a alguno le quedan dudas acerca de sus capacidades, “Equilibrio” y “Te Dejo” los convencerán de lo errado de su observación. Cuando ella no sólo saque a relucir sus habilidades vocales, sino también demuestre que es una experta manejando los climas diversos que nos lleva a transitar. ¡Señores el eclecticismo de este compacto no tiene limites!

Desde luego que su salto del circuito underground al comercial vino acompañado de reproches y protestas: “si quieren decir que soy pop me parece bien, ya que este termino deriva de lo popular y significa que uno ha entendido ciertos cánones universales y una forma particular de hacer canciones que esta estandarizada en el planeta”, argumenta Victoria. ¿Y existe acaso una mejor manera de ambicionar a este logro que encargar la mezcla de su compacto al ingeniero de sonido de Soda Stereo, Eduardo Bergallo?. Por su parte Teto Ocampo, arreglista de “Clásicos de la provincia” de Carlos Vives también puso sus manos en este trabajo.

En el marco de esta búsqueda de la artista por el crecimiento de su sonido, su álbum presenta “Imagino, sólo eso” y “Carta de domingo” como puertas a la difusión radiofónica. Las otras melodías que completan la cajita musical son la sensual “Mi mejor coctel” y las alegres “Mi vida contigo” y “Debajo de tu piel” -que de aquí a unos meses podrían convertirse en ases bajo la manga para la compositora-.

En su nuevo álbum Victoria colecciona mundos y dentro de ellos aspira ser la embajadora de uno muy especial: su tierra.

Nota públicada en edición de Diciembre de "Music Machine Magazine" (http://www.musicmachinemagazine.com/)
Escucha algunas palabras de Victoria al respecto: http://www.megaupload.com/?d=D1E6HLNV

Doctor Krapula: "No a la revolución, si a la re-evolución" (Públicado por "Music Machine Magazine" - Bogotá) + Audios

2008-12-16T08:48:00.003-08:00

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Esta nota fue públicada en la edición 000 de "Music Machine Magazine" http://www.musicmachinemagazine.com/)

Fragmento 1 de la nota: http://www.megaupload.com/?d=RMWHVM1F

Fragmento 2 de la nota: http://www.megaupload.com/?d=AEHIKBPT

SKA-P - "Lágrimas y gozos"

2008-10-18T12:52:00.000-07:00

Y si, esta banda lo hizo de nuevo…

Otra vez apeló a consignas sociales para su nuevo disco, otra vez optó por la provocación y la exaltación de los problemas de nuestra actualidad para dar identidad a su sexto disco de estudio y desde luego otra vez demostró que siguiendo su peculiar estilo ratifica su calidad como banda con cada composición. Señoras y señores esto es Lagrimas y Gozos, dolor y la ironía para soportarlo.

Atacar al gobierno, la iglesia, o a la desigualdad parece tarea fácil para una banda de rock hasta que estos españoles comienzan a hacerlo. Pasa que criticar es sencillo, pero disparar frases como las que tiran estos chicos que dejan pensando a más de una cabeza es lo complicado del asunto.

Ya desde el primer corte de difusión “Crimen Sollicitacionis” se pueden apreciar algunos juegos de palabras interesantes ("bajo mi sotana, puedes encontrar a Dios") o punzantes rimas ("en la sacristía hay mucha pederastía"). Esta canción utiliza casi cinco minutos para condenar al vaticano por defender a los sacerdotes que abusan de los niños. Su nombre hace referencia a un documento de 1962, mediante el cual la cúpula eclesiastica ordena que se oculten los abusos sexuales producidos por sus miembros.

No hay cabeza que Ska-P no corte en esta ocasión: Aznar, Estados Unidos y hasta Santa Claus reciben los disparos que se ejecutan en este pentágono de 13 canciones. En “Fuego y miedo” a poco tiempo de la muerte de Charlton Heston -actor que hizo famosos sus polémicos discursos derechistas a favor de la posesión personal de armas de fuego- se hace memoria a las víctimas de Columbine, a las de Virginia, a las de Carmen de Patagones y a las de todos esos lugares donde han ocurrido tragedias similares.

Ya desde su titulo, la composición “Los hijos bastardos de la globalización” nos suena impactante. Lo será aun más cuando Pul Pul su vocalista, se ponga momentáneamente en la piel de un niño de 12 años que fabricando juguetes en Asia se cuestiona “no se lo que es globalización, no se lo que son derechos humanos, solo soy un eslabón, una pieza más de un puzzle macabro”.

Pero pasemos a la música, porque si bien las letras son fuertes, directas y filosas la sonoridad no se queda atrás. Los energéticos vientos que abren “Ni fu, ni fa”; la juguetona “Gasta Claus”; o el rock gritón del estribillo de “La Colmena” dan fe de ello : “Te has olvidado que existimos y estamos aquí, la misma pesadilla que no te deja dormir, somos la mala hierba que quisiste eliminar, por mucho que lo intentes volveremos a brotar”, grita la voz del grupo mientras guitarras furibundas hacen su entrada.

Mientras el mundo siga pariendo sus atrocidades y mientras los chicos tengan la cabeza fresca para hacer su trabajo, la formula seguirá funcionando. Es triste, pero tiene la ventaja de que al menos por la primera cuestión tendremos Ska-P para rato. Sólo esperemos que los esfuerzos de esta y todas las bandas que convierten su impotencia en producciones sonoras, nos dejen algo más que buenas canciones.

Cultura Profética: Un producto de calidad garantizado por The Wailers

2007-12-13T19:44:00.000-08:00

En su segunda visita este año a nuestro país, esta banda emblemática del reggae latinoamericano nos habla del compacto que están presentando (Tributo a Bob Marley –avalado por los exmúsicos del rey-), su nuevo disco de estudio y de impresiones acerca del reggae en argentina y en el mundo. Omar Silva (Bajo) y Elliut González (Guitarra) tienen la palabra…

¿Cómo surge la idea del tributo a Bob Marley, por qué hacerlo en este momento?

Omar: El disco no fue la idea original, la idea fue hacer un taller de exploración bien fiel de los elementos de composición de The Wailers, era algo que hacíamos todos los años pero con temas más oscuritos del repertorio de Bob. El público comenzó a pedir temas que pudiera cantar y les hicimos la versión 2006 que fue la que se grabo para este disco, luego al escucharla en el estudio nos sorprendió que esa noche habíamos tocado súper bien y que era sólo mezclarlo y lanzarlo. Así que nos animamos y lo lanzamos, tuvo buena aceptación, a la gente le gusto ese sonido fiel.

Eliut: No hicimos un tributo a Bob Marley sólo por hacer un tributo porque mucha gente ha hecho estos tributos (Groundation, Africa Unite, Gilberto Gil), además la idea era volver a la escuela del reggae recuperando los ritmos de los Wailers. La dinámica entre ellos y ver como todo funcionaba nos ayudo muchísimo porque funcionó de la mano con la practica que realizamos para hacer el disco MOTA.

¿Un tributo a Marley le sirve a una banda para darse a conocer en otros lugares donde su música no suena?

Omar: No dudamos que eso pueda ser llavecita de algunas puertas, especialmente en Estados Unidos porque cuando tocamos una canción de Bob hay una conexión con la melodía porque es en su idioma. En una ocasión el Hard Rock Café los Wailers tuvieron la oportunidad de escuchar dos canciones en vivo de este tributo e hicieron muy buenos comentarios. Y ahí ya esta, ¿si te lo dicen ellos que más quieres?

¿Cuenten con sus palabras como fueron esos Momentos de Ocio en el Templo del Ajusco? (Tiempo de preproducción del compacto MOTA, en una casa situada en una montaña mexicana)

Omar: No es un templo, nosotros lo bautizamos asi porque era una casa, similar a esta… (comenta señalando la habitación que funciona como oficina de Pop Art, ubicada en una casa antigua situada sobre La Trastienda)… donde estuvimos ensayando durante varios días. Íbamos a quedarnos dos meses pero nos terminamos quedando cuatro; paralelo a este taller creativo durante los fines de semana dimos 26 conciertos y fue una experiencia super rica, conviviendo todos juntos, padeciendo males ajenos.

Elliut: Allí creamos nuestro cuartito con nuestras cosas, nos llevamos todo y creamos nuestro “templo”, hicimos un horario bien respetado e íbamos grabando con nuestro computador lo que hacíamos, en este taller creativo… fluyendo.

¿Alguna anécdota de algún hecho particular que haya sucedido allá?

Omar: Varias, quizás una podría ser el de la canción “Un Deseo” que nosotros la hicimos formato taller, en algo que llamamos nuestro festival de cine mexicano porque el road manager oriundo de allá nos puso las películas que el creía mejores. Después de una de estas, nos quedamos hablando así sobre una frase que dice uno de los personajes: “todo miedo esconde un deseo” y eso se quedó, nosotros hablamos de eso, Willy retuvo la idea y nació esta canción.

Ustedes han grabado con artistas de reggaetón a quienes parecen tenerle un gran aprecio (Vico C, Eddie Dee). Pero por otra parte también se les siente una reticencia a lo masivo de este género como se refleja en canciones como “Nadie se atreve”…

Elliut: No a lo masivo, lo que pasa es que hay mucha mediocridad. Nosotros los conocemos y muchas veces hemos grabado con artistas así

Omar: Ellos tienen un lugar privilegiado que es el escenario, donde eres el foco de atención de demasiada gente y ahí están haciendo trivialidades…

…¿Por ejemplo, para ustedes por que se destaca una persona como Vico C?

Omar: A Vico C le llaman el filósofo…

El desde el principio siempre ha tenido su contenido social, vivió la injusticia, el crimen y desde ahí el se expreso siempre cuestionando porque las cosas son así y un poco unifico a toda la sociedad puertorriqueña en sus canciones.

Elliut: Si, Vico C es el padre del rap o el hip hop en Puerto Rico y el precursor de esta línea de ahora (Reggaeton), hizo diversos géneros y siempre tuvo mucho contenido en sus letras buscando renovar e innovar. El ya nos había hecho el ofrecimiento y nosotros con mucho respeto nos acercamos, en su CD (“Desahogo”) viene un DVD que refleja como fluyeron creativamente las cosas en la grabación de “Te me puedo escapar”.

¿En las pocas presentaciones que han tenido acá, que impresiones se han llevado del público reggaero argentino?, ¿Cómo es la audiencia de acá?

Omar: No sabríamos decirte bien, pero por ejemplo algo que nos llama la atención es que el público es muy atento, sobre todo con lo respecto a la musicalidad. Si alguien se luce o se destaca se dan cuenta de todos los detalles.

Elliut: Lo que sentimos es que la gente conoce sobre la música, saben apreciar algo que otros públicos no. Por ejemplo hay lados donde están pendientes de la letra y si pasa un solo de piano nadie se enteró. Acá aplauden a cada detalle, a cada cosa.

¿Háblennos un poco de la relación con Los Cafres?

Omar: Nosotros siempre fuimos fanáticos de ellos, hasta nos influenciaron porque cuando estábamos en Jamaica grabando el primer disco escuchábamos todo el día música de ellos. Nosotros decidimos llevarlos a ellos a que abrieran nuestro primer concierto importante en la isla y ellos han hecho una carrera en base a eso y hoy en día van y tocan por su cuenta allá. Hemos coincidido en varios países y son como nuestros hermanitos

…¿Lo mismo con Gondwana?, porque las tres están actualmente en la cúspide del reggae latino…

Elliut: Con ellos también tenemos una relación buenísima y somos panas, no vemos a nadie como una competencia, cuantos más seamos en esto mejor es.

Omar: La verdad estamos locos por realizar la gira: Cultura, Cafres, Gondwana

¿Las bandas y el público se unen haciendo crecer la movida únicamente o también hay una cuota de moda en el reggae actual?

Omar: Lo que pasa es que el reggae ya se ha convertido en una música de la lucha mundial, a mi me sorprendió mucho un comentario del presidente de Amnisty Internacional donde dijo que en todos los países del mundo donde ellos hacen una actividad nunca falta una bandera con la cara de Bob Marley. Para mi el reggae es una música para todos los que soñamos un mundo mejor y si desde el 70 esta dentro del mainstream y el underground mundial no siento que sea una moda, estamos en el 2007!

Elliut: Puede tener un boom por X grupo que salió, pero el reggae no muere. Por otro lado hay que ver como esta música ha calado como género en el ámbito internacional y geopolítico. Por eso no siento que sea una moda.

¿Escuchan bandas del género de Argentina aparte de Los Cafres?

Omar: He escuchado Nonpalidece…

Elliut: Dancing Mood increíble, es como más ska, rocksteady… Riddim, hace pocó escuche unos que no son conocidos y se llaman Sig Ragga.

Omar: También llevamos escuchando Los Pericos desde hace tiempo… Charlan Jáparos

Elliut: Por Los Cafres hemos conocido mucha música, también hemos sido fanáticos de Fabulosos Cadillacs…

¿Hay planes de un nuevo disco de Cultura?

Omar: Justo antes de venir a Argentina estuvimos grabando en el estudio dos temas para el nuevo disco; tenemos nuevas ideas, un par de canciones definidas. Queremos al final de este viaje darle duro para ver si en mayo del año que viene ya sale. Podríamos decir que el parto ya empezó.

¿Va a ser tan diverso como MOTA?

Omar: Yo siento que el disco nuevo tiene una frescura que tiene el sonido de la banda ahora, vamos a seguir la onda del hip hop, incluso tenemos muy buenos textos que se han desarrollado. Creo que va a tener un sabor más espontáneo, más orgánico.

Elliut: Yo siento que hay una sencillez, que le da una belleza diferente que a lo que estamos acostumbrados. Tratamos siempre de hacer algo con estilo de Cultura, pero que no se quede en copiar lo que está.

Video de "Rítmo que pesa" del album MOTA:

Bersuit - "Bersuit" ("?")

2007-12-03T22:57:00.001-08:00

Encontré "Laten Bolas" hace aproximadamente un mes en internet, terminé mi escucha, tome aire profundamente, exhale y pensé: duelen bolas.

De entrada me molestó el concepto de la canción, (más de lo mismo). Esa idea tan bersuitera de que la hombría pasa por los huevos a mi francamente me hinchó las pelotas. Por escuchar a tipos que se expresan por sus movimientos cardiotésticulares y no por sus ideas es que estamos donde y como estamos. La parte rítmica, opacada por todo esto.

Pasemos al resto del album...

Liberados del penal Santaolalla, los Bersuit Vergarabat dieron rienda suelta a aquella creatividad que fue tan echada de menos en el pasado "Testosterona", este disco se da el lujo de transitar por estilos diferentes manteniendo el sello personal que el colectivo sabe darle a sus producciones. Alimentado con rock, murga. balada y hasta una agresiva composición electro podemos afirmar que esta octava placa es lo más arriesgado y creativo que la banda del pelado compone en mucho tiempo.

El disco pendula entre la vulgaridad y la belleza y aunque la primera satura a ratos, lo que la banda busca es precisamente eso, generar a través del choque reacciones de dolor o bronca en los seguidores.

Esto sucede con la rioplatense "De ahí soy yo", una pieza magistral del disco pero que marea con su terminología -¿hacía falta pronunciar apróximadamente 30 veces la palabra mierda para hablar de las papeleras uruguayas?-. Unas canciones más adelante se repetirá la formula cuando en una oleada de puteadas Cordera demuestre que será "Siempre el mismo".

La melodías emotivas del disco llegan con la voz de Ciro Pertusi que encaja a la perfección en el tema "Rebelión" -que lejos de llamar a la misma desde el quilombo como se hace generalmente es una oda romántica a esta acción de lucha-. Después Subirá sollozando le erizará los pelos a cualquiera cuando entone "Humor Linyera", para luego provocarar un Deja Vu de las mismas sensaciones cuando en un tono más alegre le cante a la "Luna Hermosa".

La impecablemente amorfa "No me paranoiqueen" es toda una obra de arte, en cuatro minutos se da el lujo de transitar por diversos ritmos, instalar distintos climas, burlarse de Los Auténticos Decadentes y hasta quizás de homenajear a Shakespeare planteando una especie de debate -"coger o no coger, esa es la cuestión"; pensarían los chicos en pijama-. "Mi vida" pasa como un rock intrascendente, con un coro que apaga la composición; aunque por suerte la energía perdida se rescata a continuación con la infalible "Ebrio de sinrazón" -la única cumbia del disco- .

Resumiendo: un disco casi impecable, intrépido y variado, pero se sigue extrañando a la Bersuit contestataria que quizás jamás vuelva. Además, el exceso de testosterona en algo les dura y eso provoca que sigan siendo turistas de lugares comunes.

Los Cafres - "Barrilete" y "Hombre Simple"

2007-12-03T22:57:00.000-08:00

Transitando las diversas tendencias del reggae, Los Cafres lanzan dos gemelos sonoros que ratifican su título de actuales reyes del género en la Argentina.

Los álbumes dobles siempre trajeron algo bueno. En ocasiones las mejores producciones dentro de la discografía de algunas bandas. Mágica e inesperadamente a Los Cafres, principales artífices del roots argentino, les llegó la hora de probar la experiencia con 32 canciones que coquetean con el roots, el dancehall y el dub. Resultando estas perfectas para diversos climas y despertar múltiples emociones.

La selección de las canciones se tuvo que hacer entre casi doscientos temas compuestos -¿estaban buscando componer un salmón en clave verde?-. Pero eso no es nada, según lo que contó Guillermo Bonetto en el programa radial de Mario Pergolini, cien canciones eran lo suficientemente buenas como para ser grabadas. Fue allí en "¿Cuál es?" donde el público votó como corte de difusión a la canción "Bastará", cuyo video fue grabado la semana de edición del disco.

Las temáticas recorren los mismos caminos transitados anteriormente: el amor (fuertemente presente en la historia cafre), la superación personal, la religión (pero sin caer en el cliche de saturar con la palabra Jah) y en este caso la política ("Mafia"). Aunque no queda bien definido en este último punto a quién se dirige la composición (¿Bush? ¿Kirchner? ¿o quizás es una opinión más global?).

Tan sólo dando la primera revisada a "Barrilete" y a "Hombre simple" se nota que su producción fue un proceso mucho más libre y fresco que el de composiciones anteriores. Por otro lado, los chicos se dan el lujo de volver a cantar en inglés en un compacto -cosa que no hacían desde su álbum debut-, o de juguetear con el spanglish. En otras palabras, hicieron lo que se les dio la gana y el resultado fue un compilado de experiencia Cafre, con canciones que quizás sean las más naturales de su discografía.

Frescura que se percibe de entrada con los temas mañaneros que abren cada compacto: "Barrilete" e "Isla". Los suaves arreglos electrónicos de la primera o la flauta de la segunda aportan la dulzura apropiada para abrir el trayecto por cada CD. Las últimas melodías son las más incendiarias (a excepción de los dos dubs que cierran cada compacto). "Mucha data", "Shout", "Por que a mi" y "Advance" son las cuatro elegidas para aportar la influencia de la jamaica actual en el sonido de la banda. La fusión también está presente con la aparición hiphopera del MC Sergio Sandoval ("Iluminate"), en la canción homónima "Hombre simple".

En Los Cafres, la palabra roots no es sinónimo de somnífero (como suele suceder con otras bandas). Su precisión -tanto en este disco como en anteriores- recuerda a los impecables estadounidenses de Groundation y las canciones gozan de una saludable energía. Cadencias acarameladas como "Momento", "Dulce muñequita", "Corazoncito" o "El oasis", entre muchas otras que hay en esta doble producción, lo demuestran.